Embora seja uma compilação estratégica e não um longa-metragem canônico tradicional, o filme superou as expectativas. De fato, ele entrega uma experiência cinematográfica que honra a qualidade da franquia.

Animação e Qualidade Técnica Impecáveis

A animação, como de costume, está em um patamar de excelência, merecendo um 10/10. O Studio MAPPA demonstra mais uma vez seu domínio técnico, com um trabalho que beira a perfeição. Além disso, as cenas de luta são incrivelmente detalhadas e fluidas. Elas capturam a intensidade e a brutalidade que são marcas registradas de Jujutsu Kaisen. Portanto, a qualidade visual por si só já justifica o ingresso, transformando cada confronto em um espetáculo à parte.

Estrutura Narrativa e Adaptação Fiel

Um dos grandes acertos do filme é sua estrutura. Em primeiro lugar, ela funciona perfeitamente como uma ponte para a próxima temporada.

• Recapitulação Eficaz: Os 45 a 50 minutos iniciais são dedicados a uma recapitulação bem-feita dos eventos do Arco do Incidente de Shibuya. Consequentemente, esta revisão é tão fluida e bem montada que permite ao espectador relembrar todos os eventos cruciais da segunda temporada sem a necessidade de reassisti-la. Assim, o impacto emocional e a complexidade da narrativa são preservados.
• Fidelidade e Fluidez na Adaptação: O novo material do filme cobre o final do Arco de Shibuya e avança na adaptação do mangá, abrangendo os capítulos 138 a 144. Nesse sentido, esta porção introduz o cenário do Culling Game e os primeiros confrontos. Por exemplo, vemos o aguardado embate entre Yuji Itadori e Yuta Okkotsu, o crucial encontro com Mestre Tengen e a introdução de novos personagens-chave, como os membros da família Zen’in. A adaptação é notavelmente fiel e fluida, servindo como os dois primeiros episódios da vindoura terceira temporada.
• A Narradora Essencial: A manutenção da narradora do Arco de Shibuya é um ponto positivo crucial. Afinal, dada a complexidade das técnicas e habilidades do universo de Jujutsu Kaisen, a narração é fundamental para explicar os conceitos mais intrincados. Dessa forma, garante-se que a audiência compreenda a profundidade das batalhas.

Jujutsu Kaisen: Execution Um Investimento que Vale a Pena

“Jujutsu Kaisen: Execution” é mais do que um filme de compilação; é uma experiência de alta qualidade. Em suma, ele cumpre seu papel de aquecer os fãs para o Culling Game. A combinação de uma animação de ponta, cenas de luta espetaculares e uma recapitulação eficiente faz com que o filme seja um investimento que vale cada centavo do ingresso. Em outras palavras, é a maneira ideal de se preparar para a terceira temporada e testemunhar o início de um dos arcos mais aclamados do mangá.

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O ritmo intenso, condensado em 1h40, pode parecer apressado em certos trechos, mas no geral cria uma adrenalina visceral, equilibrando empolgação e pavor. A narrativa intercala humor e melancolia de forma precisa, resultando em uma obra poderosa e coesa, uma continuação digna da primeira temporada.
Chainsaw Man: O Arco da Reze é uma recomendação certa tanto para fãs do anime quanto para novos espectadores.

A Profundidade de uma Tragédia Anunciada

Bons filmes permanecem com o espectador, e Chainsaw Man: O Arco da Reze cumpre essa premissa com maestria. A obra alterna mudanças drásticas de tom e gênero, transitando da leveza da comédia romântica ao horror emocional. A primeira metade mostra a aproximação entre Denji e Reze, enquanto ele ainda lida com seus sentimentos conflitantes por Makima.
Esses momentos são genuinamente doces e é justamente isso que torna o impacto da segunda metade devastador.

Denji sonha com algo simples: uma vida pacífica ao lado de Reze, frequentar a escola, viver como um adolescente comum. Mas essa fantasia é inalcançável, e o filme deixa essa sensação de perda latente mesmo após os créditos.

A metáfora do “rato do campo e rato da cidade” é invertida com inteligência: Denji, o rato da cidade, deseja a segurança do campo, enquanto Reze, supostamente a camponesa inocente, revela-se uma predadora urbana, movida por poder e instinto.

Inclusive, a cena da piscina é um dos momentos mais simbólicos da obra, um retrato alegórico do desejo e da destruição. O simbolismo é notável e mostra o cuidado visual e narrativo do filme.

