Na trama, Gustav (Stellan Skarsgard) é um cineasta de sucesso, mas que, no passado, abandonou as filhas, as irmãs, Nora (Renate Reinsve) e Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas), que volta justamente porque seu novo filme será baseado na sua própria família, Gustav oferece o papel à Nora, que inicialmente recusa o trabalho e ele acaba oferecendo para a estrela de Hollywood, Rachel Kemp (Elle Fanning), mas que, segundo Gustav, somente sua filha biológica é apta para o papel.

O filme está recebendo elogios merecidos da crítica especializada, está sendo lembrado nas premiações e, no Oscar, é o principal concorrente do brasileiro Agente Secreto com 9 indicações da Academia, incluindo Melhor Filme Direção, Atriz para Renate, Atrizes Coadjuvantes para Inga e Elle Fanning, Ator Coadjuvante para Skarsgard, além do Roteiro Original.

Ao contrário do Oscar 2025, onde o concorrente brasileiro Emília Perez era detonado pela maioria e foi se apequenando conforme a campanha para a premiação avançava, Valor Sentimental é um filme aclamado, de fato é excelente e há poucos fatores negativos que jogam contra o longa.

Vamos conhecer 8 curiosidades deste ótimo filme da temporada:

• Estreou na Noruega dia 12 de setembro de 2025, nos EUA, dia 07 de novembro de 2025 e, no Brasil ele estreou no natal, em 25 de dezembro de 2025;
• Está indicado em 9 categorias no Oscar 2026: Melhor Filme, Direção para Joachim Trier, Atriz para Renate Reinsve, Atrizes Coadjuvantes para Inga Ibsdotter Lilleaas e Elle Fanning, Ator Coadjuvante para Stellan Skarsgard, Filme Internacional, Roteiro Original e Montagem;
• A ideia para o filme surgiu depois que a casa da família de Joachim Trier foi colocada à venda;
• Terceira colaboração entre o diretor Joachim Trier e a atriz Renate Reinsve, depois de Oslo, 31 de Agosto (2011) e A Pior Pessoa do Mundo (2021). Trier escreveu o papel de Nora pensando especificamente em Reinsve;
• Paul Thomas Anderson , Pedro Almodóvar e Paul Schrader consideraram este um dos seus filmes favoritos de 2025;

• Recebeu uma ovação de pé de 19 minutos no 78º Festival de Cinema de Cannes;
• Assim como o personagem Gustav Borg, Ruben Östlund, o aclamado diretor sueco e vencedor de duas Palmas de Ouro em Cannes, foi uma figura de destaque no Festival de Cinema Americano de Deauville em setembro de 2022, onde apresentou seu mais recente filme, Triângulo da Tristeza, e foi homenageado por sua carreira;
• Num breve instante que dura menos de três segundos, o título do roteiro surge nas mãos de Renate Reinsve na cozinha: Um roteiro de Gustav Borg, escrito em sueco e que reflete a terra natal da personagem. O título, “HEMLÄNGTAN”, traduz-se como “saudade de casa” em português.

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Criado por Shigeru Miyamoto e Takashi Tezuka, reza a lenda que o jogo foi inspirado nas memórias da infância de Miyamoto, da época em que ele explorava florestas e cavernas em Kyoto.

The Legend of Zelda não é somente um grande jogo, foi a partir daqui que surgiu uma das maiores franquias do mundo dos games que existe até hoje. Se existem obras de Arte como A Link to the Past (1991), Ocarina of Time (1998) ou Breath of the Wild (2017) entre outras, tudo começou aqui e muitos elementos que se tornaram mais avançados posteriormente, apareceram aqui de forma experimental.

E muito diferente dos jogos de plataforma da época, como Super Mario Bros, lançado em 1985, que trouxe a progressão linear, de fase a fase, que existe até hoje, mas em Zelda, o jogador é colocado no meio de Hyrule onde ele é livre para ir para qualquer direção, para ir para qualquer entrada que o jogo permite. Era o máximo que podia-se chamar de “jogo aberto” na época.

Outras inovações que parecem triviais hoje, mas que eram o futuro na época, eram o cartucho dourado do Nintendinho, que se destacava perante outros títulos da época. E ainda a fita de Zelda continha uma bateria onde o jogador podia salvar o seu progresso e, assim, não precisar voltar para o início.

