A única obrigação do casal é salvar a neném.

Andy está correndo contra o tempo pois sua mulher foi mordida por um dos andarilhos (zumbis, mas que nunca são tratados assim). Será que ela se transformaria em um deles? Quantas horas Kay tinha? Como cuidar de uma bebê em um apocalipse? Essas e mais perguntas começam a aparecer e ele não se entrega ao inevitável: tenta salvá-la até o fim.

São essas confusões no emocional das personagens que fica evidente em Cargo, filme original da Netflix. O longa não foca no que está acontecendo no exterior e, sim, no interior de cada figura que se desenvolve ao decorrer da história. Desde o casal apaixonado pela filha, da menina apegada pelo pai, do ‘babaca‘,  da mulher inocente que todos se encantam, até o grupo que estão exterminado zumbis: são construídos vários esteriótipos.

Quando Kay se transforma, Andy é mordido e tem 48 horas – segundo um relógio que vem no kit de sobrevivência – para achar um lugar para a sua filhinha. Durante essa trajetória, Thoomi (Simone Landers), garota do povo aborígene, está tentando proteger o seu pai infectado. Ela o alimenta e o protege da sua comunidade, pois eles estão livrando as “pessoas sem alma” do sofrimento.  Os caminhos dos protagonistas se cruzam e a história ganha um novo rumo.

Então, Cargo é sobre zumbis?

Não. Por mais que o tema central da trama se desenvolva por causa do apocalipse, Cargo é sobre humanidade. O filme trata de temas como proteção e empatia com o outro. Também, é moralizante ao ponto de mostrar como ter uma família é crucial em momentos de confusão.

Cargo se destaca das outras franquias de Zumbi por mostrar um lado que não é explorado com frequência. Por mais que exista essas relações nos outros filmes, a vantagem do longa original da Netflix é ter apenas um foco. As personagens são naturais – tanto que eles não usam nem a denominação “zumbi” – e, como descrito anteriormente, esteriótipos de um apocalipse.

Por outro lado, o longa aborda tanto a família que, quando o espectador se apaixona pelo núcleo central do filme (Andy, Thoomi e Rosie) ele é quebrado. Falta desenvolvimento desse trio, assim como outras relações podem ser consideradas irrelevantes para trama. O tempo é inimigo da direção de Cargo.

Cargo é um filme lento que se aproxima tanto do drama pessoal de cada um que se faz necessário. Os quadros são bem trabalhados e as personagens cativam o espectador. Talvez não supere algumas produções aterrorizantes de zumbis anteriores, simplesmente por que foge da pauta. Espere mais um drama familiar do que sangue e terror. Acredite: é diferente. De um bom jeito.

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São essas aventuras que os fãs da saga estavam esperando para ver e, por isso, o Novo Nerd não poderia ficar de fora e prestar uma homenagem para o primeiro e único Han Solo. Continue lendo e descubra sete curiosidades que você não sabia sobre a vida do herói.

Viajar pelo hiperespaço não é igual passear pelo parquinho não, garoto. – Han Solo

1. Originalmente, Han Solo foi pensado como um Jedi

Na arte original de Star Wars, Han Solo foi desenhado como um Jedi alienígena de pele verde. Porém, antes da produção de “Uma Nova Esperança“, George Lucas fez várias mudanças de personagens. Ele decidiu que os sabres de luz seriam raridade no universo Jedi e, portanto, Han usaria um blaster.

2. Harrison Ford não foi o único ator a ser cotado para o papel

Muitas estrelas fizeram o teste para dar vida ao Han Solo, como Al Pacino (conhecido por O Poderoso Chefão), Kurt Russell (estrela da Disney), o grande Sylvester Stallone (Rocky) e Robert Englund (Freddy Krueger). No final, George Lucas sentiu que apenas Harrison Ford tinha conseguido incorporar a personagem que o criador tinha em mente.

