No centro de Morro dos Ventos Uivantes, encontramos Heathcliff, um jovem de origem humilde, apaixonado por Catherine Earnshaw, filha de uma família rica. Essa relação proibida gera conflitos constantes, ciúmes e tragédias. A adaptação destaca como diferenças sociais e familiares influenciam escolhas, criando tensão dramática. Além disso, personagens secundários reforçam o dilema central, mostrando rivalidades e interesses próprios, mantendo o espectador engajado.

Margot Robbie e Jacob Elordi interpretam os protagonistas adultos, enquanto Owen Cooper e Charlotte Mellington representam as versões jovens de Catherine e Heathcliff. A química entre os casais cria cenas intensas, transmitindo desejo, paixão e conflito. Shazad Latiff e Alison Oliver, como Edgar e Isabella, refletem as tensões sociais e familiares principalmente Isabella. Martin Clunes, interpretando Sr. Earnshaw, adiciona autoridade e complexidade, reforçando o drama. A atuação do elenco é sólida, garantindo que mesmo nas cenas mais polêmicas ou eróticas.

O design de produção recria a Inglaterra do século XVIII com riqueza de detalhes. Figurinos, cenários e paleta de cores refletem luxo e pobreza, mostrando a diferença de classes sociais. Além disso, a trilha sonora de Charli XCX adiciona uma dimensão emocional única, intensificando a tensão do enredo e a ligação entre os personagens.

Impacto Emocional e Limitações do novo O Morro dos Ventos Uivantes

Embora a adaptação seja ousada e visualmente impressionante, ela exagera em algumas cenas eróticas, o que pode desviar o foco da profundidade emocional. Personagens secundários, por vezes, caem em estereótipos, prejudicando a narrativa em alguns momentos e caindo na mesmice. No entanto, a atuação consistente, a química dos protagonistas e a estética detalhada a segunda parte acaba decaindo drásticamente perdendo totalmente o impacto e parecendo mais uma fanfic erótica do Wattpad que uma adaptação de O Morro dos Ventos Uivantes.

Em resumo, Morro dos Ventos Uivantes é uma releitura intensa e envolvente e muito divisiva, que combinando amor, tragédia e conflitos familiares. A direção de Emerald Fennell consegue equilibrar drama e estética mesmo que acabe se passando e perdendo a mão em diversos momentos, e o elenco entrega performances convincentes que prendem o espectador. Apesar de algumas escolhas polêmicas, o filme é polêmico, intenso, sensual e que merece ser visto no cinema, para você pelo menos saber se vai odiar ou amar ele.

Posts Relacionados:

Socorro! mostra Sam Raimi se divertindo com sua própria fórmula | CRÍTICA

Sonhos de Trem mostra reflexão sobre o homem entre passado e futuro | CRÍTICA

Foi Apenas um Acidente e o grito sobre dias melhores | CRÍTICA

Não esquece de seguir o Universo 42 nas redes sociais:

Instagram | YouTube | Facebook

O post ”O Morro dos Ventos Uivantes” – Uma Releitura Intensa do Romance de Emily Brontë | CRITICA apareceu primeiro em Universo 42.

Dois colegas ficam presos em uma ilha deserta, sobreviventes de um acidente de avião. Para sair vivos, eles precisam superar ressentimentos passados e trabalhar juntos. Enquanto isso, a narrativa se transforma em uma batalha de inteligência e vontades, criando tensão e momentos de comédia ao mesmo tempo. Dessa forma, o público se envolve tanto nas estratégias de sobrevivência quanto nas interações entre os personagens.

O terror grotesco e cômico de Socorro!

Sam Raimi é mestre em criar filmes que equilibram terror e humor. Em Socorro!, ele usa cenas nojentas e grotescas para chocar o espectador, sem perder o timing cômico. Além disso, sua direção explora o absurdo das situações e permite que o público se divirta com o desconforto, lembrando clássicos como Morte do Demônio. Portanto, Raimi prova que ainda sabe como surpreender e divertir.

