No entanto, basta olhar com um pouco mais de atenção para perceber que isso não é exatamente verdade nem nos Estados Unidos. Muito menos quando deslocamos esse tipo de narrativa para realidades como a da União Soviética, onde as regras do jogo e o poder operam sob outra lógica. 

Dois Procuradores, que chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira, dia 05 de fevereiro, nos mostra como a corrupção estava encravada no sistema soviético. Ao fazer disso o centro da sua narrativa, acabou chamando a atenção no circuito internacional. O filme teve uma trajetória de destaque em festivais. Concorreu à Palma de Ouro em Cannes no ano passado e também passou pelo Festival de Toronto e pelo Festival do Rio. 

A sinopse

Em 1937, durante os Grandes Expurgos de Stalin, período marcado por prisões em massa, perseguições políticas e eliminação de supostos inimigos do Estado, destruíam-se cartas de prisioneiros implorando por inocência nas prisões soviéticas. É nesse contexto que uma dessas cartas, enviada por um membro do partido injustamente preso, chega às mãos de um jovem e idealista promotor. Ao tentar reabrir o caso, ele se depara com o medo, o silêncio e a burocracia de um sistema desenhado para deixar as coisas como estão. 

Inspirado em fatos

Escrito, produzido e dirigido por Sergey Loznitsa, Dois Procuradores é baseado em um livro do físico e engenheiro Georgy Demidov, que viveu pessoalmente a repressão soviética. Preso durante uma campanha contra os chamados inimigos do povo, Demidov passou catorze anos no sistema de campos de trabalho forçado. Essa experiência que dá peso e autenticidade ao que o filme coloca em cena. 

Dessa forma, Dois Procuradores se constrói como um filme profundamente opressor. Parece não haver liberdade para nenhum dos lados, nem mesmo a liberdade de ajudar uma colega a recolher algumas folhas que caíram no chão. Há muita tensão nas conversas, como se algo pudesse dar errado ao menor sinal de uma vírgula fora do lugar.

E tecnicamente?

Tecnicamente, o longa ainda reforça essa sensação de sufocamento com uma paleta de cores dessaturada, quase próxima do cinza, e com o uso da proporção claustrofóbica de tela 4:3. Ao mesmo tempo, é um filme belissimamente bem filmado. Sua Mise En Scène é muito bem estruturada, que organiza os cenários e o design de produção de maneira precisa e coerente com essa atmosfera arbitrária. 

Mesmo elegante, Dois Procuradores adota um ritmo que passa sem pressa, algo que pode incomodar alguns espectadores. Ainda assim, essa escolha parece existir justamente para que se sinta como seria estar preso àquele espaço e àquele tempo. Por exemplo, o procurador espera por um encontro com o diretor da prisão durante muito tempo. A proposta da produção é que o espectador espere junto com ele, enquanto vai sendo conduzido a conhecer melhor aquele ambiente inóspito. 

Dois Procuradores Vale a pipoca?

No fim, Dois Procuradores se mostra uma obra que soube transmitir com precisão a ideia da burocracia na tela. Não é apenas um conjunto de regras, mas uma forma de violência institucional e de sistema opressivo. Tudo ali, dos espaços ao ritmo, dos silêncios aos procedimentos, reforça como esse mecanismo é capaz de dominar, confundir e, sobretudo, desumanizar as pessoas. Isso acaba por transformar a busca por justiça em um caminho quase impossível dentro de um sistema feito para se manter intacto.

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A sinopse

Ancorado em uma atuação delicada e fascinante de Denise Fraga, Livros Restantes nos apresenta a Ana Catarina. Ela é uma mulher com mais de 50 anos que viveu praticamente toda sua vida em Barra da Lagoa, uma pequena comunidade pesqueira em Florianópolis. Ali vive com sua família: a mãe Antônia (Vanderléia Will), o irmão Sérgio (Renato Turnes), o ex-marido Carlos Henrique (Augusto Madeira) e a filha Sofia (Manuela Campagna). Só que Ana Catarina está a um mês de uma mudança definitiva para Portugal.

Nos dias que antecedem esta partida, Ana precisa se desapegar de seus últimos bens: cinco livros permanecerem na estante, carregados de dedicatórias e lembranças. É a partir deste momento que vem a decisão de devolvê-los a quem a presenteou.

A importância das dedicatórias

Assim, Livros Restantes segue o seu percurso a partir desses reencontros, que nunca são simples ou neutros. Cada devolução carrega uma reação diferente: há quem não queira aquele tempo de volta, quem deseje revivê-lo e quem o queira, mas de uma maneira torta, mal resolvida. Assim, ele se afirma então como um filme sobre memórias, não apenas as que aquecem, mas também as que pesam.

As dedicatórias transformam cada livro em algo que vai além do objeto: eles passam a representar momentos específicos da vida da nossa protagonista. Ao revisitar essas pessoas, os encontros despertam lembranças profundas e a obrigam a olhar para o próprio passado, para só então conseguir seguir em frente. 

O roteiro é construído com cuidado, revelando quem foi Ana Catarina através dessas relações: aprendemos sobre seus romances, seu casamento, suas amizades e, aos poucos, sobre os vínculos familiares que ajudaram a moldar quem ela é agora. 

Uma ótima safra sobre Etarismo

É também impossível ignorar como Livros Restantes se insere em uma safra recente e bem-vinda de filmes com protagonistas mulheres acima dos 50 anos. O longa oferece um olhar sensível e íntimo sobre uma fase da vida em que muitas mulheres deixam de ser enxergadas pela sociedade.

Em entrevistas, Denise Fraga comentou que podemos ser o que quisermos, mas que isso exige um ato de coragem. Essa é a ideia que atravessa o filme de forma muito clara. Porque envelhecer não significa estagnação. Não é por estarmos velhos que deixamos de buscar mudanças, e Livros Restantes se constrói justamente a partir dessa necessidade de movimento, mesmo quando ele dói ou assusta.