Já existiam os Saves na época, mas que usavam o sistema de senhas longas, os chamados passwords.

A trama é simples, que, aliás, é uma característica dos games criados por Miyamoto, que era caprichar no gameplay, na jogabilidade, mas em simplificar a história e deixar o mais palpável possível para o grande público, mas o jogador controla o Link, onde o objetivo é reunir os oito fragmentos da Triforce da Sabedoria para resgatar a Princesa Zelda das mãos do vilão Ganon.

O protagonista intercala entre a superfície, eu é o mapa principal, além de nove labirintos subterrâneos com enigmas e os chefes de fase.

Aliás, o nome Zelda é em homenagem à Zelda Fitzgerald, esposa do escritor F. Scott Fitzgerald. Segundo Miyamoto, o som da palavra ‘Zelda’ é “agradável” e “significativo”.

O game foi um sucesso comercial, vendendo, aproximadamente, 6,50 milhões de cópias, sendo o primeiro jogo do NES a ultrapassar a marca de 1 milhão de unidades vendidas – Super Mario Bros atingiu esse número mais para a frente na história. Foi o 6º game mais vendido do console, atrás de fenômenos como o próprio Mario, Duck Hunt e Tetris.

A sua trilha sonora é lendária, sendo reconhecida e influente até hoje, na qual o compositor Koji Kondo a escreveu em apenas 24 horas. Foi o errado que deu mais do que certo.

The Legend of Zelda é um game clássico, inspirador e que está bacana até hoje, respeitando as limitações da época e sabendo que este é o primeiro de uma franquia que está sempre em evolução.

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Na trama, o casal John e Allison, vividos por Gerard Butler e Morena Baccarin, além do filho Nathan, interpretado por Roman Griffin Davis, sobrevive aos eventos do primeiro filme. Protegidos em um bunker na Groenlândia, eles decidem abandonar o local após uma tempestade e partem em uma jornada pelo continente europeu. O objetivo é chegar à chamada Cratera, supostamente o último refúgio seguro diante do desastre que devastou o mundo.

Como o título sugere, trata-se da continuação de Destruição Final, lançado em 2020, em pleno período de pandemia. O longa custou cerca de 35 milhões de dólares e arrecadou 52 milhões nas bilheterias mundiais. Em condições normais, o resultado seria visto como um fracasso comercial. No entanto, considerando que os cinemas mal estavam abertos, esse faturamento foi tratado como aceitável.

Destruição Final 2 e a falsa ideia de continuidade

Esse relativo sucesso levou Ric Roman Waugh a reunir novamente Gerard Butler, que também atua como produtor, e Morena Baccarin, retornando a esse universo apocalíptico. O problema é que Destruição Final 2 não compreende o que funcionava minimamente no original.

O primeiro filme estava longe de ser memorável, mas apresentava um nível básico de competência narrativa. Sobretudo, fazia o público se importar com seus personagens, algo essencial em filmes do gênero. Aqui, no entanto, a continuação piora praticamente tudo o que havia sido apresentado em 2020.

O roteiro funciona apenas como uma sucessão de desculpas para cenas de catástrofe. O uso excessivo de chroma key e um CGI artificial já não fazem sentido em 2026. Falta impacto visual e sobra artificialidade, o que compromete qualquer tentativa de imersão.

Nem mesmo como entretenimento o longa se sustenta. As sequências de destruição são enfadonhas e repetitivas, a cinematografia é sem identidade e há poucos momentos de respiro para o espectador. O cansaço se instala rápido, mesmo em um filme curto.

Atuações e escolhas que não se sustentam

Ao menos, a montagem não exige demais do público e a duração pouco superior a 90 minutos ajuda a tornar a experiência menos penosa. Ainda assim, há diversas quebras de ritmo que reforçam a sensação de um filme mal estruturado.

Em produções de catástrofe, não se costuma exigir grandes atuações. Ainda assim, chama atenção como o próprio Gerard Butler parece não se levar a sério há anos. Sua carreira claramente se afastou dos grandes blockbusters, mas ele encontrou um nicho rentável, do qual Destruição Final 2 faz parte, ainda que sem brilho.

