Em seu terceiro capítulo, a franquia retorna à enigmática cidade de Silent Hill. Cercada por mistérios e elementos sobrenaturais, o local mais uma vez se impõe como personagem central. Afinal, que segredos ainda permanecem escondidos sob a névoa constante desse lugar amaldiçoado?

Dos jogos à telona

A franquia de jogos Silent Hill conta com sete títulos principais e diversos jogos secundários, incluindo spin-offs, remakes e adaptações. O primeiro filme, Silent Hill, adapta diretamente a história do jogo original Silent Hill. Já Silent Hill: Revelação segue como continuação direta do longa anterior, sem adaptar um novo jogo da franquia.

Diferente de seus antecessores, Terror em Silent Hill: Regresso para o Inferno adapta a narrativa de Silent Hill 2. Apesar de algumas mudanças pontuais de roteiro, personagens e eventos, o filme se mostra surpreendentemente fiel ao jogo. A maior parte do enredo mantém similaridade com a experiência original, o que se revela um ponto bastante positivo para fãs da obra.

Seguindo a proposta de sua contraparte nos videogames, o filme concentra seu foco no terror psicológico de James Sunderland, interpretado por Jeremy Irvine. A ambientação, os eventos e o visual continuam ancorados em Silent Hill, mas agora vistos quase exclusivamente pela perspectiva emocional e mental de James.

Terror em Silent Hill

James Sunderland é um pintor atormentado pela perda de sua esposa, Mary Crane, vivida por Hannah Emily Anderson. Afundado em tristeza e alcoolismo, ele encontra dificuldades para seguir em frente. No entanto, ao retornar para casa, recebe uma carta inesperada. Para seu choque, a mensagem é assinada por sua falecida esposa, pedindo que ele volte ao lugar especial do casal. Intrigado e abalado, James parte imediatamente para Silent Hill, a cidade onde viveram juntos.

Contudo, ao se aproximar da estrada de acesso à cidade, percebe que o caminho está bloqueado. Sob chuva intensa, durante a noite e visivelmente embriagado, ele para o carro e perde a consciência. Ao acordar, já é dia e a chuva cessou. Ainda assim, o único meio de chegar à cidade é seguir a pé.

À medida que se aproxima, a atmosfera se transforma. A cidade surge coberta por névoa espessa e cinzas caindo do céu. Próximo a um cemitério, James encontra Angela, uma jovem de aparência pálida que tenta conter a água do lago com uma barricada improvisada. Após uma breve conversa, ele descobre que as cinzas são resultado de um incêndio que devastou parte da cidade.

Com o avanço pela cidade, o ambiente se torna cada vez mais inquietante. Não há pessoas, apenas prédios vazios e sinais de abandono. Onde foram parar todos os moradores de Silent Hill?

Quando finalmente encontra alguém, o encontro termina em horror. Uma criatura estranha surge, e a pessoa diante de James morre de forma grotesca, como se estivesse se derretendo. O que realmente está acontecendo naquele lugar? Que criaturas são essas? Como James recebeu uma carta de sua esposa morta? E quem são as poucas figuras que ainda vagam pela cidade?

Analisando Silent Hill

A princípio, Terror em Silent Hill: Regresso para o Inferno pode parecer apenas mais um filme de terror tradicional. No entanto, sua proposta é outra. Assim como o jogo que o inspira, o foco está no sofrimento psicológico de James Sunderland. O objetivo não é provocar sustos fáceis, mas utilizar criaturas e ambientação para construir uma sensação constante de angústia, decadência e desespero.

Nesse sentido, o visual do filme se destaca de forma impactante e visceral. Cenários, personagens e monstros apresentam uma realidade distorcida, com comportamentos e aparências que reforçam o estado de corrupção daquele mundo. Tudo contribui para transmitir a ideia de um espaço onde não há fuga nem conforto possível.

O enredo segue uma estrutura relativamente simples, acompanhando James em sua busca por respostas enquanto enfrenta seus próprios medos e culpas. Ainda assim, a execução é eficaz, mantendo fidelidade ao jogo e respeitando sua essência. As alterações feitas não comprometem a narrativa e ajudam a manter um ritmo envolvente, que prende o espectador do início ao fim.

Um detalhe curioso é que Silent Hill 2 possui seis finais diferentes. O filme parece construir seu desfecho como um amálgama de três desses finais, com pequenas alterações. Essa escolha não prejudica o resultado. Pelo contrário, torna o encerramento mais instigante e coerente dentro da proposta cinematográfica.