O feminino em Livros Restantes

Embora Livros Restantes tenha uma temática claramente feminina, isso não significa que seja um filme direcionado apenas às mulheres. Pelo contrário: o longa levanta pontos de discussão bastante atuais e universais. Aponta o assédio e o lugar da mulher na sociedade, ampliando o diálogo para além da experiência individual de sua protagonista.

Essa perspectiva ganha ainda mais força quando observamos quem está por trás das câmeras. A maior parte da equipe técnica é composta por mulheres. Além da diretora Márcia Paraíso, que também assina o roteiro a partir de um sonho que teve, o filme conta com a diretora de fotografia Kike Kreuger (responsável por uma entrega belíssima aliás), a montadora Nara Hailer, a diretora de arte Cleo Rosa e tantas outras mulheres, inclusive na gravação das canções que atravessam a narrativa. 

Elenco afinadíssimo e com propósito

O elenco de Livros Restantes merece elogios pelo alto grau de naturalidade presente nos diálogos, que soam orgânicos e próximos da vida real. No centro de tudo está Denise Fraga, em uma atuação digna de prêmios. Sua construção se dá mais pelo que não é dito do que pelas falas em si. Seu trabalho é marcado por olhares carregados de significado, pelos silêncios e pela maneira como consegue expressar o desconforto constante de sua personagem diante das situações que enfrenta.

É uma performance sensível e profundamente empática, que aproxima o espectador de Ana Catarina. Até mesmo o sotaque da cultura manezinha é incorporado com cuidado e precisão por Denise, que é carioca. Isso reforça a autenticidade da personagem e sua ligação com aquele território e suas memórias. 

Ainda sobre o elenco, é importante ressaltar alguns personagens contam com subtramas, não funcionando apenas como muleta para a trajetória da protagonista. Há um cuidado evidente do roteiro em oferecer a esse pano de fundo dramático espaço e densidade suficientes para que os atores trabalhem seus personagens com verdade e complexidade.

A riqueza dos livros e da arte

Nesse contexto do roteiro, Livros Restantes também fala, de maneira muito clara, sobre a riqueza da leitura: os livros não aparecem apenas como objetos simbólicos. O filme reafirma a importância da leitura (e da arte como um todo) em nossas vidas, como algo que atravessa o tempo, preserva memórias e nos ajuda a compreender quem somos e quem ainda podemos nos tornar. 

Vale a pipoca?

Ao final, Livros Restantes se revela um filme que aposta em um ritmo mais lento. No entanto, ele dialoga diretamente com sua proposta e com o tempo necessário para que as reflexões apresentadas se acomodem no espectador. Márcia Paraíso constrói uma obra que entende que certas memórias, afetos e escolhas não podem ser apressados, assim como os processos de despedida e recomeço.

Sustentado por um roteiro sensível, um elenco afinado e uma protagonista que carrega o filme com extrema humanidade, este longa deixa claro que seguir em frente não significa apagar o passado, mas aprender a olhar para ele com honestidade. 

Livros Restantes estreou dia 11 de dezembro de 2025 nos cinemas, uma coprodução Brasil–Portugal.

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Sexa parte exatamente desse lugar: acompanha Bárbara (Glória Pires), uma mulher vibrante, espirituosa e inquieta, que acaba de atravessar essa marca simbólica da idade enquanto luta contra o medo de envelhecer. Revisora de textos, ela divide sua rotina entre o trabalho e as conversas afiadas com a melhor amiga e vizinha, Cristina (Isabel Fillardis), cúmplice de confidências, risadas e frustrações. A aparente estabilidade é abalada quando Bárbara se envolve com Davi (Thiago Martins), 25 anos mais jovem. 

Assim, surge não é apenas um romance, mas um dilema emocional: viver intensamente esse novo amor ou sucumbir aos receios, aos julgamentos e às regras não escritas que insistem em limitar o desejo feminino com o passar do tempo. 

A estreia de um ícone na direção

Sexa marca a estreia de Glória Pires na direção, refletindo um olhar afetuoso e consciente sobre a história que quer contar. A produção assume o formato de uma comédia romântica gostosa de assistir, daquelas que aquecem o espectador. Possui um ritmo tranquilo, diálogos espirituosos e conflitos emocionais reconhecíveis. Há uma clara herança das comédias românticas dos anos 90, que ainda evoca aquela clássica vibe “Manoel Carlos no Leblon”,  ainda que a trama se passe majoritariamente no Arpoador. Mas, convenhamos, a essência é praticamente a mesma.

Leve sim, mas consciente

Nesse cenário, todo o elenco está ótimo em cena, carismáticos, conduzindo um filme que entende seu tom mais leve e não tenta ser maior do que precisa. Ainda assim, Sexa não ignora questões importantes e trata o etarismo de forma direta e sensível, mesmo que com pouco desenvolvimento de seus coadjuvantes. 

A narrativa opta por uma produção mais pé no chão, menos idealizada, que entende que o envelhecimento traz dilemas reais, sejam físicos, emocionais ou sociais, especialmente para as mulheres.

Há alguns poréns

Há sim muitos clichês do gênero e o filme não parece interessado em subvertê-los, utilizando-os como ferramenta para abrir espaço para debates sobre etarismo, relacionamentos com grande diferença de idade entre o casal e, sobretudo, sobre liberdade. É nessa combinação entre leveza e consciência que o longa encontra sua identidade, convidando o público a rir, se reconhecer e refletir sem peso excessivo. 

Essa escolha de abraçar os clichês e a leveza também se reflete na construção dos personagens, que acabam sendo um pouco unilaterais demais, com poucas zonas cinzentas. Ainda assim, essa simplicidade casa com a proposta da produção: Sexa até flerta com a crítica social, mas está longe de querer se transformar em um drama pesado ou denso.

O filme prefere permanecer em um território confortável, acessível, onde os conflitos existem, mas nunca sufocam a narrativa. Nesse sentido, ele é assumidamente leve, inclusive mais leve do que a maioria das novelas. Parece consciente de que seu objetivo não é aprofundar cada dor, e sim provocar identificação, acolhimento e prazer na experiência de assistir. 