3. A personalidade de Solo foi baseada em um famoso diretor

George Lucas, ao idealizar Han Solo, queria fazer ele como um herói diferente. Mesmo sendo sarcástico e egoísta, ele salvaria os seus amigos de qualquer emboscada. Lucas, ao trabalhar junto com o diretor Francis Ford Coppola – que dirigiu Appocalypse Now e a trilogia O Poderoso Chefão – notou alguma dessas características no diretor e espelhou esses traços no personagem.

4. Han salvou Chewbacca da escravidão

Chewie e outros Wookies foram escravizados pelo Império. Han Solo, nessa época, era tenente da Marinha Imperial, e percebeu a verdadeira natureza do governo e decidiu ajudar os Wookies a escapar. Durante esse processo, Chewbacca prometeu a sua vida para Solo por estar livre. Uma amizade invejável, não?!

5. Han e Leia se casaram em Endor

Depois da queda do Império e da Batalha de Endor, o casal se casou na floresta de Endor, em uma cerimônia privada. Há rumores que o final do filme, na verdade, terminou com o casamento deles e não com uma celebração da vitória. Leia, em Aftermath: Life Debt, fala sobre o casamento: “Nós tivemos uma pequena cerimônia apenas para quem confiamos. Não mantivemos segredo, mas também não tornamos público.”

6. A Millennium Falcom nem sempre foi dele 

O dono original da nave foi Lando Calrissian, “amigo” de Han. Ele conseguiu a nave por meio do jogo de Satacc – o equivalente ao poker de Star Wars -. Han Solo conseguiu a nave, depois, durante um incidente mencionado por Han em O Império Contra-Ataca. Os fãs estão esperando para ver essa troca nas telinhas em 2018.

7. Han Solo nem sempre foi um Rebelde

Han Solo era um Oficial da Marinha Imperial bem antes de se juntar à Rebelião. Ele se juntou ao Império como um piloto recruta, aperfeiçoou suas habilidades de voo, e subiu para o patamar de tenente. Ele desistiu do Império para salvar os Wookies (e o seu futuro parceiro, Chewbacca) da escravidão.

Ficou ansioso para conferir essas histórias na telinha? Solo estréia amanhã!

> As referências foram baseadas em um post feito pelo site ScreenRant.

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Os novos episódios deliciam aqueles que buscam se divertir com a desgraça dos órfãos Baudelaire que perderam os pais em um incêndio, provocado pelo ator de teatro (e vilão) Conde Olaf (Neil Patrick Harris). Se você não é esse tipo de pessoa, “desvie o olhar”, pois as aventuras dos irmãos estão ficando cada vez mais arrepiantes.

Desventuras em Série é a história de Violet (Malina Weissman), Klaus (Louis Hynes) e Sunny Baudelaire (Presley Smith) e conta com 13 livros. A adaptação para a Netflix divide a saga em três temporadas e 26 episódios – sendo, a cada dois episódios, um livro. A série retornou dia 30 de Março de 2018 com a segunda temporada.

Foram introduzidos na trama novas personagens, como a adorável Carmelita Spats (Kitana Turnbull) e os trigêmeos Isadora (Avi Lake) e Duncan Quagmire (Dylan Kingwell) – Quigley, o terceiro irmão, morreu num incêndio. Sem dúvida alguma, a série conta com um dos melhores elencos infantis vistos na televisão. Os veteranos, também, estão mais profundos. A segunda temporada não fica presa tanto na apresentação de personagens e, sim, na construção deles.

A série continua com o mesmo visual da primeira e elas, esteticamente, são parecidas. Os cenários e figurinos permanecem extremamente exagerados, assim como as personalidades do Conde Olaf – que, agora, não é o único que se disfarça. Os elementos teatrais são ainda mais intensos, com diversas referências aos musicais e ao sapateado. Toda a composição estética, por causa do excesso, leva o espectador a uma realidade desconexa e distante da nossa.