Terror em Silent Hill: Regresso para o Inferno surge como uma surpresa positiva, revitalizando a franquia e reacendendo a esperança por futuras adaptações de qualidade dos outros jogos da série Silent Hill.

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A história até agora

Este é o quarto capítulo da história de Extermínio. A sequência é a seguinte: Extermínio (28 Days Later) (2002), Extermínio 2 (28 Weeks Later) (2007), Extermínio: A Evolução (28 Years Later) (2025) e agora com Extermínio: O templo dos Ossos (28 Years Later: The Bone Temple). Anteriormente, um vírus altamente contagioso é acidentalmente liberado e uma infecção devastadora que atinge toda a Grã-Bretanha.

A infecção demora 28 dias para transformar os humanos em criaturas violentas, em um estado de fúria irracional. Inicialmente, áreas inteiras são isoladas. Mas 28 semanas depois, ao tentar repovoar Londres, a humanidade falha. 28 anos se passaram e finalmente pessoas tentam explorar um mundo tomado por infectados. Spike, um garoto de uma pequena vila isolada em uma ilha, acaba por ter que sobreviver sozinho neste mundo inóspito e tomado pelos infectados. Porém, ao ser salvo de um ataque de infectados, fica à mercê de um grupo de lunáticos liderados por Jimmy Crystal.

O 4º capítulo – Extermínio: O Templo dos Ossos

Como se não bastasse a ameaça dos infectados, outros seres humanos se mostram os piores perigos. Após a sociedade como a conhecemos desmoronar e se desfazer com a invasão dos infectados, o mundo se tornou um terra sem lei. Por consequência, o que impera é a sobrevivência do mais apto. Muitas das pessoas vão deixando sua humanidade de lado gradativamente e começam a cometer atrocidades e atos violentos e abusivos alegando serem pela sua sobrevivência.

Enquanto Skipe procura desesperadamente um meio de fugir do grupo de Jimmy, Dr Kelson começa a analisar o comportamento dos infectados e decide fazer alguns experimentos. Em meio à seus testes, acaba fazendo descobertas chocantes que podem abalar o mundo. O que será que ele descobre?

Em contrapartida, o que Spike descobre é que o grupo de Jimmy é extremamente perigoso e precisa fugir deles o quanto antes. Descobre que seus “companheiros” não tem o mínimo de apreço pela vida alheia e fica horrorizado com com o que fazem ao encontrarem outros sobreviventes. Mas como fugir deles?

Um ponto importante a ser colocado: nesta parte da saga, o foco do filme acaba se tornando as interações entre os sobreviventes e as questões éticas, morais e religiosas. Muito mais foco nas atitudes e ações dos sobreviventes do que ataques dos infectados.

Análise do filme

Surpreendentemente, a história toma um rumo inesperado e bem interessante. Ela continua exatamente de onde termina no terceiro filme e progride de forma constante e prendendo a atenção do espectador. Porém, o foco se divide entre Spike e Dr Kelson, intercalando entre cenas deles e entre momentos de tensão, reflexão e calmaria.

A interação entre o doutor e Sansão mudam completamente o ritmo do filme e é, ao mesmo tempo, estranha, curiosa, intrigante e instigante. O que mais cativa, é que essa interação acaba sendo muito mais humana que as interações entre os outros sobreviventes.

Indiscutivelmente, o melhor personagem e a melhor interpretação são do Dr Kelson. Ele se torna o personagem principal, juntamente com Sansão. E a melhor cena do filme é feita por ele. Simplesmente sensacional, merecendo o título de Templo dos Ossos.

A trilha sonora está maravilhosa e mostra como uma boa utilização de músicas pode ser crucial para uma história e cria cenas memoráveis. Com direito à vários clássicos.

Em contrapartida, há algumas cenas em que houveram exposições desnecessárias da fisionomia humana que poderia só ter ocultado algumas coisas. Mas isso não estraga a experiência ou as cenas em si.

Os efeitos ficaram bons, nada extravagante ou exagerado e supriram o que precisava para o filme.

Em conclusão, Extermínio: O Templo dos Ossos supera as expectativas e se mostra um ótimo filme, provando que é possível renovar e deixar a história ainda mais interessante, fugindo do padrão de zumbis e continuar instigativo.

Portanto, recomendado e será ótima experiência no cinema.