O Retrato Trágico de Denji

Este é um filme profundamente emocional, oferecendo um olhar inédito sobre a psique trágica de Denji, algo que a primeira temporada apenas sugeria. Antes visto como um jovem ingênuo e alheio, ele surge aqui como uma figura tristemente lúcida, alguém que anseia por amor, mas é repetidamente manipulado.

Makima e Reze são dois espelhos diferentes da manipulação. Makima age com sutileza, oferecendo uma afeição calculada. Reze, em contraste, invade o mundo de Denji com espontaneidade e aparente sinceridade.

Sua traição, previsível para os mais atentos, é ainda assim de partir o coração. A reação de Denji, um choque silencioso, revela uma dor autêntica. A ausência de personagens como Aki e Power no primeiro ato reforça o isolamento emocional de Denji: seu universo foi consumido por Reze e Makima, suas duas ilusões de amor.

Premonição e um Final Devastador

Olhando em retrospecto, a traição de Reze é telegrafada desde o início. Ela está sempre no controle, conduzindo Denji com gentileza e intenção. Em um paralelo brilhante, sua derrota ocorre na água, o mesmo lugar onde ela o ensinou a nadar.

Dessa vez, é Denji quem a conduz para as profundezas. Mas não há alívio. O final é desolador. Na praia, Denji, ainda ingênuo, pergunta se Reze quer fugir com ele. Ela recusa, e o golpe é duro.

No entanto, quando finalmente muda de ideia e decide voltar, é interceptada e assassinada por Makima e o Demônio Anjo. A verdadeira tragédia está aí: Reze morre sozinha e arrependida, enquanto Denji segue acreditando que ela nunca o amou. A cena pós-créditos, em que ele a espera com um buquê no café, é a imagem definitiva da esperança despedaçada.

A Qualidade Técnica Impecável de Chainsaw Man: O Arco da Reze

A animação de Chainsaw Man: O Arco da Reze é um espetáculo. Com orçamento de 4 milhões de dólares, o resultado é visualmente absurdo, superior a muitas produções de Hollywood. A paleta vibrante, o ritmo das lutas e a direção cinematográfica precisa criam uma imersão total.

A trilha sonora, por sua vez, é um personagem à parte, amplificando cada emoção e dando identidade sonora à tragédia de Denji.

Pontos a Melhorar

Apesar das inúmeras qualidades, o filme não é isento de falhas. Sua estrutura lembra um episódio estendido de TV, o que enfraquece a sensação de “evento cinematográfico”. Quem não leu o mangá pode se sentir perdido: o significado do coração de Denji não é explicado, personagens como o Demônio Tornado surgem e somem, e figuras como Beam e o Demônio Anjo carecem de desenvolvimento.

O foco quase exclusivo em Denji relega Power e Aki a coadjuvantes distantes, e o arco maior do Demônio da Arma segue em segundo plano. Nada disso compromete a emoção, mas limita a expansão do universo, deixando o espectador com vontade de mais.

Conclusão

Chainsaw Man: O Arco da Reze é uma obra poderosa e trágica, um filme que redefine o padrão dos animes no cinema. Mesmo com suas falhas narrativas, é um retrato brutalmente honesto do amor, da dor e da perda, trazendo à vida as ideias complexas de Tatsuki Fujimoto.

É uma montanha-russa emocional que merece ser vivida no cinema e que prova, de vez, que Chainsaw Man é muito mais do que sangue e motosserras.

Obrigado, Sony Pictures Brasil, pelo convite e que venham os próximos. \o/

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A Primeira Impressão: Um Balé de Fogo e Aço

Minha primeira “imersão” no conceito de “Wildgate” evocou uma sensação de admiração. A proposta central é de uma elegância brutal: você e sua tripulação não são apenas soldados, são marinheiros de uma fronteira espacial sem lei. Em um momento, estou no leme, desviando de destroços cósmicos e alinhando um tiro de canhão devastador. No instante seguinte, estou liderando uma abordagem, rompendo o casco inimigo e travando um tiroteio desesperado nos corredores apertados de sua nave.