Neil Patrick Harris mostra, ainda mais, todos os méritos por estar interpretando Conde Olaf. Nessa nova temporada, as comparações com o ator Jim Carrey (que interpretou o mesmo papel no filme de 2004) são insuficientes. O Olaf da série é mais intenso, assustador e irônico.

Apesar do desnecessário cliffhanger do último episódio, a segunda temporada envolve mais do que a anterior e amarra as pontas soltas. Mesmo assim, mais segredos são adicionados e deixados para a terceira temporada. É perceptível que o roteiro está caminhando para a conclusão, mas as desventuras dos órfãos Baudelaire não deixam de ser deliciosas e cativantes. Agora, é só esperar pela próxima.

SPOILER: Os Baudelaire não se dão bem!

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Ella & John é mais que um  clichê sobre  amor. O longa mostra como esse sentimento pode superar barreiras, e extinguí-las. Gradativamente, é revelado ao espectador que o casal está doente; mas, a doença nunca é tratada como grande empecilho, apenas como o motivador para as ações. John esquece até mesmo de seu autor favorito, Ernest Hemingway, e Ella precisa esconder atrás de uma peruca a sua queda de cabelo.

Sabe o que eu mais amo em você? Os seus silêncios não são constrangedores – Ella, para John

Baseado no romance de Michael Zadoorian, temos, em nossas mãos uma história simples, e é nela que as emoções começam a aparecer. Todos nós poderíamos ser Ellas & Johns em algum momento de nossa vida.

O longa ganha forças pela forma como Ella trata a situação de John. É a mulher que  organiza a viagem e retrata fotos antigas para o seu amado em um projetor, em cada parada feita. Não podemos, também, tirar o mérito da atriz Helen Mirren por dar um lado humano, mesmo um pouco dramático, para a personagem. As atuações de ambos são impecáveis. 

Como se não bastassem os atores realmente darem vida a um agradável casal de velhinhos, a fotografia é uma obra de arte paralela ao filme. A essência da road trip do casal é captada, além das belas paisagens das extensas estradas pelos EUA. A escala cromática, porém, se mantém no cinza.

Ella & John fala sobre homossexualidade, abandono, traição e outros assuntos, com a maior delicadeza que eles poderiam aparecer. E, ao trazer tais temas conversado por pessoas da terceira idade, o espectador vê outra perspectiva, diferente do que está acostumado em Hollywood. 

Não se engane: você não terá pena de Ella e John. O aspecto dramático é misturado com cenas cômicas e românticas. Vá ao cinema de coração aberto para se divertir nessa road trip até a casa de Ernest Hemingway, na Flórida.

Ella & John estréia no dia 5 de abril, exclusivamente no Espaço Itaú de Cinema, nas cidades de São Paulo, Rio de Janeiro, Porto Alegre e Brasília.

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“Se não for muito inoportuno, eu gostaria de pedir para que cada mulher, atriz, produtora, diretora se levante. Meryl, se você fizer isso, todas farão”, disse Frances McDormand, ganhadora da estatueta de melhor atriz. E assim Meryl Streep se levantou, junto as outras mulheres indicadas às categorias do 90* Oscars. Apenas onze moças.

Entre elas, Meryl Streep, Greta Gerwig, Sally Hawkins e Saoirse Ronan.

Quem já ouviu falar sobre Alice Guy e Lois Weber? Mulheres que marcaram a história do cinema. A primeira, “apenas” dirigiu o primeiro filme falado. A segunda, produziu o primeiro filme colorido. E elas foram esquecidas. 

Cinema é sobre representação. O olhar crítico da sociedade em relação a algum tema, por mais fantasiosa que seja a realidade criada dentro dele. Cinema deveria ser sobre representação. Aí vem as controvérsias: por mais que façam filmes sobre mulheres e com protagonistas femininos (vide Mulher Maravilha), a indústria cinematográfica anda em uma espiral constante. Uma hora, volta de novo.