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Após os acontecimentos do primeiro filme (Five Nights at Freddy’s – 2023), os animatrônicos da pizzaria (Freddy, Bonnie, Chica e Foxy) são finalmente desativados, e William Afton, o criador deles, é morto por suas próprias criações. Com isso, a paz parece retornar, e Mike, Abby e Vanessa podem, enfim, respirar aliviados. No entanto, o final sugere que ele não se foi completamente… e um pequeno animatrônico consegue escapar.

Trauma e conexão com o passado

Dois anos após os trágicos eventos, os três protagonistas ainda enfrentam dificuldades para retomar suas vidas. Abby sofre com a ausência de seus amigos animatrônicos, Mike não sabe como ajudar a irmã a seguir em frente, e Vanessa ainda sente os efeitos da influência e do medo herdados do pai. Mas será que realmente acabou?

Abby decide revisitar a pizzaria abandonada onde tudo começou, tentando reencontrar seus antigos companheiros. Ao chegar lá, encontra apenas ruínas e um velho dispositivo eletrônico largado no chão, que leva consigo como lembrança. Mike a alcança e admite que não encontrou nenhum animatrônico — tampouco sabe como trazê-los de volta.

Enquanto isso, um grupo de adolescentes que comanda um canal sobre locais assombrados decide investigar a Freddy Fazbear’s Pizza original. O local ganhou notoriedade após a morte misteriosa de uma garota que tentou salvar outro menino. Apesar do incidente ter sido tratado como acidente, o caso deixou marcas, e outras filiais da pizzaria seguiram operando, inclusive a unidade do primeiro filme.

Uma ameaça adormecida desperta

O que os adolescentes encontram na antiga pizzaria vai muito além do esperado. Eles acabam despertando horrores que dormiam há décadas, perturbando forças que jamais deveriam ter sido tocadas. Após isso, Abby recebe uma misteriosa mensagem através do aparelho que levou consigo, aparentemente enviada por Chica, uma das animatrônicas. Seria um sinal de que eles ainda estão por aí?

O filme consegue manter um ritmo de tensão constante, com momentos genuínos de suspense. O início se desenvolve de forma mais lenta, o que é compreensível, já que apresenta o novo cenário dois anos após o desfecho anterior. Como dizem: a calmaria antes da tempestade. Mesmo nesse momento inicial, a curiosidade se mantém: queremos saber como os personagens lidaram com o tempo e como os terrores irão retornar.

Mais sombrio, mais sério e mais visual

Um dos pontos altos de Five Nights at Freddy’s 2 é seu visual. A atmosfera está mais pesada, e os animatrônicos, mais ameaçadores. A Marionete, em especial, se destaca com um design perturbador — daqueles que arrepiam até a espinha.

Por outro lado, a falta de abertura entre Vanessa, Mike e Abby soa um tanto estranha. Após tudo que passaram, esperava-se mais honestidade, especialmente sobre o passado sombrio do pai de Vanessa. Por que esconder tantas informações? Existe um motivo real ou será apenas um artifício para manter o mistério?

Outro detalhe interessante: apesar das diversas cenas violentas e algumas mortes, a quantidade de sangue foi visivelmente minimizada. A decisão parece estratégica, visando manter uma classificação indicativa acessível ao público jovem, grande parte dele composto por fãs dos jogos.

Five Nights at Freddy’s 2 se mostra mais envolvente e sombrio que o primeiro. Cumpre o que promete e mantém a tensão do início ao fim. Apesar de menos momentos cômicos ou piadas, isso não prejudica a narrativa, pelo contrário, contribui para a atmosfera mais séria que o longa propõe.

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Uma distopia com raízes contemporâneas

Esta é a segunda adaptação do conto The Running Man (1982), assinado por King sob o pseudônimo Richard Bachman. A nova versão nos transporta a um futuro autoritário, onde os Estados Unidos tornaram-se um estado policial governado por corporações midiáticas. A pobreza é generalizada e o acesso à saúde, quase inexistente.

É nesse cenário que conhecemos Ben Richards (Glen Powell), um homem marcado por denunciar abusos em seu antigo trabalho. Vivendo com a esposa Sheila (Jayme Lawson) e a filha Cathy na zona marginalizada da cidade chamada CO-OP, ele enfrenta um dilema urgente: sua filha está gravemente doente e os recursos para tratá-la são escassos.