Essa transição fluida é, sem dúvida, a joia da coroa de “Wildgate”. Ela cria uma dinâmica de jogo que exige uma mentalidade multifacetada. Não basta ter a mira de um profissional de e-sports se você não consegue comunicar ao seu piloto uma manobra de flanco. Da mesma forma, a melhor pilotagem do mundo é inútil se sua equipe de artilharia não consegue acertar o alvo. É essa interdependência que eleva o jogo de um simples “shooter” para algo mais próximo de uma simulação de tripulação de combate. A sensação de vitória, quando cada membro executa sua função com precisão, é algo que imagino ser profundamente gratificante, um tipo de euforia coletiva que poucos jogos conseguem orquestrar.

O Coração de Wildgate: A Sinergia da Tripulação

O que mais me fascina em “Wildgate” é como ele transforma o trabalho em equipe de uma mera vantagem tática em uma necessidade absoluta de sobrevivência. O jogo parece ter sido meticulosamente desenhado para punir o individualismo e recompensar a colaboração. Cada função a bordo — piloto, artilheiro, engenheiro, abordador — é um pilar que sustenta a equipe. Se um pilar cede, toda a estrutura corre o risco de desmoronar.

Imagino a tensão no canal de voz: o piloto gritando sobre um campo de asteroides à frente, o engenheiro anunciando que os escudos estão em 50%, e os artilheiros pedindo um ângulo de tiro claro. É nesse caos organizado que a magia acontece. A vitória não é medida apenas em abates, mas em reparos feitos sob fogo cerrado, em manobras evasivas perfeitas e em abordagens que viram o jogo. Essa filosofia de design é um sopro de ar fresco em uma era dominada por heróis solitários e jogadas de destaque individuais. “Wildgate” parece sussurrar constantemente ao jogador: “Você não é nada sem sua tripulação”.

Um Universo de Estratégias e Rejogabilidade Infinita

A genialidade do design não para na dinâmica da tripulação. A decisão de usar mapas gerados proceduralmente para a região de “The Reach” é um golpe de mestre contra a monotonia. Cada partida força uma nova adaptação, uma nova leitura do ambiente. Não haverá rotas seguras ou pontos de vantagem memorizados. A cada incursão, o desconhecido é o principal adversário.

Some-se a isso a variedade de “Prospectors” (os personagens jogáveis), cada um com habilidades únicas que podem criar sinergias complexas, e a personalização das naves. A quantidade de variáveis estratégicas é estonteante. Uma equipe pode optar por uma nave ágil e focada em abordagens rápidas, enquanto outra pode preferir uma fortaleza flutuante, armada até os dentes. Essa diversidade garante que o metajogo estará em constante evolução, incentivando a experimentação e recompensando a criatividade tática. Acredito que as equipes que prosperarão não serão as que seguem um guia online, mas as que criam suas próprias doutrinas de combate.

A Faca de Dois Gumes da Cooperação

Apesar de todo o meu otimismo, a maior força de “Wildgate” é também seu potencial calcanhar de Aquiles. A dependência visceral do trabalho em equipe, tão brilhante em teoria, pode se tornar um pesadelo na prática para uma grande parcela de jogadores. Falo, é claro, do jogador solo.

Todos nós já passamos por isso: entrar em uma partida com estranhos, onde a comunicação é nula e cada um joga seu próprio jogo. Em “Wildgate”, essa experiência seria fatalmente frustrante. Uma tripulação silenciosa e descoordenada não é apenas ineficaz; ela é um alvo fácil, uma fonte de frustração que pode levar um jogador a abandonar o jogo para sempre. Se a Moonshot Games não encontrar uma maneira elegante de mitigar esse problema — seja através de um sistema de ping robusto, matchmaking inteligente ou incentivos para a comunicação — o jogo corre o risco de se tornar um clube fechado, acessível apenas para aqueles com um grupo de amigos pré-formado.

A Escalada da Maestria e o Vale da Desilusão

Outra preocupação que paira em minha análise é a curva de aprendizado. Imagino que “Wildgate” seja um jogo do tipo “fácil de aprender, difícil de dominar”. Os conceitos básicos podem ser assimilados rapidamente, mas a verdadeira maestria exigirá centenas de horas. Dominar a física de voo, entender as nuances de cada arma, memorizar os layouts internos das naves para abordagens eficientes e, acima de tudo, desenvolver a intuição para o fluxo da batalha são desafios monumentais.