O roteiro de Damian Shannon e Mark Swift, aliado à direção de Raimi, cria ritmo constante, alternando momentos de tensão e alívio cômico. A trilha sonora complementa a narrativa, aumentando o suspense e enfatizando o humor negro. Assim, o filme mantém o público atento e entretido do início ao fim.

Dylan O’Brien interpreta o clássico chefe arrogante, que provoca raiva e tensão nos primeiros minutos do filme. Enquanto isso, Rachel McAdams assume o papel da personagem engenhosa e badass, equilibrando a dinâmica com inteligência e carisma. Consequentemente, a química entre os dois atores fortalece a narrativa, tornando as cenas mais divertidas e envolventes.

Socorro! é uma grande surpresa, mostrando Sam Raimi se divertindo com sua própria fórmula. O filme mistura terror, comédia e grotesco de forma equilibrada, oferecendo momentos engraçados, tensos e chocantes. Assim, o longa se destaca como um entretenimento divertido para adultos, aproveitando ao máximo a classificação indicativa +18. Portanto, para quem gosta de humor negro aliado ao terror, Socorro! é imperdível.

Posts Relacionados:

Sonhos de Trem mostra reflexão sobre o homem entre passado e futuro | CRÍTICA

Foi Apenas um Acidente e o grito sobre dias melhores | CRÍTICA

Valor Sentimental e o peso da ausência paterna no drama familiar | CRÍTICA

Não esquece de seguir o Universo 42 nas redes sociais:

Instagram | YouTube | Facebook

O post Socorro! mostra Sam Raimi se divertindo com sua própria fórmula | CRÍTICA apareceu primeiro em Universo 42.

O protagonista, interpretado por Joel Edgerton, é um lenhador que trabalha abrindo caminho para o progresso americano, mas que permanece um homem solitário em meio a esse cenário vasto e em constante mudança. Consequentemente, o filme tenta mostrar o contraste entre o avanço da sociedade e a vida interior de um homem comum. Enquanto isso, a narrativa se concentra mais no visual do que no desenvolvimento emocional do personagem, enquanto Felicity Jones e seu filho são oque lhe resta de humanidade

Sonhos de Trem e a beleza da direção de Clint Bentley

A direção de Clint Bentley é impecável na criação de ambientes e no retrato da floresta americana. Dessa forma, o público é envolvido por paisagens deslumbrantes que ajudam a ambientar a história e reforçam o clima de época. A fotografia de Adolpho Veloso, brasileiro responsável pela cinematografia, entrega planos de tirar o fôlego, transformando cada cena em uma experiência visual memorável.

Porém, o roteiro de Greg Krewdar é repetitivo e cansativo. Enquanto isso, o filme tenta transmitir uma grande crítica sobre a condição humana, mas se perde em diálogos e cenas longas que pouco contribuem para a narrativa. Diferente de filmes como Hamnet, que combinam simbolismo e emoção de forma eficiente, Sonhos de Trem acaba tornando-se uma experiência mais visual do que reflexiva. Assim, a profundidade pretendida se perde, deixando o espectador apenas contemplando a beleza da fotografia.

Joel Edgerton entrega uma atuação sólida, mas a caracterização do lenhador não explora completamente suas emoções ou dilemas internos. Além disso, os personagens secundários pouco acrescentam à narrativa, reforçando a sensação de que o filme depende quase exclusivamente de seu aspecto visual para cativar o público. Portanto, embora as performances sejam competentes, elas não conseguem preencher as lacunas deixadas pelo roteiro.

Enquanto Felitcy Jones intrepreta Gladys que aqui faz a sua esposa e que junto a sua filha são apenas um recurso barato, assim como a personagem de Kerry Condon para sabermos que existe outros personagens na trama.

Sonhos de Trem é visualmente deslumbrante, com direção e fotografia que impressionam e transformam cada cena em uma obra de arte. No entanto, sua reflexão sobre o homem e a sociedade se perde em um roteiro cansativo e pouco envolvente. Assim, o filme acaba sendo mais uma experiência estética do que emocional, sendo recomendado principalmente para quem valoriza imagens e ambientação cinematográfica. Portanto, Sonhos de Trem encanta os olhos, mas deixa a mente pouco impactada.