Desesperado, Ben se inscreve em programas da FreeVee — uma espécie de reality show extremo. Por seu porte físico, raiva contida e misantropia evidente, é escolhido para o programa mais brutal de todos: The Running Man.

Reality show letal e sociedade corrompida

No centro da trama está um jogo cruel: condenados devem sobreviver por 30 dias sendo caçados publicamente. Caso consigam, ganham a liberdade e uma fortuna. A mídia promove o programa como um serviço público, naturalizando o assassinato como entretenimento e incentivando a violência coletiva.

Ben, agora o protagonista de um jogo sádico, precisa enfrentar caçadores implacáveis, um sistema corrupto e sua própria desesperação. A cada nova cena, a tensão aumenta e o questionamento também: é possível resistir a um sistema que transforma a dor em show?

O Sobrevivente é uma refilmagem com propósito

O filme de Edgar Wright não é uma simples atualização. Ele é uma releitura contundente do clássico cult de 1987 estrelado por Arnold Schwarzenegger. Embora compartilhem a ideia central, as diferenças são notáveis.

Na versão original, Ben era um capitão acusado injustamente, sem laços familiares e com treinamento militar. Já no novo filme, o protagonista é um trabalhador comum com motivações mais emocionais: salvar a filha. Essa mudança humaniza a narrativa e aumenta o apelo dramático.

Outro acerto foi deslocar o arco do policial traído para um personagem secundário, homenageando a versão anterior sem comprometer a originalidade da nova.

Críticas sociais afiadas e atuação visceral

A desigualdade social e a violência sistematizada são mostradas de forma crua, tanto no visual quanto no comportamento das personagens. O humor é sombrio, a ironia é cortante e a indiferença coletiva é inquietante.

O controle absoluto das corporações sobre a informação é o epicentro temático do filme. Em tempos de fake news, algoritmos viciantes e influência digital desmedida, O Sobrevivente se mostra brutalmente atual.

Glen Powell surpreende e convence. Sua interpretação como Ben é explosiva, marcada por acessos de raiva e um olhar sempre em conflito entre o impulso e a justiça. Ele não é um herói clássico, mas um homem comum forçado ao limite — e é justamente isso que o torna tão cativante.

Uma distopia que não perde o fôlego

O Sobrevivente entrega muito mais do que uma trama sobre sobrevivência. Ao resgatar questões morais e éticas, ao colocar o entretenimento como ferramenta de opressão e ao mostrar o custo humano da indiferença social, o filme reafirma sua relevância.

Com uma direção segura, ritmo afiado e uma atuação central poderosa, esta refilmagem mostra que há histórias que merecem ser recontadas.

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Neste sexto capítulo da saga, acompanhamos Dek (Dimitrius Schuster-Koloamatangi), um jovem Yautja – agora nome oficial da raça dos Predadores – que precisa provar seu valor como caçador. Expulso do clã após confrontar o pai, ele parte rumo ao planeta mais inóspito conhecido, Genna, para derrotar a criatura lendária chamada Kalisk. Uma missão de vida ou morte, em busca de honra e pertencimento.

Agora o Predador é quem corre risco

Até aqui, os filmes da franquia sempre colocaram os humanos no centro da narrativa, lutando desesperadamente pela sobrevivência diante de uma força brutal e implacável. Em Terras Selvagens, os papéis se invertem: o Yautja é quem enfrenta o perigo, sendo testado por um ambiente hostil e adversários desconhecidos. A mudança quebra expectativas e pode causar certo estranhamento nos fãs mais tradicionais, mas funciona como um respiro criativo para o universo Predador.

Outro ponto marcante é o tom do filme. Diferente do clima sombrio e tenso dos longas anteriores, este aposta mais na aventura, com doses inesperadas de humor. Há um leve toque de irreverência, principalmente através do personagem Bud, que oferece momentos de alívio cômico eficazes — um elemento inédito na franquia, mas bem-vindo.

Genna, a criatura Kalisk e a presença de Alien

O planeta Genna é um espetáculo à parte. Visualmente deslumbrante e letal por natureza, ele cumpre bem o papel de cenário extremo, com paisagens surreais, criaturas ameaçadoras e ambientação que reforça a brutalidade da missão. Os efeitos especiais e o design de produção elevam a experiência, criando uma imersão digna dos melhores exemplares do sci-fi moderno.