Essa profundidade é excelente para a longevidade do jogo, mas também cria uma barreira. Novos jogadores podem se sentir esmagados por tripulações veteranas, morrendo repetidamente sem entender o porquê. Se essa fase inicial for excessivamente punitiva, muitos desistirão antes de alcançar o ponto em que o jogo “clica”. É um equilíbrio delicado: o jogo precisa ser profundo o suficiente para reter os jogadores dedicados, mas acessível o suficiente para não alienar os novatos que são a força vital de qualquer comunidade online.

O canto da Sereia do Combate e o Objetivo Esquecido

Durante os testes, foi observado que muitos jogadores se deixavam levar pela emoção do combate naval, ignorando o objetivo principal de capturar o artefato. Vejo isso como um sintoma perigoso. Se a busca pelo artefato, que deveria ser o clímax estratégico da partida, se tornar uma nota de rodapé para um mata-mata glorificado, o jogo perderá uma camada inteira de sua profundidade. A emoção de uma perseguição desesperada, de tentar escapar com o prêmio enquanto todas as outras equipes o caçam, é uma narrativa poderosa. Se essa narrativa for consistentemente ignorada em favor da simples aniquilação, “Wildgate” corre o risco de se tornar menos do que a soma de suas partes. Os desenvolvedores precisarão garantir que a vitória através do objetivo seja não apenas viável, mas também a forma mais recompensadora de jogar.

Veredito

“Wildgate” se equilibra no fio da navalha entre a genialidade e a frustração. Ele representa uma visão corajosa e empolgante para o futuro dos jogos multijogador, uma que valoriza a inteligência e a cooperação tanto quanto a habilidade mecânica. A promessa de batalhas dinâmicas e momentos cinematográficos emergentes é incrivelmente forte.

No entanto, seu sucesso dependerá inteiramente da execução e do polimento. A Moonshot Games tem em mãos um conceito com potencial para se tornar um clássico cult, um daqueles jogos que serão lembrados por anos. Mas para isso, precisa construir pontes para os jogadores solo, suavizar a íngreme escalada da maestria e manter o foco em seus objetivos únicos. Se conseguir navegar por essas águas turbulentas, “Wildgate” não será apenas um bom jogo; será uma experiência essencial, um marco que outros tentarão imitar. E, pessoalmente, estou torcendo fervorosamente para que eles alcancem esse horizonte.

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A convite da Sony Pictures e JBC, tive a oportunidade de conferir em primeira mão esse jogo crucial entre Karasuno e Nekoma, e a experiência foi única e incrível.

Sem mais delongas, vamos ao filme, que pode conter leves spoilers para quem não acompanhou o anime. Apesar das diferenças notáveis entre o mangá e o filme, a essência do jogo foi preservada, respeitando toda a emoção e motivação dos jogadores, com momentos genuinamente capazes de emocionar.

Diferentemente do mangá, que foca em todos os jogadores e na rivalidade em questão, o filme de Haikyu!! dá um destaque maior à interação entre Hinata e Kenma, que são, sem dúvida, os protagonistas deste confronto. Essa mudança é significativa em como a história é contada nas diferentes mídias.

A narrativa segue a sequência do torneio nacional, adentrando o terceiro dia de competição, que define as vagas para as quartas de finais. O filme começa pelo primeiro encontro entre os protagonistas, estabelecendo que eles serão o foco principal da partida.

Pontos e jogadas impressionantes são apresentados, com personagens como Tsukishima e Yamaguchi ganhando destaque. No entanto, algumas cenas, por serem parte de um filme, passam de maneira rápida. Apesar da duração de apenas 1:25h, o filme parece um pouco corrido, especialmente no terceiro set, onde o resto das equipes finalmente recebe mais atenção, trazendo aquela sensação familiar que o jogo deveria evocar.

O momento do “Open” é tão espetacular quanto no mangá.

A dublagem brasileira adiciona uma excelente imersão, com um “abrasileiramento” eficaz de algumas expressões e momentos de comédia. A animação, similar à quarta temporada afetada pela pandemia, inclui cenas de rallys com uma animação de tirar o fôlego, digna de aplausos.

Apesar de alguns cortes, e a falta de cenas como o flashback entre o treinador Ukai e o treinador Nekomata, o filme é emocionante e mantém o espectador na ponta da cadeira, especialmente a cena do último ponto, que foi profundamente tocante.

É importante notar que o final de Haikyuu!! foi dividido em dois filmes, e há muito conteúdo para adaptar, incluindo a continuação do torneio nacional e um arco pós-nacional. Infelizmente, algumas partidas importantes, como Fukurudani vs Mujinazaka, essenciais para o desenvolvimento de Bokuto, não foram incluídas.