Peca ainda na parte técnica

Tecnicamente, Sexa apresenta boas escolhas de mise-en-scène, especialmente na forma como os espaços cotidianos, com locações reais, são usados para criar intimidade e conforto. Ainda assim, fica a sensação de que um diretor de fotografia um pouco mais inspirado poderia elevar a produção em termos cinematográficos. Visualmente, o filme aposta em uma linguagem segura, funcional, que nunca atrapalha, mas também raramente surpreende. 

Há ecos daquele visual televisivo como em Pequeno Dicionário Amoroso e Se Eu Você Você (com a própria Glória). Ou seja, produções que priorizam a história (simples) e os personagens acima de qualquer ousadia estética. Funciona dentro da proposta, mas deixa a impressão de que havia espaço para ir um pouco além. 

Vale a pipoca?

No conjunto, Sexa se revela uma obra consciente de seus limites e de suas intenções. O filme usa os clichês como pontes para debater tabus e o desejo feminino na maturidade. Mesmo sem grandes ousadias, trata-se de uma produção honesta e com bastante empatia. Não pretende ser um retrato definitivo sobre envelhecer, amar ou recomeçar, mas um convite gentil à reflexão, embalado com leveza, humor e afeto. 

Ainda sobre Sexa!

PS: Sexa estreou com uma recepção bem acolhedora no Première Brasil Hors Concours do Festival do Rio deste ano, e chegou nesta semana aos cinemas. 

Outro PS: O elenco ainda conta com Danilo Mesquita, Eri Johnson, Rosamaria Murtinho, Dan Ferreira e Déa Lúcia. E vale o comentário pessoal: fazia tempo que eu não via o Eri Johnson em cena. 

Mais um PS: Amei que a Glória incluiu de forma espirituosa um diálogo no filme com o icônico “não sou capaz de opinar”. Para quem não lembra, a frase virou meme depois de sua participação como comentarista do Oscar. Ela respondeu exatamente assim, criando um dos momentos mais marcantes da Cultura Pop brasileira.

Mais um outro PS: Sexa também acerta ao tocar, com leveza e ironia, na cultura do cancelamento. Um dos diálogos sugere que até Clarice Lispector poderia ser cancelada nos dias atuais, usando a provocação para refletir sobre julgamentos apressados e / ou fora de contexto.

E vem mais um PS: Confesso que cheguei a escorrer uma lágrima. A química entre Bárbara e Davi é muito forte, e o casal funciona com uma naturalidade e um afeto que tornam fácil se envolver.

Último PS: Com mais de 50 anos de carreira, construída entre o cinema e, majoritariamente, a televisão, Glória Pires carrega uma trajetória que atravessa gerações. Sua presença em Sexa, agora também atrás das câmeras, reforça não apenas sua versatilidade, mas sua importância histórica para o audiovisual brasileiro. Uma de nossas maiores artistas.

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Dois nomes japoneses de grande renome e sua trama

Em 1985, o diretor e roteirista Mamoru Oshii, que dez anos depois nos entregaria Ghost in the Shell, uniu forças com o animador e também roteirista Yoshitaka Amano, que futuramente se tornaria um nome altamente celebrado na franquia de games Final Fantasy. Juntos, eles criaram este anime experimental misterioso, meio fantasia, meio ficção científica, construído dentro de um profundo contexto religioso. 

Na trama de Angel’s Egg, acompanhamos uma menina sem nome que protege um ovo enigmático enquanto vaga por uma cidade gótica, deserta e melancólica. Este é um cenário escuro, onde ela e seu ovo se fazem luz, dentro de um mundo esquecido. Eles estão sós até a chegada de um homem também sem nome, cuja presença não sabemos se irá ajudá-la ou ameaçá-la. Ambos não lembram de onde vieram e para onde irão.

A animação impressiona pelo estupendo jogo de luzes e sombras, que transforma cada quadro em uma pintura e reforça o tom onírico e inquietante da história. A direção de arte se destaca por paisagens detalhadas e sombrias, uma paleta de cores contida em azul, cinza, preto e branco, e com algum vermelho. 

Vale demais ficar pensando sobre ele

Angel’s Egg é profundamente contemplativo: há muitos planos longos, alguns quase estáticos, e pouquíssimos diálogos. É como se o próprio Mamoru Oshii estivesse convidando o espectador a permanecer ali, em silêncio, respirando o mesmo tempo que os personagens. Uma obra que não que não explica quase nada, pelo contrário, nos conduz a pensar, interpretar e questionar o que está acontecendo e até onde, afinal, eles estão. Não espere respostas claras, mas dúvidas, reflexões e muitas analogias. É aquele tipo de produção que realmente pede para você deixar o celular de lado e simplesmente prestar atenção, entregando-se ao ritmo lento porém hipnotizante da experiência.

Uma obra experimental com muitas analogias

O anime nasce daquilo que chamamos de arte experimental: uma forma de criação que não segue as regras tradicionais de narrativa, ritmo ou explicação. É o tipo de obra que entende que nem tudo precisa fazer sentido, mas precisa fazer sentir. E esse sentimento aqui é profundamente espiritual, já que o filme é repleto de símbolos religiosos, muitos deles associados ao cristianismo.

O próprio ovo, por exemplo, pode ser relacionado ao símbolo da Páscoa, onde representa renascimento, fé e esperança. Os peixes que aparecem ao longo da história remetem ao antigo símbolo cristão do grego ichthys. Já a água, que a menina coleciona em garrafas, reforça a ideia de purificação, vida e memória. Há até uma espada em forma de cruz, curativos localizados onde estavam as chagas de Jesus e diversas estátuas que lembram os santos. É como se todo aquele cenário abandonado ainda guardasse ecos de um mundo devoto, agora vazio, mas carregado de significados.