Durante a jornada, Dek cruza o caminho de Thia (Elle Fanning), uma unidade sintética da Weyland-Yutani Corporation — conexão direta com o universo Alien. A presença da empresa reforça a continuidade do Predadorverso, unindo novamente os dois mundos, mesmo que de forma sutil. Juntos, Dek e Thia enfrentam o Kalisk, criatura quase mitológica que simboliza o ápice da caçada.

Predador: Terras Selvagens apresenta uma nova mitologia e a construção do herói

Terras Selvagens também se destaca por revelar aspectos da cultura Yautja, até então envolta em mistério. Costumes, rituais e hierarquias ganham espaço na narrativa, dando profundidade ao universo e enriquecendo a mitologia da franquia.

Mesmo com um enredo relativamente simples, a trama se desenvolve com ritmo consistente e traz uma construção de personagem cativante. Dek passa de jovem desacreditado a guerreiro determinado, em um arco de amadurecimento bem executado. A química com Thia, inesperada e sutil, adiciona camadas emocionais à jornada, criando empatia com o público.

Um novo caminho (e um novo fôlego) para a franquia

É fato: nem todos os fãs vão abraçar de imediato essa guinada na franquia. Mas negar a qualidade da produção e o potencial narrativo dessa nova abordagem seria injusto. Ao apostar na perspectiva do predador e explorar o desconhecido, Predador: Terras Selvagens oferece uma das experiências mais instigantes da série até hoje.

No fim, o filme entretém, emociona e ainda arranca boas risadas — sem jamais abandonar o senso de perigo e a adrenalina que marcaram o legado dos Yautja no cinema.

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Prepare-se: a noite no zoo nunca foi tão assustadora e divertida.

A invasão zumbi no zoológico

Tudo começa quando um fragmento de meteoro cai silenciosamente no zoológico durante a madrugada. Ninguém percebe o ocorrido, mas um coelho curioso encontra o objeto brilhante e, ao comê-lo, desencadeia a contaminação. É a primeira fagulha de um apocalipse animal.

A loba Gracie, única testemunha da queda, segue as pistas até encontrar um estranho casulo com brilho roxo pulsante. O objeto parece vivo e, ao reagir à sua presença, a persegue sem descanso. Na fuga, Gracie esbarra em Dan, um leão da montanha, mas ambos acabam sedados pela segurança do zoológico.

A partir daí, a tensão cresce: diferentes animais precisam unir forças para não virarem zumbis e resistirem à noite. Entre eles estão um avestruz atrapalhado, um macaco espirituoso, um lêmure, uma mini capivara e até uma filhote de hipopótamo pigmeu. A convivência forçada coloca à prova suas diferenças e os obriga a aprender a confiar uns nos outros.

Animais zumbificados: terror em versão “gelatina”

Um dos elementos mais criativos da animação está na forma como os animais zumbis foram retratados. Em vez de um visual grotesco, eles possuem uma constituição que lembra gelatina, permitindo que partes caídas de seus corpos sejam recolocadas como peças de um brinquedo. Essa escolha estilística deixa o terror mais leve, adequado ao público jovem, mas sem perder o impacto visual.

O design dos personagens também merece destaque. O macaco Felix e a hipopótamo pigmeu Poot chamam atenção tanto pela estética quanto pela movimentação divertida. Entre todos, a pequena Poot é a verdadeira estrela: sua inocência, energia e fofura a transformam na personagem mais carismática da história.

Dublagem, estilo e impacto final

A versão dublada de Zoopocalipse – Uma Aventura Animal se mostra envolvente, com sotaques e falas que funcionam muito bem em português. A animação, no geral, mantém uma boa qualidade técnica, equilibrando cenas de ação, humor e momentos mais sombrios sem destoar do tom proposto.

No fim, o longa entrega exatamente o que promete: uma aventura leve, engraçada e criativa que transforma o conceito clássico de zumbis em algo acessível para crianças e adolescentes. Mesmo com suas incoerências, consegue entreter e se destacar como uma opção divertida para assistir em família.

Já a animação em si, ficou bem feita e sem muita coisa que fique de fato destoante e que estrague a experiência. Diversas cenas de ação ou mais sombrias ficaram bem legais. O estilo visual dos animais está legal, com destaque para o macaco Felix e a hipopótamo Poot. A movimentação deles ficou legal e divertida.

Por fim, em questão da personalidade, falas e atitudes dos personagens, o grande destaque é sem dúvidas da pequena hipopótamo pigmeu. A soma da aparência, natureza curiosa, inocente, hiperativa e sincera dela fazem com que seja o animal mais fofo e adorável do filme!