Embora a dublagem seja excelente, é uma falha significativa que as terceiras e quartas temporadas ainda não estejam dubladas no Brasil, além de uma divulgação limitada para um filme com grande potencial. Lembrando que estamos no meio da Liga das Nações, um campeonato que poderia impulsionar a divulgação do filme.

Quanto à divulgação, se a bilheteria for um sucesso, agradecimentos são devidos aos fãs, liderados por Pedro “pedgames” e Pri Ganiko, nossos rei e rainha de Haikyuu no Brasil, pelas iniciativas para promover o acesso ao filme.

Haikyu!! The Dumpster Battle é um filme ótimo, emocionante e bem animado, que traz toda a essência e tudo que gostaríamos de ter nesta sequência. Esperamos que o sucesso deste filme incentive a produção de mais filmes, para concluir de forma digna uma das maiores obras do shounen esportivo atualmente.

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“Digimon Adventure 02: O Início” segue a trama dos eventos de Digimon Adventure 02, em um mundo onde humanos e digimons coexistem. Uma enorme digitama aparece sobre a Torre de Tóquio, capturando a atenção de todos os observadores.

Um jovem desconhecido escala a torre, sofrendo uma queda que é prontamente interrompida pelos nossos digiescolhidos. Este jovem é Lui Ohwada, que se identifica como o primeiro digiescolhido da história. Com este início, Davis, Yolei, Cody, T.K, Kari e Ken embarcam em uma jornada para mais uma vez defender Tóquio e descobrir como tudo começou.

Apesar de ser um OVA curto, este resgata a nostalgia e atrai novos fãs com animação de alta qualidade e uma história simples, porém muito envolvente.

O filme, embora aborde dois arcos um tanto melodramáticos, entrega não apenas uma revelação impactante, mas também uma batalha incrível e cativante. O toque especial reside na sensação de terror que o filme proporciona, explorando uma fórmula que pode alterar as sequências de filmes, trazendo uma sobriedade na medida certa para o público.

A habilidade do filme em transitar entre dois públicos distintos certamente abre portas para questionamentos mais amplos, como: “Não é hora de um remake?”

Na escala de avaliação, concedo um total de 4 de 5 estrelas. O filme é curto, coeso e cumpre o prometido em vários aspectos. Mal posso esperar para assisti-lo novamente, desta vez acompanhado pelo meu filho.

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Contudo, a área dedicada aos jogos independentes continuou sendo o coração pulsante, repleta de energia e inovação. É impressionante o apoio fervoroso da comunidade a cada ano. Senti falta de mais demonstrações práticas, pois havia muitos vídeos de apresentação, mas algumas gameplays seriam bem-vindas.

Entre os estandes, a Samsung e a Nintendo se destacaram com uma presença vigorosa e conteúdo abundante. Particularmente, fiquei impressionado com a abordagem da Logitech, convidando influenciadores para apresentar interações. No entanto, o tempo foi curto, e a divulgação do QG Logitech poderia ser mais envolvente e substancial. Seria uma comunidade excelente e com certeza teria uma visibilidade notável.

Os cosplayers dominaram o evento de formas inimagináveis, trazendo vida de maneira única aos personagens. O palco Balduco reuniu um público entusiástico, que se encantou com as interpretações incríveis dos jogos. Foi uma experiência que valeu muito a pena assistir.

Parece simples? E é. No entanto, isso não é demérito, pelo contrário, a Brasil Game Show demonstra que não dependemos apenas de grandes lançamentos ou das gigantes do mercado, como Sony e Microsoft. Precisamos, antes de tudo, do nosso público. Claro, o que mencionei atrairia ainda mais espectadores, mas o evento se trata de um grande encontro com a nossa comunidade.

“Ah, mas virou um evento de influenciadores e afins“, concordo, e talvez seja válido dar mais destaque aos lançamentos e premiações. Mas o evento sobrevive e próspera, e sempre podemos aprimorá-lo.

Ser simples não é um problema, é manter algo vivo com autenticidade e que faz parte de todos nós.

Espero que a essência permaneça a mesma, com um foco crescente na comunidade e no entretenimento que nos é oferecido.

Agora, nos resta aguardar o próximo ano, com a expectativa de mais um capítulo empolgante nos games aqui no Brasil.