Morena Baccarin, por sua vez, faz o possível com o material que tem. Sua personagem tenta transmitir algum traço de humanidade em meio a um filme artificial. O mesmo não se pode dizer de Roman Griffin Davis. Com mais tempo de tela do que no longa anterior, ele acaba se tornando o elo mais fraco do elenco, dificultando qualquer empatia do espectador com Nathan.

Quando até o título denuncia o problema

Até no título brasileiro o filme tropeça. Se a destruição era final, por que uma segunda parte? O erro remete a problemas clássicos de tradução como O Último Exorcismo 2 ou Meu Primeiro Amor 2. A contradição é sintomática.

O título Destruição Final 2 não faz sentido. O roteiro também não. E, se houver próximos filmes, fica o desejo de que entreguem um filme-catástrofe, não apenas uma catástrofe de filme.

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A Única Saída é um filme que está arrancando elogios da crítica e sendo aplaudido em todos os festivais que está sendo exibido. E em um ano tão poderoso para os filmes de língua não-inglesa, como o brasileiríssimo O Agente Secreto e os excepcionais Valor Sentimental e Foi Apenas Um Acidente, este longa mostra também como Hollywood está buscando em outras culturas a qualidade que os filmes milionários de estúdio não estão conseguindo alcançar.

Sem contar que este filme mostra a força que a cultura coreana alcançou mundialmente com o próprio Oldboy na década de 2000, mas também com a aclamação de Parasita e seu Oscar de Melhor Filme, além dos fenômenos Round 6, K-Pop e da febre dos Doramas.

E um atrativo interessante de A Única Saída é que, com um roteiro desses, vários roteiros estadunidenses usariam a pieguice ou história de superação como força motriz para o longa, ou tinha tudo para ser uma história dramática, o que também faria muito sentido, mas o diretor resolve conduzir sua trama de forma cômica, seja por alguns diálogos, algumas situações ou até pela trilha sonora, que é excelente por sinal.

Vez ou outra o espectador pode se sentir incomodado ou até constrangido em rir de algo que deveria ser levado a sério, mas a intenção do diretor está justamente em chocar e questionar a régua moral que todos nós temos, inserindo, inclusive, toques de terror, que já vimos Wook fazendo isso com maestria em outros trabalhos.

Mesmo sendo uma trama diferente dos padrões hollywoodianos que o público médio está acostumado, também não é difícil se identificar com o protagonista e seus dilemas, já que desemprego e é um fenômeno, infelizmente, global, embora o que se vê em tela seja algo levado até as últimas consequências.

Outro aspecto que o diretor desafia é a percepção que o mundo tem sobre a Coréia do Sul como um país tecnológico e próspero, o que, de fato, é uma realidade, mas tanto Bong Joon-Ho mostrou lá em Parasita e Park Chan-Wook apresentou neste filme é que existe sim, muita desigualdade que está por debaixo dos panos – e muito parecida com o Brasil, por exemplo.

No Other Choice não chega à perfeição de Oldboy e de outros trabalhos de Park Chan-Wook e nem mesmo tem essa pretensão, mas faz pensar e nos fazer questionar em até onde vai a nossa moralidade perante uma situação de emergência.

O lobo sendo o lobo do homem.

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As Crônicas de Nárnia e a fantasia de dezembro de 2005

Após o sucesso colossal de Harry Potter e O Senhor dos Anéis, diversas franquias literárias de fantasia tentaram surfar nessa onda. No entanto, poucas conseguiram furar a bolha. As Crônicas de Nárnia – O Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa foi uma das exceções, ao menos em seu primeiro capítulo.

Baseado na obra de C. S. Lewis, o filme levou multidões aos cinemas e arrecadou mais de 750 milhões de dólares mundialmente. A Disney investiu pesado em marketing e divulgação. Como resultado, entregou um longa bem realizado, que marcou a formação cinematográfica de toda uma geração, mesmo que suas continuações não tenham repetido o mesmo impacto.

King Kong e o peso da expectativa

Ainda embalado pelo sucesso de O Senhor dos Anéis, Peter Jackson lançou em dezembro de 2005 sua versão de King Kong. Embora não tenha sido um fracasso comercial, o filme não alcançou os números esperados pelo estúdio.