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A Franquia

A trilogia Extermínio é composta por Extermínio (28 Days Later) (2002), Extermínio 2 (28 Weeks Later) (2007) e o recém-lançado Extermínio: A Evolução (2025). Tudo começa quando ativistas invadem um laboratório para libertar macacos de testes, ignorando o alerta de um cientista sobre a presença de um vírus altamente contagioso. O que se segue é uma infecção devastadora que atinge toda a Grã-Bretanha.

A infecção demora 28 dias para transformar os humanos em criaturas violentas, em um estado de fúria irracional. Inicialmente, áreas inteiras são isoladas. Mas 28 semanas depois, ao tentar repovoar Londres, a humanidade falha. Agora, 28 anos se passaram, e os sobreviventes de uma vila isolada voltam a se perguntar: o que restou do mundo lá fora?

Extermínio: A Evolução

Apesar de parte do continente ainda estar infestada por infectados, há sobreviventes vivendo em zonas abandonadas. Afinal, o tempo ensina como enfrentar ameaças. A história se passa em uma vila localizada em uma ilha, ligada ao continente apenas por um caminho que só aparece na maré baixa.

Spike é um jovem da vila prestes a passar pelo “rito de iniciação”, no qual deverá enfrentar seu primeiro infectado e aprender a sobreviver fora das barreiras. Acompanhado por seu pai, Jamie, os dois saem para essa missão que muda de tom rapidamente quando encontram um Alfa, um tipo de infectado mais forte e inteligente, capaz de liderar os demais. Conseguem retornar, mas algo mudou.

Isla, mãe de Spike, está doente, e sem médicos na vila, ninguém sabe como tratar sua condição. Aos poucos, Spike começa a questionar os segredos da vila e se vê forçado a tomar decisões extremas para tentar salvar sua mãe — e entender o que o mundo além da ilha esconde.

Análise do Extermínio: a Evolução

Visualmente, Extermínio: A Evolução é um espetáculo. As paisagens e a fotografia destacam o contraste entre o abandono e a beleza natural. A direção de Danny Boyle, que retorna à franquia após 23 anos, traz tensão e brutalidade nas doses certas. A sequência que envolve o local onde está o Doutor Kelson é um dos pontos mais impactantes e arrepiantes do filme.

Diferente dos anteriores, que focavam na ação e no colapso social, a narrativa agora privilegia as relações humanas. O perigo dos infectados permanece, mas o foco está no medo, nas perdas, na memória dos mortos e na dificuldade de proteger os vivos.

Essa mudança de abordagem dá nova vida à franquia. O roteiro questiona o que é manter a humanidade viva após décadas de isolamento. Spike e Doutor Kelson se destacam, com diálogos sobre vida e morte que entregam profundidade sem perder o ritmo. Até os momentos mais leves são bem encaixados e ajudam a criar camadas emocionais.

A trilha sonora merece menção à parte. A música conduz a narrativa com tensão, estranhamento e melancolia, fazendo lembrar do impacto sonoro que o primeiro Extermínio causou em sua época.

Extermínio: A Evolução surpreende com maturidade e humanidade. A franquia precisava de uma reinvenção após um segundo filme que perdeu impacto, e essa continuação consegue encontrar uma nova identidade sem perder a essência.

É brutal, emocional, sombrio e surpreendentemente íntimo. Uma ficção pós-apocalíptica com mais alma do que se esperava. Um novo fôlego para uma das franquias mais influentes do gênero.

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Curiosidades que valem o ingresso

• A franquia nasceu na série de livros de Cressida Cowell (2003–2015) e já vendeu mais de oito milhões de exemplares pelo mundo.
• Gerard Butler é um dos raros casos de ator que atravessa da voz para o papel físico, repetindo Stoico quinze anos depois.
• Julian Dennison (Deadpool 2) encarna o nerdíssimo Perna-de-Peixe, que continua tratando dragões como fichas de RPG.

A História

O conto original, como o próprio nome diz, é sobre como treinar dragões. Mas a animação e o novo filme Como Treinar o Seu Dragão mostram como caçadores de dragões passam a questionar tudo e aprendem, na verdade, como se relacionar com essas criaturas.

Outro ponto marcante é a mudança de Banguela. No livro, ele é um dragão pequeno e comum. Na animação e no filme, se torna um Fúria da Noite, o mais raro dos dragões, grande o suficiente para carregar dois humanos. O visual dele no live-action traz uma estética mais ameaçadora, realista e imponente.