A nova versão da Arca de Noé de Angel’s Egg

Todavia, talvez a analogia mais evidente de Angel’s Egg seja a da Arca de Noé. A Bíblia conta que Deus enviou um dilúvio para purificar o mundo da degradação humana, poupando apenas Noé, sua família e alguns animais, que foram protegidos dentro da arca. Após quarenta dias e quarenta noites, a tempestade cessa e eles soltam uma pomba que lhes sinalizariam que as águas estavam baixando, que havia terra à vista e que a vida recomeçaria.

No anime, essa narrativa aparece em um longo diálogo entre os personagens, porém de uma forma distorcida, já que parece sugerir um cenário pós-apocalíptico e pessimista, uma vez que nesta versão a pomba nunca retornou. É como se o mundo tivesse sido abandonado após a tempestade, restando apenas ruínas e sombras de um passado. Nem memórias aquele mundo possui mais. 

Dito isso, quando o homem revela o contexto da Arca de Noé, surge a possibilidade de que aquela dupla esteja dentro desta arca perdida, cercados por fósseis e vestígios de um tempo há muito esquecido. Entre ruínas, o filme ganha sua cena mais impactante: o momento em que a menina mostra ao homem um pássaro fossilizado, revelando finalmente por que a obra se chama Ovo do Anjo, na tradução livre para o português.

Era um momento de crise do diretor?

Porém, nem o próprio Mamoru Oshii afirma com certeza o que Angel’s Egg significa, se mantendo esquivo sobre a mensagem da obra. Há quem diga que ele estava passando por uma crise de fé, algumas fontes dizem até que ele considerou entrar num seminário. No entanto, é importante frisar que ele não era cristão praticante, apenas alguém fascinado pela filosofia bíblica. Ele ainda afirmava que lia a Bíblia desde os tempos de estudante por curiosidade intelectual, não por devoção religiosa. Assim, este mistério pessoal reforça o caráter aberto do filme: cada um pode interpretar a obra à sua maneira, trazendo suas próprias crenças, dúvidas e interpretações para o universo simbólico e espiritual criado por ele.

A narrativa não parece falar sobre a perda da fé, mas sobre os perigos de uma fé cega, estática, mantida durante muito tempo. E é quando essa fé se rompe (ou quando a menina é libertada dela) que ocorre um renascimento simbólico: inúmeros ovos emergem, como se uma nova possibilidade de existência finalmente ganhasse forma.

Vale mesmo à pena conferir este clássico?

No fim das contas, Angel’s Egg permanece como uma daquelas obras raras que continuam vivas justamente porque recusam qualquer explicação definitiva. Seu silêncio, seus símbolos e sua atmosfera onírica (ou de pesadelo?) abrem espaço para interpretações quase infinitas. A produção convida cada espectador a encontrar seu próprio significado dentro daquele mundo esquecido. E talvez seja exatamente por isso que esse filme ainda nos fascina: porque nos permite pensar, duvidar, sentir e discutir. Como é bom que existam obras como Angel’s Egg, que nos lembram do poder da arte em provocar perguntas que jamais se fecham.

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Sobre o que se trata

A trama se desdobra em uma remota ilha dinamarquesa de Bornholm. Rose (Sofie Torp) é enviada para lidar com a aposentadoria de Christian Habersaat (Peter Mygind), um antigo colega de Carl Mørck (Ulrich Thomsen). A cerimônia, no entanto, termina em tragédia quando Habersaat comete suicídio, reacendendo segredos de um passado obscuro. A partir daí, Carl, Rose e Assad (Afshin Firouzi) mergulham na investigação de um crime antigo: a morte de uma jovem que apareceu misteriosamente em cima de uma árvore, conectada a uma seita e a desaparecimentos não resolvidos.

O roteiro adapta o sexto livro da série, The Hanging Girl (que, em tradução livre, seria A Garota Pendurada), mergulhando em um lado mais psicológico dos casos arquivados do Departamento Q. A ida a Bornholm não apenas reacende uma investigação marcada por omissões, como também desperta fantasmas do passado que ainda rondam tanto Carl quanto Rose.

Whodunnit

Dentro da tradição dos bons whodunnits (subgênero que se estrutura em torno da pergunta quem cometeu o crime?), Departamento Q: Sem Limites encontra um terreno especialmente fértil. Esse tipo de história se apoia em pistas espalhadas pelo caminho, suspeitos que entram e saem do foco, e uma investigação que convida o espectador a montar o quebra-cabeça junto com os personagens.

O filme abraça bem essa lógica: cada figura naquela ilha parece esconder algo, e as revelações surgem em camadas. É esse jogo constante de dúvidas, tensões e redirecionamentos que coloca a produção confortavelmente dentro do subgênero.

Precisa assistir aos demais filmes antes?

Vale lembrar que os seis filmes dinamarqueses do Departamento Q seguem uma estrutura de histórias independentes. Isso torna perfeitamente possível assistir a este sexto capítulo sem ter visto os anteriores. Cada caso se encerra em si mesmo, permitindo que novos espectadores acompanhem a investigação sem sentir que perderam informações essenciais.

Claro, quem já conhece os filmes anteriores (ou ao menos a recente série da Netflix) terá um entendimento mais completo das dinâmicas entre Carl, Assad e Rose, além das marcas emocionais que cada um carrega. Ainda assim, nada disso funciona como barreira: o longa se sustenta sozinho, mantendo acessível tanto quem chega agora quanto quem já acompanha a franquia há anos.

Pontos positivos

Departamento Q: Sem Limites se destaca pelo ritmo enxuto e envolvente, conduzindo a investigação com firmeza e sem perder tempo em desvios desnecessários. A dinâmica emocional dos protagonistas é afiada e equilibrada, dá para perceber que eles estão juntos à bastante tempo. 

Além disso, a narrativa evolui em direção a um desfecho surpreendente, construído com pistas discretas e revelações bem distribuídas. Isso reforça a sensação de um thriller policial coeso e satisfatório. 

Pontos negativos

No entanto, algumas escolhas narrativas acabam criando um certo desequilíbrio ao longo do filme. Há momentos em que a trama se dispersa com pequenas situações paralelas que pouco acrescentam ao caso principal. Enquanto isso, elementos mais relevantes, como a própria seita envolvida na investigação, poderiam ter ganho um aprofundamento maior e é tratada mais como uma caricatura.