Posts Relacionados:

Foi Apenas um Acidente e o grito sobre dias melhores | CRÍTICA

Valor Sentimental e o peso da ausência paterna no drama familiar | CRÍTICA

Destruição Final 2 é um erro desde seu título | CRÍTICA

Não esquece de seguir o Universo 42 nas redes sociais:

Instagram | YouTube | Facebook

O post Sonhos de Trem mostra reflexão sobre o homem entre passado e futuro | CRÍTICA apareceu primeiro em Universo 42.

No Irã, o protagonista se depara com alguém que acredita ser seu ex-torturador. Entretanto, diante da negação veemente dessa pessoa, a dúvida se instala. Consequentemente, o espectador é levado a refletir sobre memória, justiça e perdão. O filme começa com uma cena impactante em que Ebrahim Azizi e sua esposa conversam, mostrando diálogos bem estruturados que se intercalam com a composição visual, causando impacto imediato e quebrando expectativas.

Foi Apenas um Acidente mostra o cinema de Panahi entre violência e sublimidade

Jafar Panahi desafia leis e censuras, entregando um filme que expõe a violência de forma direta e sem subterfúgios. Enquanto isso, o diretor mantém sua assinatura de sutileza, explorando a moralidade de personagens cujas ações provocam questionamentos no público. Dessa forma, o espectador se envolve em dilemas éticos e sociais, refletindo sobre culpa, responsabilidade e perdão.

A violência aparece de forma explícita, especialmente nas cenas envolvendo Vahid Mobbaseri. O personagem é o primeiro a sentir o impacto de acontecimentos graves e seu sofrimento torna o espectador consciente da tensão. Além disso, essa abordagem reforça o poder do filme como ferramenta de reflexão, mesmo quando alguns momentos parecem repetitivos ou socialmente evidentes.

Ebrahim Azizi entrega uma performance crua e intensa, provocando empatia e questionamento sobre suas ações. Enquanto isso, o elenco de apoio, incluindo Vahid Mobbaseri, contribui para a tensão e profundidade do drama. Portanto, a interpretação dos atores cria uma narrativa envolvente, onde a moralidade e os sentimentos dos personagens são constantemente desafiados.

Foi Apenas um Acidente é um filme necessário e impactante. Panahi combina violência, sensibilidade e crítica social para criar uma obra que questiona justiça, liberdade e humanidade. Assim, o longa se estabelece como um título essencial, não apenas para os fãs de cinema, mas também para todos que buscam reflexões profundas sobre ética e sociedade. Portanto, é uma experiência cinematográfica que merece ser vista, debatida e sentida.

Posts Relacionados:

Valor Sentimental e o peso da ausência paterna no drama familiar | CRÍTICA

Destruição Final 2 é um erro desde seu título | CRÍTICA

Dois Procuradores e o retrato de um sistema opressor | CRÍTICA

Não esquece de seguir o Universo 42 nas redes sociais:

Instagram | YouTube | Facebook

O post Foi Apenas um Acidente e o grito sobre dias melhores | CRÍTICA apareceu primeiro em Universo 42.

Na trama, Gustav (Stellan Skarsgard) é um cineasta de sucesso, mas que, no passado, abandonou as filhas, as irmãs, Nora (Renate Reinsve) e Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas), que volta justamente porque seu novo filme será baseado na sua própria família, Gustav oferece o papel à Nora, que inicialmente recusa o trabalho e ele acaba oferecendo para a estrela de Hollywood, Rachel Kemp (Elle Fanning), mas que, segundo Gustav, somente sua filha biológica é apta para o papel.

O filme está recebendo elogios merecidos da crítica especializada, está sendo lembrado nas premiações e, no Oscar, é o principal concorrente do brasileiro Agente Secreto com 9 indicações da Academia, incluindo Melhor Filme Direção, Atriz para Renate, Atrizes Coadjuvantes para Inga e Elle Fanning, Ator Coadjuvante para Skarsgard, além do Roteiro Original.