Antes, produziam-se filmes para atingir o público alvo consumidor, os homens. Hoje em dia, segundo dados da Motion Pictures Association of America, mais da metade do público é feminino, sendo ele 51% nas bilheterias dos Estados Unidos. E, afinal, onde estão os filmes dirigidos, produzidos e estrelados por nós, mulheres?

Esses filmes existem. Eles estão nos sonhos e nos papéis de toda garotinha que cresce vendo a Marvel lançar o seu próximo filme de super-herói – masculino. E são essas garotas que se perguntam “por que eu não posso salvar o mundo também?”. Elas salvam, em seus pensamentos. Mas ninguém as incentiva para continuar produzindo. 

Os filmes morrem ainda nos rascunhos.

É um fato que a sociedade continua machista. Por isso movimentos como o feminismo são necessários para lutar com a gente. Por nós, mulheres. E, se lutarmos juntas, os filmes vão sair dos cadernos e tomar vida.

“Olhem à volta, olhem, senhoras e senhores. Todas nós temos histórias para contar e projetos que precisamos que sejam financiados. Gostaria de pedir a todas as pessoas da indústria que falassem connosco. Não nas festas que hoje se seguem, mas que daqui a uns dias nos telefonassem e nos recebessem nos vossos escritórios, ou nos nossos, como preferirem, para falarmos sobre esses projetos”, completou Frances McDormand, em seu discurso. 

Em uma pesquisa feita pelo site Polygraph, foram analisados 2 mil filmes Hollywoodianos. Entre eles, 307 contam com 90% ou mais das falas sendo masculinas. Em outros 1206 o espaço para os homens predomina, variando entre 60% e 90%. A igualdade ocorre em apenas 314. As mulheres têm mais falas em apenas 173 filmes.

A pesquisa, também, mostra que ainda existem mais homens trabalhando na indústria cinematográfica. Um dos grandes motivos é a rentabilidade dos filmes dirigidos e escritos por alguém do sexo masculino. Ser homem faz mais sucesso?

Diferença entre lucro dos filmes dirigidos/escritos por homens e mulheres.

NÃO. Sempre quando um papel é liderado por uma mulher forte, há repercussão mundial. E é essa repercussão que não pode acabar no dia seguinte. Quanto mais falarmos e assistirmos mulheres no cinema, em casa, na televisão, no Youtube ou na Netflix, mais a indústria vai perceber que temos o nosso lugar. 

Nós cansamos de ser as namoradinhas que suprem necessidades masculinas. Seremos super-heroínas, gângsters, donas de empresas, chefes, executivas, jornalistas, médicas, esportistas, cantoras. Seremos o que quiser. Seremos mulheres.

Apenas 11 mulheres foram indicadas pela academia em 2018. Entre elas, a quinta diretora indicada na história do Oscar, Greta Gerwig, não levou o prêmio para casa. 

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No episódio, o programa é um pouco mais radical: ele escolhe, ainda, com quem e em que lugar as duas pessoas vão se encontrar. Alguns ficam anos juntos. Outros, algumas horas. E, no final, você encontra “a pessoa ideal”. 

Porém, Black Mirror sempre foi sobre tecnologias que, teoricamente, estão em um futuro distante da nossa realidade. Com o lançamento do app, me questiono se elas estão realmente tão longe assim.

Como na série, o “Coach” só funciona se as duas pessoas concordarem em ver a validade do relacionamento. E mais! Se alguém do casal não concordar em ver de última hora, a data de expiração começa a entrar em uma contagem regressiva. Assustador, não?

A ideia principal do aplicativo é tornar real as invenções que o público vê na série. É um pouco engraçado e dá pra simular várias vezes – e com diferentes pessoas.

Atenção: não acredite tanto no seu “Coach”.

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E, então, chega às telinhas Pantera Negra, com direção de Ryan Coogler.

T’Challa (Chadwick Boseman) volta para Wakanda, sua terra natal, para assumir a liderança após a morte de seu pai e antigo rei da nação africana. Seus valores de união e respeito pela cultura do país são questionados com o aparecimento do vilão da trama. 