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Logo o que temos é um dos produtos com talvez com a maior memória afetiva em território nacional, mas o quanto essa memória afetiva é saudável para apreciarmos o que o novo pode trazer? Ou mesmo algo que possa ser viável para as próximas gerações.

Não é segredo para ninguém (a não ser que você more no fundo de um lago esses anos todos) que a Netflix fez uma nova adaptação do mangá, com um estilo diferente nos desenhos e algumas alterações na estória e grande parte dos fãs não reagiu muito bem.

A obra feita por um dos maiores serviços de streaming do mundo mostrou uma história muito boa, colocando a modernidade, atualizando os Cavaleiros Negros (deixando de ser clones malvados) e construindo plausivelmente uma motivação para a divisão do santuário.

Porém nem tudo são flores, e a Netflix decidiu deixar a obra mais enxuta e as passagens dos eventos bem mais rápidas, tirando o peso emocional de muitas cenas como a de Shiryu vs Algol, a clássica cena que ele se cega em prol de seus amigos.

Os acontecimentos estão tão dinâmicos que não existe um apego muito grande a cena, onde poderia ser um momento de uma cena mais trabalhada. E com a chegada dos Cavaleiros de Ouro, abrindo espaço para as 12 casas, o verdadeiro desafio começa.

Apesar das reclamações do bando de “véio” que não quer que sua infância seja tocada, lá no fundo eles mesmos criticam e acham um saco a primeira parte de Cavaleiros (é chata, mal feita e cheia de furos). A Netflix deu uma sobriedade a obra, inovou em outras partes e fez sim um trabalho muito melhor que essa parte na própria obra original.

A maior aposta fica para as 12 casas, onde uma sequência de eventos rápida como foram os Cavaleiros de Prata, tiraria o brilhantismo de toda essa parte. E decididamente é o maior desafio dos Cavaleiros de Atena.

O grande problema vem também com a nossa geração, que não aceita mudanças ou continuidade, faz com que super-heróis sempre ressuscitem e que sagas sejam refeitas. Quando abraçamos o novo, abraçamos as possibilidades que isso nos traz. Uma nova geração de fãs, novas sagas criadas, produtos novos e o um legado que será deixado a uma nova leva de admiradores dessa obra.

Mas preferimos o “hate“, ao invés de dar audiência e criticar conscientemente para que melhorias sejam sempre feitas. O maior exemplo disso é em Star Wars, onde o próprio fandom (na maioria das vezes) é o pior inimigo da obra, não abraçando o novo e a inovação.

Cavaleiros do Zodíaco pela Netflix é uma ótima obra, com margem para melhoras, mas sua infância não foi estragada e nem a obra original apagada. Por mais que você não goste, apoie. Muita coisa boa ainda pode sair daí.

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Sempre simpático, ele falou um pouco mais sobre seu lado emocional na dublagem e como é ser uma celebridade entre os dubladores, já que no cenário ele é um dos mais conhecidos.

“Eu talvez continue (vivendo) nos anos 90, eu comecei em 91, então para mim é diferente. Quando a pessoa me para em um aeroporto ou em algum lugar, eu penso que é para perguntar as horas, as vezes eu esqueço que é para falar comigo. Ou quando um rapaz me segue na rua e eu penso que vou ser assaltado, ou o cara me abraça por trás, como fizeram no rio. Eu sou muito distraído e cabeça fresca, então não vai cair a ficha. Esse negocio de celebridade, não vai cair nunca. Eu sou uma pessoa muito simples.”

Quando perguntado sobre como quem deseja entrar no meio da dublagem deve proceder, Briggs respondeu:“Para você ser ator tem que ter paciência. Você tem que estudar bastante e se preparar para ser dublador. É como plantar uma semente, você não pode colocar uma semente e esperar que vai nascer alguma coisa ali em uma semana, vai nascer depois de cinco, seis anos, entendeu? A semeadura demora, não é uma coisa instantânea. Não sei porque que a gente vive tudo rápido, tudo fácil, então se a pessoa está acostumada a uma coisa imediata ela vai se decepcionar bastante. Porque ela vai ter que esperar bastante tempo até conseguir um trabalho nesse meio. Nesse caminho, nessa espera, muitos se vitimizam e acham que é panelinha, que dublador tal que não deixa entrar, não reconheceram meu talento. Não é assim. Organicamente demora, é uma profissão difícil, a técnica é difícil, até hoje eu tomo surra do estúdio e é normal. Tem dias que eu não to conseguindo dublar nada direito e eu tenho 28 anos de profissão. Então é assim, é uma técnica complicada, é uma profissão que demora, demanda você se aplicar, ser humilde. Porque se eu fosse arrogante, eu ia cristalizar, não ia continuar crescendo. O dublador tem que reconhecer os momentos de queda para ele melhorar. A todo momento você vai cair, tem gente que não é talhada para isso então fala ‘a dublagem é horrível, não consigo nada, demora muito, é muita porta fechada, é panelinha, e não sei o quê’. E aí não vão para o mercado, é uma seleção natural muito rigorosa. O meu conselho é que pegue tudo isso que eu falei e aplique na vida. Tem que ser mais paciente, mais humilde, entender como é que é a parte orgânica do processo.”