Ao contrário do Oscar 2025, onde o concorrente brasileiro Emília Perez era detonado pela maioria e foi se apequenando conforme a campanha para a premiação avançava, Valor Sentimental é um filme aclamado, de fato é excelente e há poucos fatores negativos que jogam contra o longa.

Vamos conhecer 8 curiosidades deste ótimo filme da temporada:

• Estreou na Noruega dia 12 de setembro de 2025, nos EUA, dia 07 de novembro de 2025 e, no Brasil ele estreou no natal, em 25 de dezembro de 2025;
• Está indicado em 9 categorias no Oscar 2026: Melhor Filme, Direção para Joachim Trier, Atriz para Renate Reinsve, Atrizes Coadjuvantes para Inga Ibsdotter Lilleaas e Elle Fanning, Ator Coadjuvante para Stellan Skarsgard, Filme Internacional, Roteiro Original e Montagem;
• A ideia para o filme surgiu depois que a casa da família de Joachim Trier foi colocada à venda;
• Terceira colaboração entre o diretor Joachim Trier e a atriz Renate Reinsve, depois de Oslo, 31 de Agosto (2011) e A Pior Pessoa do Mundo (2021). Trier escreveu o papel de Nora pensando especificamente em Reinsve;
• Paul Thomas Anderson , Pedro Almodóvar e Paul Schrader consideraram este um dos seus filmes favoritos de 2025;

• Recebeu uma ovação de pé de 19 minutos no 78º Festival de Cinema de Cannes;
• Assim como o personagem Gustav Borg, Ruben Östlund, o aclamado diretor sueco e vencedor de duas Palmas de Ouro em Cannes, foi uma figura de destaque no Festival de Cinema Americano de Deauville em setembro de 2022, onde apresentou seu mais recente filme, Triângulo da Tristeza, e foi homenageado por sua carreira;
• Num breve instante que dura menos de três segundos, o título do roteiro surge nas mãos de Renate Reinsve na cozinha: Um roteiro de Gustav Borg, escrito em sueco e que reflete a terra natal da personagem. O título, “HEMLÄNGTAN”, traduz-se como “saudade de casa” em português.

Posts Relacionados:

A Hora do Mal: 16 Curiosidades sobre um dos filmes mais impactantes de 2025

Filmes de novembro de 2015: uma década depois, o que ficou na memória

Filmes de novembro de 2005 que marcaram gerações

Não esquece de seguir o Universo 42 nas redes sociais:

Instagram | YouTube | Facebook

O post Valor Sentimental: 8 curiosidades sobre o maior concorrente brasileiro ao Oscar apareceu primeiro em Universo 42.

Criado por Shigeru Miyamoto e Takashi Tezuka, reza a lenda que o jogo foi inspirado nas memórias da infância de Miyamoto, da época em que ele explorava florestas e cavernas em Kyoto.

The Legend of Zelda não é somente um grande jogo, foi a partir daqui que surgiu uma das maiores franquias do mundo dos games que existe até hoje. Se existem obras de Arte como A Link to the Past (1991), Ocarina of Time (1998) ou Breath of the Wild (2017) entre outras, tudo começou aqui e muitos elementos que se tornaram mais avançados posteriormente, apareceram aqui de forma experimental.

E muito diferente dos jogos de plataforma da época, como Super Mario Bros, lançado em 1985, que trouxe a progressão linear, de fase a fase, que existe até hoje, mas em Zelda, o jogador é colocado no meio de Hyrule onde ele é livre para ir para qualquer direção, para ir para qualquer entrada que o jogo permite. Era o máximo que podia-se chamar de “jogo aberto” na época.

Outras inovações que parecem triviais hoje, mas que eram o futuro na época, eram o cartucho dourado do Nintendinho, que se destacava perante outros títulos da época. E ainda a fita de Zelda continha uma bateria onde o jogador podia salvar o seu progresso e, assim, não precisar voltar para o início.

Já existiam os Saves na época, mas que usavam o sistema de senhas longas, os chamados passwords.