Com mais de 550 milhões de dólares arrecadados, o resultado foi sólido para a época, mas distante do fenômeno bilionário de O Retorno do Rei. Além disso, esta não se tornou a versão definitiva do personagem, já que o clássico de 1933 permanece imortalizado. Ainda assim, o filme de Jackson é competente, atualiza a história para uma nova geração, tem um bom elenco e venceu três Oscars técnicos: Efeitos Visuais, Mixagem de Som e Edição de Som.

As Loucuras de Dick e Jane e a sátira afiada

Embora seja amplamente lembrado por suas comédias, Jim Carrey tem um de seus filmes mais engraçados frequentemente ignorado. As Loucuras de Dick e Jane é uma sátira deliciosa ao American Way of Life e à meritocracia, que segue surpreendentemente atual.

O roteiro é cuidadoso ao evitar qualquer apologia à violência urbana. Além disso, a química entre Jim Carrey e Téa Leoni é imediata, sustentando o humor e tornando o filme ainda mais eficaz.

O Segredo de Brokeback Mountain e o prestígio de dezembro de 2005

Entre os lançamentos mais importantes do ano está O Segredo de Brokeback Mountain, um dos pontos altos da carreira do diretor Ang Lee. Amplamente premiado, o filme era o favorito ao Oscar de Melhor Filme no ano seguinte, mas acabou derrotado pelo controverso Crash – No Limite, decisão vista até hoje como uma das maiores injustiças da premiação.

O longa é um épico poderoso e um grito contundente contra o preconceito. O elenco é sublime, com o saudoso Heath Ledger, indicado ao Oscar, além de Jake Gyllenhaal, Michelle Williams e Anne Hathaway. O filme venceu três Oscars: Direção, Roteiro Adaptado e Trilha Sonora, assinada por Gustavo Santaolalla.

Memórias de uma Gueixa e o requinte técnico

Memórias de uma Gueixa é um bom filme, embora não tenha alcançado o sucesso financeiro esperado. Dirigido por Rob Marshall, o longa apresenta problemas narrativos, mas compensa com um impressionante cuidado técnico.

Não à toa, venceu três Oscars: Figurino, Design de Produção e Fotografia. O elenco de peso inclui Michelle Yeoh, Ken Watanabe e a protagonista Zhang Ziyi, que muitos consideram merecedora de uma indicação ao Oscar.

No conjunto, dezembro de 2005 foi uma safra extremamente positiva para o cinema. As estreias do mês apenas reforçam como aquele período conseguiu equilibrar filmes pensados para grandes bilheterias e obras voltadas ao prestígio crítico. Seja para premiações ou puro entretenimento, o espectador dificilmente saiu frustrado de uma sessão há 20 anos.

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Jumanji e o espírito aventureiro de dezembro de 1995

Poucos sabem, mas Jumanji é baseado em um livro homônimo. Ainda assim, o filme se tornou um sucesso absoluto, principalmente pelo irresistível clima de matinê e aventura que o diretor Joe Johnston imprime à narrativa. Além disso, o saudoso Robin Williams lidera o elenco com carisma, ampliando a sensação de nostalgia. Soma-se a isso a presença de uma jovem Kirsten Dunst, que conquistaria o mundo na década seguinte. Tecnicamente, o filme envelheceu mal, e o recorte da época é necessário. Ainda assim, permanece mágico.

Dois Velhos Mais Rabugentos e a comédia clássica

Após o sucesso inesperado de Dois Velhos Rabugentos, a continuação Dois Velhos Mais Rabugentos era inevitável. Embora não tenha repetido o impacto do original, o filme continua muito divertido, com piadas na medida certa. O grande trunfo, no entanto, está no elenco extraordinário, reunindo os saudosos Walter Matthau e Jack Lemmon, além de Sophia Loren, Burgess Meredith e Daryl Hannah.

Fogo Contra Fogo: o auge do cinema policial em dezembro de 1995

Um dos filmes mais comentados de 1995, Fogo Contra Fogo permanece vivo na memória do público. O longa reuniu duas lendas do cinema, Robert De Niro e Al Pacino, em lados opostos da lei. Tudo é conduzido com precisão pelo diretor Michael Mann. O elenco ainda conta com o saudoso Val Kilmer e com duas então novatas, Natalie Portman e Ashley Judd. Há rumores de continuação, o que mantém a expectativa sempre alta.