Para os fãs de Boku no Hero, foi questionado se ele já estava em negociação para dublar o novo filme.

“Do My Hero Academia eu só sei do filme que a gente fez. A gente não sabe nada com relação ao novo filme. Eu sei tanto quanto vocês, gostaria que tivessem as mesmas vozes.

Ele também falou um pouco sobre a dublagem de Geralt, em The Witcher.

“Eu tenho todos os livros, estou terminando de ler o primeiro. O meu contato com o jogo foi só o tutorial, mas a minha esposa já zerou e eu fiquei assistindo ela jogar The witcher 3. Eu conheço o trabalho do Henry Cavill, mas Witcher só essas pinceladas mesmo. A preparação para ele foi inserir o que o Henry Cavill faz. Respeitei ao máximo o que ele fez, aquela voz que se inspirou no jogos, na dublagem dos jogos e eu fui seguindo o Henry, o que ele fazia, respeitando sempre a interpretação dele.”

Perguntei para o Guilherme se, assim como no Superman, ele se conectou com o personagem de alguma forma. Inclusive citei o fato dele ser bem introspectivo e se assemelhar muito ao Clark por conta disso.

“Eu eu tô terminando o primeiro livro dele, estou gostando muito, achando muito gostoso ler os contos, é bem legal. A gente sempre tem conexãom eu tenho coisas do Geralt que eu gosto muito, essa coisa do humor dele mais seco, dele ser um cara mais vivido, machucado, mal falado. Ele não virou um bruxo por que ele quis sabe, então todos nós acabamos nos identificando um pouco.”

E claro que rolou uma pergunta sobre o pequeno acidente que ele sofreu antes dos testes para All Might.

“Foi dolorido, doeu muito, eu desmaiei no estúdio e bati a costela. Passei por um aborrecimento, um problema com a minha mãe e eu fiquei muito preocupado, acabei desmaiando e bati a costela que é justamente onde o All Might tem o ferimento. Para fazer o teste de voz foi muito sofrido porque se eu respirasse um pouco mais forte doía muito, quem já machucou a costela já sabe como é, então para fazer os gritos no teste foi bem complicado, eu achei que não ia passar. Acho que foram 12 pessoas que fizeram o teste do All Might e acabei sendo o escolhido. Não sei porque, mas fui.”

Ele então fez algumas vozes e se despediu de nós, sempre simpático ainda teve tempo para tirar uma foto com todos ali presentes.

Um agradecimento a todos os canais que estavam ali, em especial ao Alex do Ministros do Riso que disponibilizou o áudio das entrevistas para todos.

Até a próxima 🙂

O post Entrevista Ressaca Friends 2019: Guilherme Briggs apareceu primeiro em Universo 42.

A grande parte do evento fiquei na sala de imprensa com muitos colegas que ali estavam cobrindo o evento, por que as grande atrações estavam ali, a organização do evento, a Maru Division, conseguiu que as atrações que ali estavam nesses dois dias, fossem a sala de imprensa e fizessem entrevistas e fotos. O que foi extremamente gratificante.


Obviamente como um novato, estava encantado com o evento e a oportunidade de ter muitos astros ali próximos da gente. E claro fui as compras como todo pobre mortal que ali estava.

O maior estande do evento era da Comix book shop, com coleções completas de mangás e HQ’s além de encadernados lançamentos, e figures a disposição, claro que gastei meu suado dinheiro para repor algumas peças de minha coleção.

E tínhamos também Worshops com a AreaE, com caricaturas em estilo mangá, aulas de esculturas e muito conteúdo para quem quisesse participar.