A trama é simples, que, aliás, é uma característica dos games criados por Miyamoto, que era caprichar no gameplay, na jogabilidade, mas em simplificar a história e deixar o mais palpável possível para o grande público, mas o jogador controla o Link, onde o objetivo é reunir os oito fragmentos da Triforce da Sabedoria para resgatar a Princesa Zelda das mãos do vilão Ganon.

O protagonista intercala entre a superfície, eu é o mapa principal, além de nove labirintos subterrâneos com enigmas e os chefes de fase.

Aliás, o nome Zelda é em homenagem à Zelda Fitzgerald, esposa do escritor F. Scott Fitzgerald. Segundo Miyamoto, o som da palavra ‘Zelda’ é “agradável” e “significativo”.

O game foi um sucesso comercial, vendendo, aproximadamente, 6,50 milhões de cópias, sendo o primeiro jogo do NES a ultrapassar a marca de 1 milhão de unidades vendidas – Super Mario Bros atingiu esse número mais para a frente na história. Foi o 6º game mais vendido do console, atrás de fenômenos como o próprio Mario, Duck Hunt e Tetris.

A sua trilha sonora é lendária, sendo reconhecida e influente até hoje, na qual o compositor Koji Kondo a escreveu em apenas 24 horas. Foi o errado que deu mais do que certo.

The Legend of Zelda é um game clássico, inspirador e que está bacana até hoje, respeitando as limitações da época e sabendo que este é o primeiro de uma franquia que está sempre em evolução.

Posts Relacionados:

Xbox 360: os 20 anos do console mais marcante da Microsoft

Call of Duty Black Ops 7: quando a ganância destrói a ideia

gamescom latam 2026 e a consolidação da identidade gamer latino-americana

Não esquece de seguir o Universo 42 nas redes sociais:

Instagram | YouTube | Facebook

O post The Legend of Zelda: clássico faz 40 anos apareceu primeiro em Universo 42.

A narrativa acompanha as irmãs Nora e Agnes, que se reencontram com o excêntrico pai, Gustav, um renomado diretor que esteve ausente por anos. Ao oferecer a Nora o papel principal em seu novo filme, ele desencadeia memórias, tensões e sentimentos represados. Consequentemente, esse reencontro revela cicatrizes emocionais profundas, deixadas tanto pela ausência paterna quanto pelo narcisismo que define a personalidade de Gustav.

Valor Sentimental, Joachim Trier e o drama familiar

Valor Sentimental evidencia mais uma vez a habilidade de Joachim Trier em capturar as dores da juventude e os efeitos duradouros da negligência emocional. Enquanto isso, o roteiro equilibra com precisão diálogos e silêncios, permitindo que o público sinta as emoções sem a necessidade de explicações didáticas. Dessa forma, o espectador se conecta de maneira orgânica às personagens e às suas jornadas de aceitação, frustração e sofrimento.

Trier não subestima quem assiste. Muitas emoções permanecem nas entrelinhas. Olhares, gestos contidos e pausas prolongadas carregam o verdadeiro peso da narrativa. Assim, cada cena transmite intensidade e verdade emocional, tornando o drama mais verossímil e tocante. Portanto, o filme se afirma pela sensibilidade e pela maturidade com que conduz conflitos íntimos.

Valor Sentimental e a força das atuações

As atuações são centrais para o impacto do filme. Renate Reinsve e Inga Ibsdotter brilham como Nora e Agnes, traduzindo com precisão como lidar com um pai ausente envolve raiva, saudade e ressentimento acumulado. Enquanto isso, Stellan Skarsgård constrói Gustav como um homem genial diante das câmeras, mas emocionalmente inacessível fora delas.

Além disso, Elle Fanning contribui para o filme ao estabelecer uma dinâmica madura entre diretora e atriz, reforçando os temas de criação artística, controle e presença parental. Sua participação adiciona camadas ao debate sobre ego e afeto, sem jamais roubar o foco do núcleo familiar.

Um dos dramas mais marcantes da temporada

Valor Sentimental é sensível, delicado e profundamente impactante. Joachim Trier reafirma seu domínio sobre o drama familiar, equilibrando performances intensas, silêncios expressivos e uma encenação contida. Assim, o longa provoca reflexões duradouras sobre ausência paterna, luto e as marcas invisíveis que moldam as relações familiares.