Os Doze Macacos e a ficção científica de dezembro de 1995

Uma das maiores ficções científicas dos anos 1990 completa três décadas desde seu lançamento. Os Doze Macacos está entre os melhores filmes de 1995 e figura como um dos pontos altos da carreira do diretor Terry Gilliam. Durante a pandemia da COVID-19, o filme voltou a ser citado como uma das obras que mais acertaram em previsões sombrias do futuro. Brad Pitt, indicado ao Oscar pelo papel, entrega uma performance marcante, assim como Madeleine Stowe e Bruce Willis. A trilha sonora, com acordes de tango, funciona quase como um personagem, culminando em um dos plot twists mais memoráveis do cinema.

Razão e Sensibilidade: prestígio literário e cinematográfico

Razão e Sensibilidade é uma das obras mais conhecidas da escritora Jane Austen, mas o filme dirigido por Ang Lee ajudou a eternizar ainda mais o livro. Com produção refinada e um elenco fenomenal, o longa reúne Emma Thompson, Kate Winslet, indicada ao Oscar, além do saudoso Alan Rickman e Hugh Grant. Não por acaso, foi um dos filmes mais premiados do ano, vencendo o Oscar de Roteiro Adaptado.

Os Últimos Passos de um Homem e o drama premiado

Também entre os grandes destaques de dezembro de 1995 está Os Últimos Passos de um Homem. No Oscar, o filme conquistou o prêmio de Melhor Atriz para Susan Sarandon, resultado de uma atuação poderosa. A direção é de Tim Robbins, então marido da atriz, e Sean Penn entrega uma performance intensa como um detento no corredor da morte. Vale ainda reparar na presença de um então novato Jack Black.

No conjunto, dezembro de 1995 foi um mês extraordinário para o cinema. Seus lançamentos foram sucessos de público, figuraram nas principais premiações e até deram origem a franquias duradouras. Muitos desses filmes seguem vivos na memória coletiva e despertam, até hoje, uma enorme vontade de revisitar esses clássicos.

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A força de Pecadores nasce da combinação precisa entre questões raciais, contexto histórico e o universo dos vampiros, em um equilíbrio raro e extremamente eficaz. Essa mistura se revela um acerto cuidadosamente orquestrado por Ryan Coogler, diretor de Creed e Pantera Negra, aqui trabalhando novamente ao lado de seu colaborador frequente, Michael B. Jordan, que assume um papel duplo marcante e desafiador.

• Muitas das apresentações musicais foram gravadas ao vivo no set de filmagem, com os membros do elenco se apresentando ao lado de músicos de blues;
• Jack O’Connell aceitou o papel mesmo tendo lido o roteiro apenas uma vez, pois seu personagem cantaria música folclórica irlandesa, um sonho realizado para um fã do gênero;
• Os gêmeos Moore/Smokestack receberam esse nome em homenagem à música “Smokestack Lightnin” de Howlin’ Wolf;
• O diretor Ryan Coogler disse que duas de suas maiores influências para o filme foram Um Drink no Inferno (1996) e Prova Final (1998), ambos dirigidos por Robert Rodriguez;

Além disso, 2025 vem sendo considerado um ano mágico para o terror, com títulos consistentes como A Hora do Mal, Acompanhante Perfeita e Juntos. Ainda assim, não soa exagerado afirmar que Pecadores se destaca como o mais bem-sucedido e culturalmente relevante entre eles, tanto em impacto quanto em ambição artística.

A seguir, conheça 20 curiosidades que ajudam a entender por que Pecadores já é tratado como um forte candidato a clássico do cinema contemporâneo.