Soma-se a isso uma cena envolvendo um zelador de colégio e Rose, que surge de forma abrupta e não encontra continuidade depois. Embora seja possível interpretá-la como um sinal antecipado da fragilidade emocional da detetive, o momento ainda soa gratuito, exagerado e desconexo, já que o roteiro abandona este homem por completo depois. Assim como o chefe de polícia Henrik Bak (Søren Malling), que não precisava ser tão estúpido e ignorante e que também é esquecido do ato final. Esses ruídos não chegam a comprometer o longa, mas indicam que ainda havia espaço para um desenvolvimento mais cuidadoso. 

Além disso, a direção de Ole Christian Madsen segue um caminho bem protocolar, entregando o necessário sem se arriscar. Não há invenção, brilho ou personalidade. Nada na parte técnica se destaca de forma especial: fotografia, direção de arte, figurino e trilha sonora operam de maneira correta, porém pouquíssimos inspirados.

Vale a pena o play?

Departamento Q: Sem Limites chega como um thriller atmosférico, um Nordic Noir capaz de envolver tanto quem já conhece esse universo quanto quem está embarcando nele pela primeira vez. Mesmo com alguns deslizes de foco e direção, o filme entrega uma investigação inquietante, com personagens que poderiam ser mais bem construídos, mas com um desfecho que amarra com competência as peças espalhadas pelo caminho. No fim, o que fica é a sensação de mergulho em um universo intrigante sempre pronto para revelar mais do que aparenta. 

Departamento Q: Sem Limites (Boundless / Den grænseløse) estreia exclusivamente na Filmelier+ no dia 19 de novembro. Todos os seis filmes de Departamento Q estão disponíveis no Filmelier+. São eles:
Guardiões das Causas Perdidas (2013)
O Ausente (2014)
Uma Conspiração de Fé (2016)
Em Busca de Vingança (2018)
O Efeito Marco (2021)
Sem Limites (2024) – estreia dia 19/11/2025

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Quando estreou e quando chega ao Brasil

Sua estreia aconteceu no South by Southwest – SXSW deste ano, um dos festivais mais badalados dos Estados Unidos. Ele justamente revela produções independentes ousadas e cheias de personalidade.

Lá, tanto público e crítica receberam o filme com entusiasmo. Consideraram visual­mente cativante, uma experiência fresca que gerou um bom burburinho pós-festival, o que colocou o nome de Ben Leonberg no mapa.

Agora, Bom Menino chega aos cinemas brasileiros nesta semana, no dia 30 de outubro, pronto para conquistar também o público por aqui. 

O suspense na perspectiva do mais fiel amigo

O grande diferencial desta produção está na forma como ele mergulha o espectador na mente e no olhar de seu protagonista canino. A câmera adota enquadramentos baixos, sempre à altura de Indy, e capta o mundo como ele o percebe: cheiros, ruídos e movimentos ganham nova dimensão. Cada cena do filme traz o bichinho em quadro ou adota seu ponto de vista, o que faz desta produção um desafio técnico e narrativo admirável.

Como Bom Menino foi feito

O diretor dispensou qualquer tipo de CGI: é “atuação” em tempo integral, reagindo a cada situação com uma autenticidade impressionante. Indy, além de carismático, é incrivelmente expressivo, percebe-se curiosidade, preocupação e até medo em seus olhos.

As filmagens de Bom Menino levaram quatrocentos dias ao longo de três anos. Ou seja, bastante tempo para um filme bem curto, 73 minutos (praticamente um média-metragem na verdade). Ainda assim, cada esforço valeu a pena pelo resultado final. Foram meses e meses não apenas treinando o cachorro, como também ajustando a câmera para capturar o ponto de vista dele.

E, para deixar tudo mais natural, grande parte das gravações aconteceu na própria casa para onde Ben se mudou. Isso permitiu que Indy se sentisse confortável e reagisse de maneira autêntica a cada cena. 

Alguns pontos fracos

A produção apresenta poucos personagens humanos e, na maior parte do tempo, quase nunca vemos seus rostos, o que deixa Indy ainda mais protagonista. A câmera adota ângulos baixos e expressivos, alguns lembrando até aqueles de Muppet Babies, onde apenas vemos os troncos e pernas das pessoas.

Para quem gosta de cachorros, a imersão acontece logo nos primeiros minutos. Desta forma, a preocupação com Indy gera uma tensão constante ao longo de todo o filme e, nesse sentido, agradecemos que a produção não seja muito longa. Por outro lado, quem não é tão fã de cães talvez não se conecte tanto com Bom Menino, já que a força da produção está, claramente, no bichinho. 

Ainda não espere muitas explicações sobre os fenômenos sobrenaturais que acontecem na casa ou sobre o histórico da família. Afinal, como o filme é contado do ponto de vista animal, Indy não teria como assimilar esses tipos de informações mais complexas. Além disso, alguns acontecimentos da história se tornem um pouco repetitivos, o que, com o tempo, pode cansar algumas espectadores ao longo da projeção. 

No final das contas, Bom Menino vale ou não vale a pipoca?

No fim das contas, Bom Menino é uma experiência única e bastante imersiva para quem gosta de filmes de terror e, claro, de cães. A tensão é constante: desde os primeiros minutos, sentimos que algo está errado naquela casa, e a perspectiva de Indy só intensifica esse clima de desconforto e expectativa.

Mesmo com algumas repetições na narrativa e ausência de explicações detalhadas sobre os eventos sobrenaturais, o filme conquista pelo seu conceito original, pela expressividade do doguinho e pela capacidade de nos fazer mergulhar de cabeça em seu olhar. É uma produção independente que prova que criatividade e coragem podem se sobrepor a grandes efeitos especiais, com um resultado final que vale cada minuto. 

Algumas curiosidades

PS: Após o lançamento do primeiro trailer, as buscas online por O cachorro morre em Bom Menino (2025)? dispararam. O público já se preocupava com o destino de Indy antes mesmo da estreia. 