Wakanda, apesar de ser a nação mais avançada tecnologicamente do mundo, adota uma política isolacionista como uma forma de proteção aos rumos que a humanidade tomará se descobrir a sua maior fonte de riqueza, o Vibranium. Porém, as idéias antigas já não cabem mais dentro da cabeça das novas gerações, que querem usar tal tecnologia para ajudar o restante do mundo. 

Pantera Negra é mais do que um filme de super-heróis: ele traz em sua base questões políticas fortemente embasadas, com motivações tanto para o bem quanto para o mal. Até mesmo os motivos do vilão Killmonger (Michael B. Jordan) fazem sentido em um contexto amplo – porém, nesse caso, ele escolhe meios errados para obter o fim (um pouco maquiavélico, não?). 

O longa fortalece a cultura negra, contando com mais da metade do elenco protagonista composto por atores afrodescendentes. Também, elementos como a trilha sonora – uma mistura de músicas nativas com hip-hop – são peças chaves para tal fortalecimento.

Os elementos culturais foram um acerto, pois, apesar de existirem personagens negros no Universo Marvel, nenhum foi tão forte quanto o Pantera Negra e o elenco de Wakanda (arrisco dizer que, dentre os Blockbusters, a cultura negra se destaca mais no filme Pantera Negra).

Ainda há a presença forte de personagens femininas, com realce para Danai Gurira, como Okoye, e Lupita Nyong’o, como Nakia, as duas principais Dora Milaje de Wakanda. 

Com 100% de aprovação no Rotten Tomatoes, Pantera Negra é memorável. O longa, apesar de continuar dentro do universo Marvel, tem um cunho político certeiro, com polêmicas que faltavam nos filmes anteriores do estúdio.

Pantera Negra estréia dia 15 de Fevereiro em todo o Brasil.

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Quando a Netflix comprou os direitos de Black Mirror, já tinha em mente o poder que a série tinha para viralizar e se tornar um fenômeno mundial. E não foi diferente. Em 2015, chegou ao catálogo do streaming duas temporadas – com três episódios cada – e, logo, o mundo era muito “black mirror”.

A proposta da série, originalmente, foi fazer uma crítica sobre à tecnologia e mostrar os males que ela poderia causar no ser humano. Uma espécie de alerta para o rumo que estamos tomando com as novas invenções. Com um tom pessimista, Black Mirror agradou fãs do mundo todo e não existia uma roda de bar que não se falasse sobre esses possíveis caminhos.

Black Mirror não era só sobre a tecnologia e, sim, sobre o ser humano e até que ponto a nossa mente pode chegar. Charlie Brooker, criador das primeiras histórias, merece toda a fama de uma das melhores séries produzidas nos anos 2000.

O que o público não esperava era uma temporada ruim.

Ela é parecida com as temporadas anteriores: um número reduzido de episódios de curta-metragem. Porém, sem as mãos pioneiras na série, a quarta temporada caiu na mesmice e na superficialidade dos temas tecnológicos. Salvo exceções, que citarei a seguir, o foco de cada episódio parece já ter sido visto – como Hang the DJ ser a tentativa falha do novo San Junipero.

O primeiro episódio leva a série nas costas. USS Callister é o que tem de mais diferente em comparação às temporadas passadas da série. Arkangel, que vem em seguida, falha por não ter a tecnologia como o tema principal. E os episódios vão ficando cada vez mais distantes dos passados, de uma maneira negativa. Black Museum, pelo menos, fecha a série de uma maneira quase digna.

Essa foi a primeira temporada com diversos diretores (cada episódio, um) e a experiência não pareceu boa. A ausência de fundamentação é o que mais me intriga dentro da quarta temporada. Aquela sensação de alívio ao final do episódio, pelo esclarecimento da ideia principal, não existe – a exemplo de Metalhead, um episódio inteiramente em preto e branco sem nenhum personagem cativante e abordagem explícita.