• Muitas das apresentações musicais foram gravadas ao vivo no set, com membros do elenco se apresentando ao lado de músicos de blues.
• Jack O’Connell aceitou o papel após ler o roteiro apenas uma vez, motivado pelo fato de seu personagem cantar música folclórica irlandesa, um sonho pessoal do ator.
• Os gêmeos Moore e Smokestack receberam esse nome em homenagem à canção Smokestack Lightnin’, de Howlin’ Wolf.
• Ryan Coogler citou Um Drink no Inferno (1996) e Prova Final (1998), ambos de Robert Rodriguez, como duas de suas maiores influências.
• As filmagens aconteceram majoritariamente em Nova Orleans e arredores, na Louisiana, durante a primavera de 2024, sob calor intenso.
• Em entrevista, Coogler revelou que Remmick foi parcialmente inspirado na personagem Morte, de Gato de Botas 2: O Último Pedido (2022).
• Michael B. Jordan admitiu que nunca foi fã de filmes de terror, o que o motivou ainda mais a aceitar o desafio.
• Christopher Nolan e Emma Thomas auxiliaram Coogler nas filmagens em película de 65mm.
• O longa marca a estreia de Miles Caton no cinema.
• Ludwig Göransson descreveu a trilha sonora como pessoal e ambiciosa, refletindo sua própria jornada musical.
• Este é o primeiro filme de Ryan Coogler rodado em película desde Fruitvale Station (2013), filmado em 16mm.
• Hailee Steinfeld escreveu e gravou a música original Dangerous para o filme.
• Tornou-se o segundo filme de terror original de maior bilheteria da história dos EUA, atrás apenas de O Sexto Sentido (1999).
• É o filme original de maior bilheteria nos EUA desde Sing: Quem Canta Seus Males Espanta (2016).
• Trata-se do primeiro filme com classificação R dirigido por Coogler em 12 anos.
• Spike Lee declarou que este é seu filme favorito de 2025.
• O lendário bluesman Buddy Guy aparece no epílogo como uma versão idosa de Sammie, em 1992.
• Jack O’Connell assistiu a Drácula de Bram Stoker (1992) e Entrevista com o Vampiro (1994) como preparação para o papel.
• Pecadores se passa em 1932 e encerra sua narrativa em 1992.
• O filme custou 88 milhões de dólares, arrecadou 367 milhões mundialmente e alcançou 97% de aprovação da crítica especializada.

No fim, Pecadores se impõe não apenas como um grande sucesso de 2025, mas como uma obra que entende o terror como linguagem, memória e comentário social. Ryan Coogler transforma vampiros em metáfora, o passado em ferida aberta e o entretenimento em discurso, sem nunca perder o apelo popular. É justamente nesse equilíbrio entre impacto emocional, ambição estética e relevância cultural que o filme encontra sua força duradoura, deixando claro que seu lugar não é apenas nas listas do ano, mas na conversa mais ampla sobre o que o cinema de gênero ainda pode ser.

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Star Wars – O Despertar da Força e o domínio absoluto de dezembro

A lista já começa com o pé na porta. Star Wars – O Despertar da Força foi a maior bilheteria de 2015 e uma das maiores da história do cinema, entrando no seleto grupo dos filmes que ultrapassaram 2 bilhões de dólares mundialmente. Dentro do contexto dos filmes de dezembro 2015, nenhum outro lançamento teve impacto parecido.

Hoje, muitos torcem o nariz e até gostam de odiar o longa. De fato, sua estrutura é bastante semelhante à de Uma Nova Esperança, e a maior frustração acabou sendo o desfecho da nova trilogia, especialmente A Ascensão Skywalker, frequentemente apontado como o pior capítulo da saga. Ainda assim, olhando para aquele momento específico, é impossível negar que O Despertar da Força foi um fenômeno cultural.

O filme trouxe Star Wars de volta ao centro das conversas, virou assunto dominante nas redes e, como estreou em 17 de dezembro, acabou se tornando o programa de Natal de muita gente. Não é brilhante e nem o melhor Star Wars produzido pela Disney, título que Rogue One, lançado no ano seguinte, assume com mais propriedade. Mesmo assim, dentro dos filmes de dezembro 2015, seu papel histórico é inquestionável e merece respeito.

O Regresso e o Oscar finalmente entregue

O Regresso ficou eternizado como o filme que finalmente rendeu o Oscar a Leonardo DiCaprio, além da cena da luta contra o urso, frequentemente lembrada de forma quase caricata. No entanto, reduzir o longa a esses dois elementos é ignorar suas qualidades mais consistentes.