Outro PS: Indy é um Duck Tolling Retriever da Nova Escócia, o menor entre as raças de busca com uma bela pelagem avermelhada. Segundo o American Kennel Club, o Duck Tolling Retriever da Nova Escócia é inteligente, afetuoso e ávido por agradar. Um querido. 

Mais um PS: Muitas pessoas compararam o filme a uma versão live-action da animação Coragem, o Cão Covarde. Já o criador do filme disse que não havia feito essa conexão até ver postagens na Internet sobre o assunto após o lançamento.

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Sobre o que é?

A trama se passa no Japão durante o período que envolve a Segunda Guerra Mundial. A protagonista, Totto-Chan, é uma menina de sete anos cheia de curiosidade e energia, porém considerada problemática pela escola tradicional que frequentava. Sob um olhar mais atento, percebemos que o problema não era Totto-Chan, mas sim o sistema rígido da escola, incapaz de lidar com sua forma singular de aprender e se expressar.

Ao ser transferida para a Tomoe Gakuen, uma escola inclusiva, a menina finalmente encontra um ambiente que valoriza a individualidade, permite a criatividade e promove a amizade, o respeito e a empatia entre os alunos.

Quem fez Totto-Chan?

Sob a direção de Shinnosuke Yakuwa junto do Estúdio Shin-Ei Animation (ambos responsáveis por diversos filmes do Doraemon), o anime é uma adaptação do livro autobiográfico de Tetsuko Kuroyanagi, que se tornou uma grande personalidade da TV japonesa.

Por que Totto-Chan merece sua atenção?

O tom geral de Totto-Chan: A Menina na Janela  é uma combinação delicada de inocência infantil, curiosidade e alegria, mesmo tendo como pano de fundo o período da Segunda Guerra Mundial. A animação acaba se destacando pela sensibilidade e fidelidade ao espírito do livro original, adotando uma abordagem poética para retratar a infância de Totto-Chan. As cores suaves, quase como se fossem feitas a lápis de cor, refletem lindamente a perspectiva infantil da protagonista.

O filme trata de temas como ensino alternativo (com liberdade nesta educação), amizade, empatia, solidariedade, inclusão, crescimento pessoal, perda, dor, pedagogia e família de forma emocional, profunda e inspiradora, equilibrando doçura, humor e tristeza. Vemos uma infância marcada pela guerra, mas sem mostrar diretamente os horrores do conflito.

Qual o papel da guerra aqui?

A guerra vai se fazendo presente de maneira sutil, surgindo gradualmente por indícios de escassez de alimentos, dificuldades no cotidiano e mudanças na rotina. A narrativa não recorre a grandes cenas militares para mostrar o conflito. Pelo contrário, sente-se a presença da guerra através de detalhes do dia a dia, situando a infância de Totto-Chan nesse contexto desafiador, sem perder a sensibilidade e até o humor.  

Eu ouvi bem, humor?

Sim, há bastante humor em Totto-Chan: A Menina na Janela, criando um equilíbrio raro entre comédia e tragédia. O filme emana uma fofura adorável que provoca boas gargalhadas, ao mesmo tempo em que valoriza a inocência infantil de seus personagens, gerando um profundo envolvimento emocional, especialmente com Totto-Chan. Esse cuidado faz com que o público sinta suas alegrias, curiosidades, pequenas travessuras, além de suas tristezas, de forma genuína. 

Seria ela uma criança hiperativa?

Embora o anime não utilize explicitamente o termo neurodivergente, a personagem Totto-Chan exibe comportamentos que podem ser interpretados como indicativos. Ela demonstra energia contagiante, distração frequente e entusiasmo intenso, características que muitas vezes são associadas ao Transtorno de Déficit de Atenção e Hiperatividade (TDAH).

É importante frisar que neurodivergência não é uma doença, apenas uma variação natural do funcionamento cerebral, diferente do que é neurotípico. 

Uma escola de verdade!

E é realmente impressionante como o Sosaku Kobayashi teve esse insight nos anos 1940 ao fundar a Tomoe Gakuen. Ele percebeu que aquelas crianças não eram apenas bagunceiras ou teimosas, havia muito mais ali. Ele se tornou conhecido por seu método educacional inovador e inclusivo, que valorizava a individualidade e o ritmo de aprendizagem de cada aluno.

A escola utilizava de verdade vagões de trem como salas de aula e promovia uma abordagem pedagógica centrada na criança. Desta forma permitia a cada estudante explorar sua curiosidade, criatividade e talentos de forma livre e estimulante. Essa filosofia pedagógica é um dos pilares que tornam a história de Totto-Chan tão significativa e inspiradora, mostrando como ambientes educativos bem estruturados podem transformar vidas. 

Há um ponto fraco

Talvez a única questão com o filme seja que ele termina de forma um pouco abrupta, mesmo concluindo o arco do colégio. Ainda assim, há de se ter consciência de que o filme segue a estrutura do livro de Tetsuko Kuroyanagi, composto por episódios independentes.

Essa forma de narrativa, que não segue uma linha do tempo estritamente linear, pode dar esta impressão de encerramento súbito, mas que mantém a essência das memórias de Totto-Chan, preservando o relato original. Só talvez não tenha funcionado tão bem na adaptação audiovisual.

Vale a pena a pipoca?

Vale, Totto-Chan: A Menina na Janela é uma obra que emociona e encanta sem recorrer ao piegas ou ao melodramático. O filme oferece um relato fofo e honesto da infância de Tetsuko Kuroyanagi, equilibrando com sensibilidade momentos de humor, alegria, tristeza e aprendizado. Desta forma, com uma animação delicada, cores suaves, narrativa poética e abordagem inclusiva, o longa consegue se tornar não apenas uma excelente adaptação do livro, mas também uma produção inspiradora e inesquecível para públicos de todas as idades. 