Como Treinar o Seu Dragão (a trama)

Os vikings da vila de Berk vivem sob ataque constante de dragões, que roubam comida e animais. Soluço, filho de Stoico, deseja ajudar, mas é desajeitado e fisicamente frágil. Acaba atrapalhando mais do que ajudando. No entanto, em uma de suas trapalhadas, acerta um dragão, justamente um Fúria da Noite, criatura mítica que nunca havia sido vista.

Ninguém acredita nele. Mas ao encontrar o dragão, ele não o mata. Pelo contrário, decide libertá-lo e interagir com ele. Nasce aí a amizade com Banguela, e o início de uma nova visão sobre os dragões. Soluço descobre verdades que nenhum viking imaginava.

A Adaptação do Filme

O filme adapta tanto o livro quanto a animação, fazendo alterações visuais e de tom. Algumas mudanças funcionam melhor no cinema do que na animação. Os dragões têm um design mais bestial e detalhado, o que reforça a sensação de perigo e admiração.

Já os personagens também sofreram mudanças. Astrid e os gêmeos agora têm cabelos mais escuros. Cabeça-Quente aparece mais encorpada e com expressão menos caricata. Essas alterações visuais não afetam a trama e apenas marcam a diferença de linguagem entre animação e live-action.

No geral, o filme mantém a essência do conto da animação e é fiel ao enredo, personagens e principais eventos. As alterações não desvalorizam a experiência, que se mostra envolvente e divertida como o original. Os efeitos visuais dos dragões ficaram espetaculares. Apesar do tom mais sério, ainda há espaço para risadas e momentos leves.

Em conclusão, Como Treinar o Seu Dragão é uma adaptação cinematográfica envolvente e emocionante, capaz de encantar fãs antigos e novos públicos. Uma aventura épica que reafirma que, às vezes, a força mais poderosa não é o combate. É o afeto.

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A História

A premissa é relativamente simples: uma pessoa fica presa em um carro estranho e precisa achar um meio de sair de lá. Porém, há alguns problemas e detalhes: o carro é blindado e vidros extremamente resistentes. Ou seja, não há como quebrar os vidros para sair, nem arrombar as portas. Além de que não há sinal de celular lá dentro. Então, como sair de um lugar desse?

Eddie Barrish (Bill Skarsgård) é um rapaz desesperado por dinheiro para poder consertar sua Van para poder trabalhar com entregas. Como não consegue ninguém que empreste o valor que precisa para fazer isso, acaba recorrendo à tentar roubar para conseguir esse dinheiro. Assim, começa a procurar carros para poder pegar objetos de valor de dentro ou levar o próprio carro. Surpreendentemente, acha um carro luxuoso parado em um estacionamento público e que está destrancado. Entra no carro para ver o que consegue, mas se vê preso lá dentro.

Confinado é um suspense psicológico restrito

A partir desse momento, Eddie percebe que caiu em uma armadilha e não tem como sair. Sem ter como se comunicar com ninguém, em um carro blindado e isolamento acústico e visual para fora. O que fazer? E para piorar mais: sem água ou comida. Como se não bastasse isso, alguém começa a se comunicar com ele através do sistema do carro, alegando ser o dono do carro – William (Anthony Hopkins). Todavia, começa a torturar fisicamente e psicologicamente Eddie.

O filme quase inteiro se passa dentro do carro, com as interações entre Eddie e William. Por esses dois aspectos, que Confinado é um suspense psicológico restrito, tanto no sentido de local, espaço, quando de pessoas e de interação. Afinal, a história se resume na conversa entre os dois.

Considerações

O filme resolve tomar uma direção interessante, explorando um suspense psicológico através do confinamento em um carro. Geralmente vemos esse tipo de premissa em outros veículos ou locais maiores, dando mais espaço para interação com o cenário. Porém, neste caso, o que se pode fazer dentro de um carro é extremamente limitado.

Por um lado, isso amplifica a questão da tortura psicológica, o que é um ponto positivo para o filme, mas por outro, acaba gerando alguns problemas na narrativa. Como por exemplo, ele ficar trancado no carro por vários dias. No começo só mostrou ele com fome e sede, mas nada de suas necessidades básicas. Somente no segundo ou terceiro dia que mostraram ele precisando urinar. Mas em nenhum momento em 5 dias ou mais, sequer mencionaram ele precisar ou ter evacuado (defecar). E como foi relevante na história a questão de urinar e sede, a omissão da outra necessidade, foi um ponto bem negativo, acaba ficando estranho simplesmente ignorarem isso.

