A obra é literalmente a gravação de um show do grupo. Na verdade, uma edição de quatro noites de apresentações, no Hollywood Pantages Theatre em Los Angeles, em dezembro de 1983. Começa por “Psycho Killer”, logo de cara, só com David Byrne e violão, em cima de um palco completamente desmontado e despido.

Forma e conteúdo. O grande trunfo é a união dos dois elementos. A apresentação começa com esse cenário totalmente desfeito, e apenas um músico, e a cada música vai ganhando adições. Os integrantes da banda vão entrando em cena a cada música, assim como as estruturas do palco, a base para a bateria, as cortinas.

Lá pela sexta ou sétima canção, o palco está cheio. Os quatro Talking Heads são acompanhados por outros três músicos e duas vocalistas de apoio. Nova pessoas muito ensaiadas, que trocam de roupas em vários momentos, dançam, pulam e correm em sincronia. Sem dispor de grandes recursos tecnológicos, a produção abraça o teatral, os jogos de luzes e sombras, com muita criatividade e elegância.

Mas nada disso funcionaria tão bem sem o principal elemento, a música. Uma banda no auge de seus poderes, exalando energia e inventividade, com um repertório consolidado e diverso. Hits como “Burning Down the House” e “This Must Be the Place (Naive Melody)”, e canções como “Found a Job” e “Girlfriend Is Better”, todas demonstram um encontro muito bem balanceado de selvageria e aspiração intelectual.

Uma apresentação extremamente ensaiada, pensada, detalhada. E, ao mesmo tempo, muito visceral, dinâmica, colorida, cheia de vida. Essa união faz jus ao título de melhor filme-concerto de todos os tempos.

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Amy Winehouse foi uma pessoa muito complexa. Uma artista brilhante, genial, de fama radiante, com uma vida pessoal cheia de vícios e controvérsias. Todos os ângulos de sua biografia são visões intensas, cheias de tramas a serem contadas. E o que se vê em tela não consegue aprofundar nenhum aspecto.

É compreensível que cinebiografias tenham esse desafio: qual caminho tomar para relatar a vida de alguém? Privilegiar o lado artístico ou o pessoal? Abordar um episódio específico, ou tentar cobrir tudo que puder ser de interesse do público? Como dosar tudo isso? Cada caso é um caso, mas aqui, nesse específico, qualquer escolha dessas permitiria a realização de um filme mais interessante.

“Back to Black” tenta falar de quase tudo, mas acaba sempre sendo superficial. A atuação de Marisa Abela é esforçada e tem alguns bons momentos, mas falta malícia, falta aquele ar sagaz que Amy exalava. O alcoolismo, a bulimia, o vício em drogas pesadas, o conflito com a fama, tudo é citado de forma leve, sem o peso e as consequências extremas que causaram.

A carreira musical parece mero pano de fundo, com prêmios sendo mais importantes do que os discos em si. A influência do hip-hop em sua obra é completamente ignorada. Mark Ronson, produtor fundamental e amigo da cantora, nem aparece. Certa liberdade artística quanto a precisão de fatos e cronologias históricas pode ser tolerada. Mas há limites que precisavam ter sido mais respeitados.

O que leva a mais um grande problema da película, que é a forma como o pai e o ex-marido são retratados. Mitch Winehouse é, no mínimo, uma figura polêmica. Se mantinha uma relação próxima e carinhosa com a filha, também foi acusado muitas vezes de se aproveitar e faturar em cima de sua fama. O filme só mostra o lado bom, apenas do pai presente. Blake, que entre idas e vindas de um relacionamento extremamente tóxico com a cantora, a introduziu às drogas pesadas, e aqui também é retratado de forma amena, como alguém muito mais inocente do que foi.

É impossível não comparar “Back to Black” com “Amy”, documentário de 2015 vencedor do Oscar. Mesmo sabendo da diferença de linguagens, onde este novo lançamento é raso, o anterior investiga profundamente a vida da artista em todos seus aspectos. Sua música, sua fama, suas relações abusivas, seus últimos anos sofridos. É um registro triste, mas verdadeiro.

A divulgação de “Back to Black” traz a ideia de celebrar a obra e a pessoa que foi Amy Winehouse. Não há essa grande celebração musical, nem reflexão sobre as agruras da fama, nem sofrimento com vícios. “Back to Black” tenta pintar uma fotografia domesticada, de uma pessoa que foi selvagem e incontrolável. E mesmo essa fotografia domesticada é decepcionante.

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Dorival Caymmi valorizava o ócio. Como todo bom gênio, sabia que o talento que tinha precisava de prática, de vivência e de espera, de descanso. O documentário “Dorival Caymmi – Um Homem de Afetos“, de Daniela Broitman, mostra tudo isso através de histórias e memórias contadas pelo próprio artista e pessoas de sua convivência próxima.

Sem tomar um rumo didático e cronológico, o longa se desenvolve muito em volta de uma entrevista inédita encontrada pela produção, gravada em 1998 na casa de amigos do artista. O amigo com quem Dorival trocava telefonemas sobre o nada, e que o ajuda a relembrar episódios de vida que renderam composições famosas, como “A Mulher do Vizinho“.

Contar a história mais linear fica a cargo de seus filhos e amigos. Dori, Danilo e Nana Caymmi falam sobre a vida com o pai, dentro e fora de casa, e a relação íntima fortíssima com a mãe dos três, Stella. Caetano Veloso e Gilberto Gil, sempre muito dispostos e acessíveis, relatam sobre a carreira musical de Dorival, com a devoção que um ídolo e mentor merece. 
Todos esses depoimentos, de Dorival e de sua gente, são o grande valor aqui. A diretora declarou em entrevistas que queria mostrar o lado humano do artista. Como era sua intimidade, seu dia a dia, sua convivência com as pessoas, suas inspirações, seus vícios, sua religiosidade. 

Talvez para os não iniciados o documentário deixe algumas lacunas. Mas, por outro lado, traz uma riqueza de narrativas envolvendo Dorival e Carmen Miranda, Assis Chateaubriand, Vinícius de Moraes. Imagens de arquivo com Tom Jobim e Andy Williams. Participações em filmes, no teatro, no carnaval. Influência na bossa nova e na tropicália. Todo um legado inestimável para a cultura brasileira. 

“Dorival Caymmi – Um Homem de Afetos” foi lançado originalmente em festivais de cinema em 2019, chegando a ganhar prêmios e reconhecimento. A pandemia e problemas de investimento atrasaram o lançamento comercial da obra. Agora, no dia 25 de abril, o título ganha às telas do país inteiro, na semana em que Dorival completaria 110 anos.

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