O filme apresenta uma narrativa sólida, uma condução segura e uma realização técnica impressionante. Embora não seja o melhor trabalho de Alejandro González Iñárritu , mérito que muitos atribuem a Amores Brutos (2000) , ele se destaca pela fotografia hipnotizante de Emmanuel Lubezki, que acabou levando o Oscar. Dentro do recorte dos filmes de dezembro 2015, O Regresso permanece como uma experiência intensa e visualmente marcante.

A Grande Aposta e o desafio de explicar a economia

Amado por uns e rejeitado por outros, A Grande Aposta foi um dos títulos mais comentados da temporada e conquistou espaço relevante no Oscar, incluindo indicação a Melhor Filme. O grande mérito do trabalho de Adam McKay foi transformar um tema árido como economia em algo compreensível e envolvente para o grande público.

Com ritmo acelerado, diálogos afiados e um elenco de peso, que inclui Brad Pitt, Christian Bale, Ryan Gosling, Marisa Tomei, Jeremy Strong, muito antes da aclamação em Succession, além de uma participação divertida de Margot Robbie, o filme se consolidou como um dos destaques entre os filmes de dezembro 2015.

Joy – O Nome do Sucesso e o Oscar bait da temporada

Após o sucesso de O Lado Bom da Vida (2012) e Trapaça (2013), a parceria entre David O. Russell e Jennifer Lawrence parecia destinada a repetir o mesmo impacto. No entanto, Joy acabou se tornando um típico Oscar bait da temporada.

O filme não teve o retorno financeiro esperado, mas garantiu uma indicação ao Oscar para Lawrence. Curiosamente, muitos espectadores só foram descobrir Joy anos depois, quando o longa passou a ser exibido com frequência na televisão, inclusive no Brasil, ganhando um carinho tardio e silencioso dentro do conjunto dos filmes de dezembro 2015.

Os Oito Odiados e Tarantino em ritmo mais contido

O novo filme de Quentin Tarantino era um dos mais aguardados daquele fim de ano. Os Oito Odiados é, sem dúvida, um grande filme, ainda que não figure entre os melhores trabalhos do diretor. O jogo de gato e rato conduzido por Tarantino, aliado a um elenco afiado, resulta em um interessante estudo de personagens.

O ritmo mais cadenciado, porém, evidencia a ausência de Sally Menke, montadora histórica do cineasta, falecida em 2010. Ainda assim, o longa se mantém como uma peça relevante e consistente entre os filmes de dezembro 2015, especialmente para os fãs do diretor.

O mês de dezembro de 2015 foi amplamente dominado por Star Wars – O Despertar da Força, e muita gente reservou o dinheiro para vê-lo na telona. Ainda assim, olhando em retrospecto, fica claro que aquele período foi extremamente positivo para a sétima arte.

Os filmes de dezembro 2015 mostram que, mesmo quando um título ocupa todo o espaço midiático, ainda há margem para cinema adulto, autoral e relevante. Um equilíbrio raro, que ajuda a explicar por que esse fim de ano segue sendo lembrado com tanto carinho pelos espectadores.

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A Fan Lab é o braço geek da Riachuelo, voltado especialmente para o universo da cultura pop. A marca se destaca tanto nas lojas físicas quanto no e-commerce, unindo a força de uma gigante do varejo a produtos criativos e de bom gosto, perfeitos para fãs e até mesmo para quem não é tão ligado em franquias famosas, mas aprecia uma boa estampa ou referência nostálgica.

Mas por que limitar esse sucesso ao varejo tradicional? Levar a Fan Lab para eventos de cultura pop é um movimento natural. São espaços onde os fãs se concentram, respiram esse universo e estão abertos a novas conexões com marcas, criadores de conteúdo e, claro, produtos exclusivos. A possibilidade de parcerias e networking é enorme e foi exatamente isso que a marca percebeu.

Durante a última edição da Brasil Game Show, a Fan Lab foi um verdadeiro destaque, com um estande movimentado e bem localizado, ao lado da própria Nintendo. Os visitantes podiam experimentar uma demo do aguardado Switch 2 e, logo em seguida, adquirir produtos de suas franquias favoritas, tudo no mesmo espaço.

Ficou claro: o foco era o público gamer. Mas por que parar por aí?

Embora os games sigam representados com força, especialmente com produtos de Mario, Zelda e Donkey Kong, a loja traz uma variedade impressionante para fãs de outras franquias como Harry Potter, Senhor dos Anéis, Star Wars, Stranger Things, Game of Thrones e uma seleção dedicada ao universo dos animes, que conquista o público otaku.