O Artist Alley estava muito bom, mas peço perdão aos artistas ali presentes devido a grande demanda de entrevista na sala de imprensa não pude dar a atenção necessária, mas só pelo que vi tinham obras excelente tanto desenhadas, como livros.

Com aulas de magia, varinhas e um belo jogo de Xadrez a EMB (Escola de Magia do Brasil), marcou sua presença também tendo aulas e interações muito boas com os visitantes, além de vender produtos da linha Harry Potter, e doces, maravilhosos doces do mundo bruxo.

E como não poderia faltar cosplayers, de todos os tipos e series, é incrível ver o quanto o cenário de cosplay cada vez mais se profissionaliza e cresce aqui no Brasil, sendo elogiados pelas próprias atrações do Japão, como sempre os “Br” fazendo um ótimo trabalho nos eventos.

Na sala de imprensa diversas entrevistas, com Gulherme Briggs, Marcelo Campos, Eduardo Miranda, além das atrações internacionais como Kenji Oiwa, Sayoko Hagiwara e Toshihiro Fukuoka.

Marcaram presença também no eventos os influenciadores Fred – anime Whatever e Guto – Cronosfera

O único ponto negativo do evento foi o barulho externo que influenciava na sala de imprensa, o qual prejudicou alguns áudios de entrevistas, porém graças ao Alex do Ministros do Riso, temos material para passar para vocês.

A experiência de estar no ressaca foi magnifica, voltei aos meus 15/16 anos em uma pura nostalgia e felicidade, conheci pessoas, ídolos, e vi muitas coisas pra comprar e assistir.

E um agradecimento maravilhoso ao Taverna Medieval que sempre nos salva com suas poções da vida XD

E quanto as entrevistas, tem bastante material legal que vou colocar em outras matérias aqui pra vocês então continuem acompanhando 🙂

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Mas também, nome de um mangá que conta algo semelhante ao significado do termo, o ressurgimento de um time na J-League, desafiando todas as probabilidades.

Lançado em 2007 por Masaya Tsunamoto, a história gira em torno do time de futebol East Tokyo United (ETU) e de seu ex- jogador, e novo técnico, Tatsumi Takeshi.

Após por anos figurar entre os principais times de Tokyo, o ETU passou por maus bocados e voltaram para a segunda divisão, posição para qual podem cair novamente, devido as dificuldades financeiras e técnicas. Então, para tirar o time dessa situação, o atual gerente de futebol e ex-jogador do time, Kosei Goto, resolve recorrer ao antigo ídolo.

Tatsumi Takeshi foi um jogador promissor do Japão, mas infelizmente teve uma contusão séria e precisou abandonar os gramados, virando um técnico jovem e, decididamente, ousado, que levou um time amador da Inglaterra para entre os 32 melhores na F. A Cup.

Após ser convencido, Tatsumi volta ao Japão decidido a treinar o ETU e tirar o time dessa situação, mas ele tem que encarar uma torcida que o considera um traidor, e jogadores difíceis de lidar.

Com essa premissa, Giant Killing demonstra ser um mangá diferente da maioria do estilo, obviamente o fato de se caracterizar seinen já faz dele diferente de Super Campeões, Inazuma Eleven, entre outros shounen esportivos.

Mas ele ainda vai além do futebol, ele mostra muito dos bastidores e táticas, trabalha muito bem a profundidade dos personagens, e suas motivações, inclusive os conflitos entre torcida, time, e antigos torcedores. Um dos pontos altos é a história por trás da saída de Tatusmi do ETU, é aí que entendemos claramente, não só por que ele aceita ser chamado de traidor, já que sua saída levou o time para segunda divisão, mas também sua decisão de tirar a braçadeira de capitão do principal jogador em seu primeiro jogo de volta, e a conversa particular entre ambos.

Extremamente bem desenhado, escrito e feito, esqueça jogadas mirabolantes, mas se prepare para análises táticas e técnicas de muita emoção em suas páginas.

Em 2010 foi lançada a adaptação em anime, e esta teve boa aceitação do público, o grande problema é que o mangá ainda está em lançamento e não possui datas exatas para o lançamento de capítulos. Atualmente, na trama, o ETU luta para sair do meio da tabela e ir em direção ao topo.

Giant Killing é um dos melhores mangás esportivos que já li, e recomendo a todos que leiam, por sua história que é ao mesmo tempo seria e divertida.

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