Algumas curiosidades:

PS: Vale citar que Totto-Chan foi inicialmente publicada como uma série de artigos na revista Young Woman, entre 1979 e 1980. Devido ao sucesso, eles foram reunidos e lançados como livro em 1981, alcançando rapidamente o status de best-seller no Japão.  E já teve duas adaptações antes em formato de série para TV.

Outro PS: A autora Tetsuko Kuroyanagi, hoje com 92 anos, é uma das figuras mais queridas e respeitadas do Japão. Iniciou sua carreira no teatro e na televisão, tornando-se uma das primeiras atrizes exclusivas da NHK, a emissora pública japonesa. Ao longo de sua trajetória, recebeu inúmeros reconhecimentos, entre eles a Order of the Sacred Treasure, uma das mais altas honrarias concedidas pelo governo japonês. Além de escritora e atriz, Tetsuko é também apresentadora do talk show Tetsuko no Heya (O Quarto da Tetsuko). Exibido desde 1976, detém o Recorde Mundial do Guinness como o programa com o maior número de transmissões conduzidas pelo mesmo apresentador.

Mais um PS: Totto-Chan: A Menina na Janela vem sendo amplamente reconhecido em importantes festivais. Em 2024, conquistou o Prêmio Especial Paul Grimault no prestigiado Festival de Annecy, na França, considerado o principal evento internacional dedicado ao cinema de animação. Já neste ano, to Anima Festival (na Bélgica) o premiou duplamente, vencendo melhor filme tanto pelo júri quanto pelo público. O Anima é um dos festivais de animação dos mais influentes da Europa.

Mais outro PS: Yasuaki Yamamoto, um dos amigos de Totto-Chan, tinha poliomielite, mas Jonas Salk desenvolveu e lançou a vacina apenas em 1955. Antes disso, não havia imunização disponível contra a doença. 

Último PS: O título A Menina na Janela é uma referência já que ela justamente costumava observar o mundo pela janela da escola, simbolizando curiosidade, imaginação e desejo de liberdade.

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Embora Suzanne Collins (autora de Jogos Vorazes) nunca tenha confirmado inspiração direta em Stephen King, muitos críticos e leitores notam semelhanças entre as narrativas. Ambas exploram competições mortais impostas por regimes autoritários, com jovens enfrentando escolhas extremas em busca da sobrevivência e de uma vida melhor.

O TERROR DA VIDA REAL

O maior terror de A Longa Marcha: Caminhe ou Morra é justamente o quão verossímil tudo parece. Não há monstros, fantasmas ou bruxas. O medo se instala na autoridade fria, na exaustão, em um mundo distópico extremamente cruel e sem grandes perspectivas.

A trama se desenrola em um regime totalitário que organiza uma competição anual brutal: cinquenta jovens (no romance são cem) entram em uma marcha sem parar, enfrentando privação extrema de sono e comida. As regras são brutais: o participante que não mantiver a velocidade mínima recebe advertências, e, ao acumular três em um curto período de tempo, os soldados o executam. E tudo é televisionado!

ELENCO COM GRANDES PROMESSAS

Na história, começamos acompanhando Ray Garraty, vivido por Cooper Hoffman, filho do saudoso Philip Seymour Hoffman. Diferente de muitos outros, Ray não está nessa competição apenas pelo prêmio, mas por um motivo ainda maior. Ao longo da marcha, ele e seus companheiros enfrentam um desgaste físico extremo e uma pressão psicológica sufocante: se os corpos não cederem primeiro, as mentes certamente irão.

Um a um, os concorrentes são exterminados até restar apenas um sobrevivente, recompensado com uma grande soma em dinheiro e o direito de ter um desejo realizado. Mas, diante de tanto horror, será que realmente podemos chamar esse último participante de vitorioso?

Além de Cooper, o elenco reúne jovens talentos que ajudam a dar peso emocional à jornada. Entre eles estão o segundo protagonista vivido pelo David Jonsson (de Alien: Romulus), Ben Wang (de Karatê Kid: Lendas), Roman Griffin Davis (de Jojo Rabbit) e Charlie Plummer (de O Retorno). Cada um deles traz camadas distintas para seus personagens, seja na forma de amizade, de rivalidade ou simplesmente de resistência. Dos adultos, destaques para Mark Hamill e Judy Greer.

E O ROTEIRO?

JT Mollner (de Desconhecidos) assina o roteiro de A Longa Marcha: Caminhe ou Morra. Embora a trama seja consistente e tenha momentos de forte tensão, há partes que poderiam ter funcionado melhor. O elenco mencionado acima possui química, com momentos de cumplicidade e de tragédia. No entanto, um background destes personagens com mais detalhes traria um impacto maior de suas mortes.

A narrativa também não chega a ser previsível, mas no último ato a escolha de um determinado personagem é mais do que óbvia. Não que isso também estrague a experiência, porém não sentimos esta ruptura em toda a sua plenitude.

O QUE NÃO FUNCIONOU TÃO BEM

Além disso, mesmo com o filme conseguindo transmitir a tensão e o desespero da marcha, os soldados acabam se mostrando extremamente unilaterais, especialmente o Major, interpretado por Mark Hamill. Embora ele represente o autoritarismo de forma clara e intensa, a construção do personagem poderia ter sido mais complexa, conferindo mais nuances e tornando sua presença mais envolvente a até mesmo mais ameaçadora dentro da narrativa.

Algumas desistências e fuzilamentos no longa ainda podem gerar certa decepção. É compreensível que esta super maratona exauste e quebre mentalmente seus participantes. Todavia, algumas mortes ainda parecem um tanto aleatórias. O que é um desafio para a produção, que precisa lidar com diversos óbitos sem se tornar repetitiva ou previsível.

E O QUE FUNCIONOU BEM

Uma dos maiores questões de A Longa Marcha: Caminhe ou Morra foi tornar cinematográfica uma narrativa onde um grupo de pessoas simplesmente anda. E, nesse sentido, o resultado é um dos pontos mais positivos da produção.

Exploram-se as paisagens do interior de forma marcante e ficamos imersos no cenário social devastado. Este de fato é um país abalado pela guerra e pelo colapso econômico. A pobreza está espalhada por todos os lados, reforçando a tensão e a sensação de desespero que permeia toda a competição.