As camisetas são o carro-chefe da Fan Lab, mas há muito mais: canecas, almofadas, moletons, eco bags, bonés, bonecos de pelúcia e uma série de itens criativos que ampliam o desejo de colecionar. E o melhor: preços acessíveis dentro do mercado, com promoções especiais durante o evento.

A Fan Lab é a loja feita de fãs para fãs. Seja para comprar aquele item dos sonhos ou para encontrar um presente memorável, a marca entrega qualidade, estilo e conexão afetiva com o universo geek. Até mesmo os cinéfilos encontram ali peças que celebram seus filmes preferidos com um toque de originalidade.

Na CCXP 2025, a Fan Lab não é só uma loja, é um ponto de encontro entre fãs, histórias e boas memórias.

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Escrito e dirigido por Zach Cregger (de Noites Brutais e do próximo filme da saga Resident Evil), o longa apresenta uma premissa impactante: todas as crianças da sala da professora Justine (Julia Garner, sempre excelente!) desaparecem misteriosamente na madrugada, exatamente às 2h17 da manhã — todas, menos o jovem Alex (Cary Christopher).

Justine passa a ser hostilizada pelos pais dos alunos, e o mistério se aprofunda: o que aconteceu com as crianças? E por que justamente Alex escapou?

O elenco traz nomes conhecidos, como Benedict Wong (como o diretor da escola) e Josh Brolin (como o pai de uma das crianças). Mas quem rouba a cena é Amy Madigan, no papel da enigmática Tia Gladys, que só aparece na segunda metade do filme. Sua atuação é tão impactante que a Warner Bros. já trabalha para garantir sua indicação ao Oscar de Atriz Coadjuvante. E, acredite: quanto menos você souber sobre essa personagem, melhor.

A Hora do Mal é considerado por muitos como um clássico moderno do terror. A seguir, confira 16 curiosidades sobre esse fenômeno:

• A Netflix chegou a oferecer mais dinheiro adiantado do que a New Line, mas o lançamento garantido nos cinemas e o histórico da New Line com filmes de terror foram decisivos.
• Para promover a atmosfera do filme, sessões foram anunciadas exatamente às 14h17 — referência direta ao horário em que as crianças somem na história.

• O diretor Zach Cregger se inspirou visualmente em Os Suspeitos (2013), de Denis Villeneuve.
• Em dias mais intensos de filmagem, a produção lidava com mais de 170 crianças simultaneamente. Foram contratados coordenadores de trabalho infantil para garantir o bem-estar dos pequenos.
• Cregger teve a ideia inicial antes de desenvolver a trama por completo.
• Originalmente programado para 16 de janeiro de 2026, o filme teve sua estreia antecipada para 8 de agosto de 2025, graças à aclamação nas exibições-teste.
• Às 2h17 da manhã de 17 de outubro de 2025, a HBO Max enviou uma notificação surpresa anunciando a estreia do filme na plataforma em 24 de outubro.
• O quarto 217 é uma homenagem ao quarto do Hotel Overlook em O Iluminado, de Stephen King.
• O visual de Paul foi inspirado no personagem de John C. Reilly em Magnólia (1999).

• Assim como os personagens de Julia Garner e Alden Ehrenreich, o diretor Cregger é um alcoólatra em recuperação há mais de 10 anos.
• Brian Tyree Henry e Tom Burke foram originalmente escalados, mas substituídos por Benedict Wong e Alden Ehrenreich.
• Rooney Mara e Elizabeth Olsen foram convidadas para o papel principal, mas recusaram.
• Amy Madigan testou mais de 20 perucas até escolher a chamativa peruca vermelha usada no filme.
• Número de mortes no filme: 5.
• A recompensa de 50 mil dólares, mencionada ao longo da trama, jamais é paga.
• Com um orçamento de 38 milhões de dólares, o filme arrecadou 268 milhões no mundo todo, além de conquistar 93% de aprovação da crítica especializada.

Com atmosfera sombria, atuações intensas e uma narrativa envolvente, A Hora do Mal é mais do que um sucesso de bilheteria, é um marco do terror contemporâneo.

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