Black Mirror continua sendo “black mirror”, mas só um pouco mais cansativo do que presenciou-se no passado. As reflexões ainda existem no final da temporada e, em geral, ela é aceitável. O único porém é: os erros gritam mais do que nunca!

Confira, a seguir, a sinopse de cada episódio da quarta temporada de Black Mirror.

S04EP01 – USS Callister

O Capitão Daily comanda a sua nave especial com coragem e sabedoria. Mas uma nova recruta está prestes a descobrir que as coisas não são exatamente o que parecem.

S04EP02 – Arkangel

Neste episódio, preocupada com a segurança da filha, Marie recorre a um dispositivo de última geração para monitorar sua localização – e muitas outras coisas.

S04EP03 – Crocodile

Em um mundo onde memórias alheias podem ser acessadas, uma arquiteta luta para guarda um terrível segredo e uma investigadora de segurança apura um acidente.

S04EP04 – Hang the DJ

Este aplicativo não só une casais como prevê a data de validade da relação. Unidos pelo sistema, Frank e Anny decidem questionar a sua lógica.

S04EP05 – Metalhead

À procura de suprimentos em uma terra devastada, eles encontram um inimigo implacável. Agora, a única saída é fugir.

S04EP06 – Black Museum 

Numa estrada deserta, uma viajante se depara com um museu. Na coleção, objetos raros do mundo do crime – e uma chocante atração principal.

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Formato: 19 x 29 cm

Número de páginas: 64

Editora: Instituto HQ

Preço de capa: R$ 40,00

Capa da HQ “A Terrível Elizabeth Dumn Contra os Diabos de Terno”

Escrita por Arabson Assis, a história de Elizabeth Dumn é de acender a curiosidade do leitor pela sua atmosfera singular, que prende a atenção desde a ilustração da capa.

Sabe aquela dívida pendente que ambas partes fingem que esqueceram? Pois bem, no caso do pai de Elizabeth, não foi assim. Vinte anos após o pacto com o diabo (literalmente, rs) o então pastor evangélico é cobrado e oferece uma proposta de troca para pagar a tal dívida, envolvendo a filha mais nova, Elizabeth Dumn.

Porém, seu pai não esperava encontrar em Elizabeth as habilidades adquiridas por ela durante dez anos presa em um internato. Ao retornar para casa, a adolescente mostra que não poupará esforços para mandar o nada bem-vindo visitante para o lugar de onde veio.

PONTOS POSITIVOS

“A Terrível Elizabeth Dumn Contra os Diabos de Terno” é uma história curta e bem resolvida. Em 64 páginas, o autor Arabson Assis consegue trazer boas expressões faciais, caracterizando bem as personagens. A atenção do leitor é voltada para a HQ desde a capa, principalmente pelo tom forte de rosa usado – e, desde então, mostra a força que a adolescente Elizabeth Dumn terá durante as páginas que virão.

PONTOS NEGATIVOS

Apesar de ter um bom ritmo, fica um gosto de quero mais quando a HQ acaba. A história, em si, não é profunda, mas teria potencial para ser por que todas as personagens são diferentes e pouco exploradas pelo autor. Cabe ao leitor uma análise depois da leitura. (poxa, Arabson, queremos saber de onde veio essa garota tão peculiar!)

SOBRE O “INSTITUTO HQ”

Misto de Escola, Estúdio e Editora, o Instituto HQ agencia quadrinistas já consolidados no mercado, permitindo que eles estejam trabalhando para as principais editoras no Brasil e no exterior, entre elas Marvel, DC Comics e Titan; oferece cursos em diversas áreas àqueles que estão dando os primeiros passos e encaminha artistas que querem se aprimorar. Além disso, como editora, publica quadrinhos de seus alunos, professores e agenciados, com destaque para títulos como “Pátria Armada”, “Solstice Ville”, “Nikkei”, “Syam”, “Tianinha” e o próprio “Elizabeth Dumn”. 

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