Portanto, para quem busca um drama introspectivo e emocionalmente honesto, Valor Sentimental se consolida como um dos títulos mais marcantes da temporada do Oscar, oferecendo uma experiência cinematográfica madura, humana e memorável.

Posts Relacionados:

Destruição Final 2 é um erro desde seu título | CRÍTICA

Dois Procuradores e o retrato de um sistema opressor | CRÍTICA

Alerta Apocalipse aposta no caos, mas tropeça na própria comédia trash | CRITICA

Não esquece de seguir o Universo 42 nas redes sociais:

Instagram | YouTube | Facebook

O post Valor Sentimental e o peso da ausência paterna no drama familiar | CRÍTICA apareceu primeiro em Universo 42.

Na trama, o casal John e Allison, vividos por Gerard Butler e Morena Baccarin, além do filho Nathan, interpretado por Roman Griffin Davis, sobrevive aos eventos do primeiro filme. Protegidos em um bunker na Groenlândia, eles decidem abandonar o local após uma tempestade e partem em uma jornada pelo continente europeu. O objetivo é chegar à chamada Cratera, supostamente o último refúgio seguro diante do desastre que devastou o mundo.

Como o título sugere, trata-se da continuação de Destruição Final, lançado em 2020, em pleno período de pandemia. O longa custou cerca de 35 milhões de dólares e arrecadou 52 milhões nas bilheterias mundiais. Em condições normais, o resultado seria visto como um fracasso comercial. No entanto, considerando que os cinemas mal estavam abertos, esse faturamento foi tratado como aceitável.

Destruição Final 2 e a falsa ideia de continuidade

Esse relativo sucesso levou Ric Roman Waugh a reunir novamente Gerard Butler, que também atua como produtor, e Morena Baccarin, retornando a esse universo apocalíptico. O problema é que Destruição Final 2 não compreende o que funcionava minimamente no original.

O primeiro filme estava longe de ser memorável, mas apresentava um nível básico de competência narrativa. Sobretudo, fazia o público se importar com seus personagens, algo essencial em filmes do gênero. Aqui, no entanto, a continuação piora praticamente tudo o que havia sido apresentado em 2020.

O roteiro funciona apenas como uma sucessão de desculpas para cenas de catástrofe. O uso excessivo de chroma key e um CGI artificial já não fazem sentido em 2026. Falta impacto visual e sobra artificialidade, o que compromete qualquer tentativa de imersão.

Nem mesmo como entretenimento o longa se sustenta. As sequências de destruição são enfadonhas e repetitivas, a cinematografia é sem identidade e há poucos momentos de respiro para o espectador. O cansaço se instala rápido, mesmo em um filme curto.

Atuações e escolhas que não se sustentam

Ao menos, a montagem não exige demais do público e a duração pouco superior a 90 minutos ajuda a tornar a experiência menos penosa. Ainda assim, há diversas quebras de ritmo que reforçam a sensação de um filme mal estruturado.

Em produções de catástrofe, não se costuma exigir grandes atuações. Ainda assim, chama atenção como o próprio Gerard Butler parece não se levar a sério há anos. Sua carreira claramente se afastou dos grandes blockbusters, mas ele encontrou um nicho rentável, do qual Destruição Final 2 faz parte, ainda que sem brilho.

Morena Baccarin, por sua vez, faz o possível com o material que tem. Sua personagem tenta transmitir algum traço de humanidade em meio a um filme artificial. O mesmo não se pode dizer de Roman Griffin Davis. Com mais tempo de tela do que no longa anterior, ele acaba se tornando o elo mais fraco do elenco, dificultando qualquer empatia do espectador com Nathan.

Quando até o título denuncia o problema

Até no título brasileiro o filme tropeça. Se a destruição era final, por que uma segunda parte? O erro remete a problemas clássicos de tradução como O Último Exorcismo 2 ou Meu Primeiro Amor 2. A contradição é sintomática.