Imagine ter que fazer dentro do carro e ter que ficar confinado lá dentro com isso por dias, o cheiro que ficaria lá dentro seria insuportável. Mas simplesmente não aconteceu. Faz com que a situação acaba parecendo meio artificial.

Já as reações e falas do Eddie ficaram boas na maior parte do tempo, mas considerando que ele está preso e a mercê de outra pessoal, deveria ter se controlado um pouco mais no que fala e como reage. Outro ponto é o celular dele, pois de tempos em tempo ele mexe no celular, apesar de não ter sinal para poder falar com ninguém do lado de fora. Mas o celular mantém a bateria por quase uma semana? Não foi mostrado que ele conseguia carregar, então ficou estranho também. Ele tinha uma mochila com ele, e lá dentro poderia ter um carregador, mas não é nem mencionado isso.

No geral, o filme é ok, mas esses detalhes acabam comprometendo a imersão na história. Entrega o que promete como um todo, mas deixa a desejar.

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Nathan Caine: Um Homem Que Não Sente Dor

A trama acompanha Nathan Caine (Jack Quaid), um homem que sofre de analgesia congênita, uma rara condição que o torna incapaz de sentir dor. Embora isso pareça uma vantagem em uma luta, a realidade é bem diferente: ele ainda se machuca como qualquer um, mas sem perceber os danos, corre o risco de morrer sem nem notar.

Para sobreviver, Nathan adota uma vida cheia de precauções: evita riscos, não come alimentos sólidos para não mastigar a própria língua e toma cuidado extremo com qualquer machucado. Pessoas com essa condição normalmente têm uma expectativa de vida curta, já que pequenas lesões podem se tornar fatais sem tratamento adequado. O medo constante de morrer transforma sua condição em um verdadeiro fardo.

Uma Perseguição Frenética e Sangrenta

Nathan trabalha como gerente assistente em um banco e, quando conhece Sherry (Amber Midthunder), sua nova colega, sente que sua vida finalmente pode mudar. Mas tudo desmorona quando, logo após o primeiro encontro dos dois, o banco é assaltado e Sherry é levada como refém.

Desesperado, Nathan decide ir atrás dos sequestradores, mas sem qualquer tipo de treinamento, arma ou preparo. O que ele tem? A determinação de resgatar Sherry e a incapacidade de sentir dor, que, ironicamente, se torna sua maior vantagem.

Ao longo do filme, Nathan apanha, leva tiros, se corta, se queima e é jogado pelos ares inúmeras vezes, mas continua sua busca sem hesitação. Seu corpo pode estar em frangalhos, mas sua vontade de salvar Sherry não o deixa parar.

Novovaine É Um Filme Que Abusa do Limite do Corpo Humano

A proposta de Novocaine: À Prova de Dor é explorar ao máximo as situações extremas que Nathan pode suportar sem sentir dor. E o filme entrega isso com maestria, equilibrando ação, suspense e humor ácido de maneira divertida e inesperada.

A única ressalva é que, em certo momento, o nível de sofrimento do protagonista se torna tão absurdo que é difícil acreditar que ele ainda esteja vivo. A quantidade de hematomas, fraturas e feridas pode exigir uma suspensão de descrença maior do que o normal, mas, com exceção de uma cena um pouco exagerada, o longa consegue manter um tom coerente dentro da proposta.

Destaques do Filme

Além de Jack Quaid, que entrega um desempenho convincente como um homem comum jogado em uma situação extrema, o filme se beneficia da dinâmica entre Nathan e Roscoe (Jacob Batalon). A química entre os dois personagens rende momentos engraçados e interações bem construídas.

Visualmente, o longa acerta ao criar cenas de impacto bem coreografadas, com cada ferimento e cada colisão sendo retratados com detalhes que reforçam o absurdo da situação.

Veredito Final

Novocaine: À Prova de Dor pode não ter uma trama revolucionária, mas entrega ação e diversão na medida certa. Com uma ideia criativa e um tom de humor sombrio bem dosado, é um daqueles filmes que surpreendem e garantem uma ótima experiência – desde que você esteja pronto para ver o protagonista ser moído sem dó.

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