O título Destruição Final 2 não faz sentido. O roteiro também não. E, se houver próximos filmes, fica o desejo de que entreguem um filme-catástrofe, não apenas uma catástrofe de filme.

Posts Relacionados:

Dois Procuradores e o retrato de um sistema opressor | CRÍTICA

Alerta Apocalipse aposta no caos, mas tropeça na própria comédia trash | CRITICA

Infinite Icon: Uma Memória Visual revela a Paris Hilton além do estereótipo | CRÍTICA

Não esquece de seguir o Universo 42 nas redes sociais:

Instagram | YouTube | Facebook

O post Destruição Final 2 é um erro desde seu título | CRÍTICA apareceu primeiro em Universo 42.

No entanto, basta olhar com um pouco mais de atenção para perceber que isso não é exatamente verdade nem nos Estados Unidos. Muito menos quando deslocamos esse tipo de narrativa para realidades como a da União Soviética, onde as regras do jogo e o poder operam sob outra lógica. 

Dois Procuradores, que chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira, dia 05 de fevereiro, nos mostra como a corrupção estava encravada no sistema soviético. Ao fazer disso o centro da sua narrativa, acabou chamando a atenção no circuito internacional. O filme teve uma trajetória de destaque em festivais. Concorreu à Palma de Ouro em Cannes no ano passado e também passou pelo Festival de Toronto e pelo Festival do Rio. 

A sinopse

Em 1937, durante os Grandes Expurgos de Stalin, período marcado por prisões em massa, perseguições políticas e eliminação de supostos inimigos do Estado, destruíam-se cartas de prisioneiros implorando por inocência nas prisões soviéticas. É nesse contexto que uma dessas cartas, enviada por um membro do partido injustamente preso, chega às mãos de um jovem e idealista promotor. Ao tentar reabrir o caso, ele se depara com o medo, o silêncio e a burocracia de um sistema desenhado para deixar as coisas como estão. 

Inspirado em fatos

Escrito, produzido e dirigido por Sergey Loznitsa, Dois Procuradores é baseado em um livro do físico e engenheiro Georgy Demidov, que viveu pessoalmente a repressão soviética. Preso durante uma campanha contra os chamados inimigos do povo, Demidov passou catorze anos no sistema de campos de trabalho forçado. Essa experiência que dá peso e autenticidade ao que o filme coloca em cena. 

Dessa forma, Dois Procuradores se constrói como um filme profundamente opressor. Parece não haver liberdade para nenhum dos lados, nem mesmo a liberdade de ajudar uma colega a recolher algumas folhas que caíram no chão. Há muita tensão nas conversas, como se algo pudesse dar errado ao menor sinal de uma vírgula fora do lugar.

E tecnicamente?

Tecnicamente, o longa ainda reforça essa sensação de sufocamento com uma paleta de cores dessaturada, quase próxima do cinza, e com o uso da proporção claustrofóbica de tela 4:3. Ao mesmo tempo, é um filme belissimamente bem filmado. Sua Mise En Scène é muito bem estruturada, que organiza os cenários e o design de produção de maneira precisa e coerente com essa atmosfera arbitrária. 

Mesmo elegante, Dois Procuradores adota um ritmo que passa sem pressa, algo que pode incomodar alguns espectadores. Ainda assim, essa escolha parece existir justamente para que se sinta como seria estar preso àquele espaço e àquele tempo. Por exemplo, o procurador espera por um encontro com o diretor da prisão durante muito tempo. A proposta da produção é que o espectador espere junto com ele, enquanto vai sendo conduzido a conhecer melhor aquele ambiente inóspito. 

Dois Procuradores Vale a pipoca?

No fim, Dois Procuradores se mostra uma obra que soube transmitir com precisão a ideia da burocracia na tela. Não é apenas um conjunto de regras, mas uma forma de violência institucional e de sistema opressivo. Tudo ali, dos espaços ao ritmo, dos silêncios aos procedimentos, reforça como esse mecanismo é capaz de dominar, confundir e, sobretudo, desumanizar as pessoas. Isso acaba por transformar a busca por justiça em um caminho quase impossível dentro de um sistema feito para se manter intacto.

Posts Relacionados:

Alerta Apocalipse aposta no caos, mas tropeça na própria comédia trash | CRITICA

Infinite Icon: Uma Memória Visual revela a Paris Hilton além do estereótipo | CRÍTICA

Terror em Silent Hill: Regresso para o Inferno resgata o horror psicológico da franquia | CRÍTICA

Não esquece de seguir o Universo 42 nas redes sociais:

Instagram | YouTube | Facebook

O post Dois Procuradores e o retrato de um sistema opressor | CRÍTICA apareceu primeiro em Universo 42.

A trama acompanha dois funcionários de uma empresa de armazenamento que enfrentam o turno mais insano de suas vidas quando um fungo parasita, mantido em segredo pelo governo, foge do controle. Conforme a temperatura no subsolo aumenta, o microrganismo se espalha rapidamente, provocando controle cerebral, mutações grotescas e destruição corporal tanto em humanos quanto em outras formas de vida.

ALERTA APOCALIPSE NÃO SE LEVA A SÉRIO

Dirigido por Jonny Campbell, este é o primeiro projeto de maior visibilidade do cineasta em Hollywood. Desde os minutos iniciais, Alerta Apocalipse deixa claro que não quer ser levado a sério. Embora a cena de abertura tente construir tensão e desconforto, essa atmosfera dura pouco. Rapidamente, o filme abandona qualquer ambição de suspense e abraça de vez o humor escrachado.

Por um lado, essa escolha define com clareza o tom da obra. Por outro, evidencia limitações na direção, que não consegue sustentar nem o terror nem a comédia com consistência. O resultado é um filme que parece sempre à beira de funcionar, mas raramente chega lá.

CARISMA DO ELENCO SUSTENTA O FILME

Joe Keery entrega exatamente o que se espera dele. Mais uma vez, interpreta um personagem carismático, espirituoso e muito semelhante a papéis anteriores, especialmente em Stranger Things. Ainda assim, seu charme natural sustenta boa parte de Alerta Apocalipse. Ao seu lado, Georgina Campbell funciona bem como parceira de cena, criando uma dinâmica leve, funcional e, em alguns momentos, genuinamente divertida.

Além disso, a jornada dos protagonistas rende bons instantes, principalmente quando o roteiro permite que o humor físico e as situações absurdas assumam o controle da narrativa. Nessas brechas, o filme encontra seu melhor ritmo.

Um destaque inesperado é Liam Neeson, que parece cada vez mais confortável na comédia. Desde Corra que a Polícia Vem Aí, o ator vem explorando esse lado com eficiência. Em Alerta Apocalipse, ele entrega alguns dos momentos mais engraçados do longa, misturando sua clássica presença de ação com um timing cômico surpreendente.

FALTA DE OUSADIA NO TRASH

Apesar do potencial, o filme falha justamente onde mais deveria brilhar. O roteiro é raso, incoerente e pouco inventivo. Ele não desenvolve personagens, não constrói tensão e tampouco explora sua própria premissa com criatividade. Além disso, mesmo sendo uma comédia trash, Alerta Apocalipse poderia apostar mais no gore e na inventividade das mortes, algo que infelizmente fica aquém do esperado.

No fim, Alerta Apocalipse é um filme genérico que tenta ser Zumbilândia, mas acaba mais próximo de Zombeavers. Dependendo do humor do espectador, pode render algumas risadas ocasionais. Ainda assim, falta ousadia, criatividade e um roteiro mais afiado para que o caos realmente funcione.

Posts Relacionados:

Infinite Icon: Uma Memória Visual revela a Paris Hilton além do estereótipo | CRÍTICA

Terror em Silent Hill: Regresso para o Inferno resgata o horror psicológico da franquia | CRÍTICA

A Vingança de Charlie aposta no silêncio e entrega um suspense psicológico eficaz | CRÍTICA

Não esquece de seguir o Universo 42 nas redes sociais:

Instagram | YouTube | Facebook

O post Alerta Apocalipse aposta no caos, mas tropeça na própria comédia trash | CRITICA apareceu primeiro em Universo 42.