Além disso, o filme consegue não se tornar repetitivo, apresentando um desenvolvimento consistente ao longo da narrativa. E perdão ao trocadilho, mas é possível afirmar que se trata de uma produção com bom ritmo, capaz de manter a atenção do espectador do início ao fim.

PARA MAIORES DE 18

O longa apresenta uma violência gráfica, um aspecto que merece aviso ao espectador. No entanto, esse recurso se mostra coerente com a narrativa e casa bem com a denúncia que a produção pretende fazer, reforçando o impacto da história e a sensação de horror realista vivida pelos personagens. Outro ponto positivo da obra é que essa brutalidade não é repetida a todo momento, sem sobrecarregar a audiência.

VALE A PENA ENTÃO CONFERIR?

A Longa Marcha: Caminhe ou Morra chega aos cinemas em 18 de setembro, oferecendo uma experiência intensa e angustiante. Um círculo da violência que parece nunca terminar, refletindo a brutalidade sistêmica imposta aos jovens participantes.

Apesar de algumas escolhas narrativas, a combinação de ritmo consistente, paisagens marcantes e construção intensa dos conflitos e relações entre os personagens faz desta adaptação uma obra que prende e provoca reflexão, consolidando-se como uma experiência cinematográfica que ficará em seus pensamentos.

PS: Stephen King escreveu A Longa Marcha aos 19 anos, embora o livro só tenha sido publicado em 1979 sob o pseudônimo de Richard Bachman.

Outro PS: Esta é a segunda produção baseada em uma obra dele deste ano que o Mark Hamill participa. A primeira dela foi A Vida de Chuck.

Mais um PS: David Jonsson tem 32 anos, mas ele se passa bem por um jovem, certo?

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MAS SOBRE O QUE SE TRATA?

Acompanhamos Ivy Rose (Olivia Colman), uma chef de cozinha talentosa, e Theo Rose (Benedict Cumberbatch), um arquiteto respeitado, que à primeira vista representam o casamento perfeito. Com filhos adoráveis, felizes em suas carreiras e com uma vida de aparente equilíbrio, eles parecem imunes às crises comuns. No entanto, quando a carreira de Theo entra em declínio enquanto a de Ivy dispara, o que antes era harmonia se transforma em uma guerra silenciosa de ambição e ressentimento. Como os filhos serão criados? Como a troca de hierarquia no trabalho e nas responsabilidades domésticas se dará? É nesse terreno frágil que o longa constrói sua sátira sobre o casamento contemporâneo, expondo como as pressões sociais e o sucesso profissional podem corroer até mesmo os laços mais sólidos. 

De fato, Os Roses se estabelece como uma sátira moderna, utilizando humor, ironia e exagero para transformar o riso em uma verdadeira ferramenta de reflexão sobre casamento, ambição e relações humanas. Comparado ao clássico de 1989, o remake apresenta diversas diferenças: nomes, profissões, amigos e até nacionalidades foram alterados, mantendo praticamente apenas os filhos, a disputa pela casa e, claro, as brigas intensas e absurdas que marcaram a obra original.

OS ROSES ATRAVÉS DO TEMPO

Revisitando A Guerra dos Roses dos anos 80 (disponível no Disney), fica evidente, que ele envelheceu mal, o que evidencia o mérito da versão de 2025 em atualizar a narrativa. Naquela época, a personagem da Kathleen Turner recebeu motivos bastante rasos para começar a odiar o marido, sendo transformada em uma mulher ressentida e, de certa forma, tratada como louca. Além disso, há uma cena em que o personagem do Michael Douglas por pouco não ultrapassa completamente os limites do consentimento.

É importante ainda dizer que o filme do Danny DeVito foi baseado no livro homônimo de Warren Adler, publicado em 1981. Porém, diferente das duas adaptações cinematográficas, a obra literária adotou um tom mais sério e introspectivo. Isso a fez explorar de maneira profunda as complexidades emocionais do divórcio e as tensões que surgem quando um casamento desmorona. Enquanto os filmes acentuaram o humor do absurdo, o livro tem um olhar mais detalhado sobre os sentimentos, motivações e dilemas dos protagonistas, oferecendo uma perspectiva mais rica e reflexiva sobre a dissolução do casamento. 

A COMÉDIA DO CONSTRANGIMENTO, ELA FUNCIONA ATÉ QUE PONTO?

Voltando a Os Roses: Até Que a Morte os Separe, apesar de alguns momentos divertidos, a produção não se mostra necessariamente engraçada. Grande parte do humor se apoia no constrangimento e na situação absurda dos personagens, mais do que na comédia tradicional. Em vários momentos, os diálogos (muitos deles excelentes por sinal) e atitudes dos protagonistas causam mais choque e mais surpresa do que risos. Apesar do caráter ácido e provocativo, muitas piadas não funcionam tão bem, fazendo com que o filme provoque mais do que entretenha. 

O ELENCO, UNS AFIADOS, OUTROS NEM TANTO

Apesar disso, o longa ganha muito com o casting de Benedict Cumberbatch e Olivia Colman, que talvez não saibam o que é atuar mal. Ambos demonstram um domínio absoluto de suas performances, trazendo profundidade e nuance aos personagens e elevando significativamente a qualidade do roteiro. É fácil imaginar que, com outros atores, Os Roses poderia ter perdido força e impacto. O casal protagonista é marcado por sarcasmo, deboche e trocas afiadas de diálogos, tornando as interações tensas e carregadas de humor ácido e trazem verdade e verossimilhança com a história.

Já o elenco de coadjuvantes reúne nomes de peso como Ncuti Gatwa, Andy Samberg, Allison Janney, Kate McKinnon, Sunita Mani, Zoë Chao e Jamie Demetriou. No entanto, apesar de todos serem ótimos atores, há momentos em que suas atuações não alcançam a mesma naturalidade de Benedict Cumberbatch e Olivia Colman. Em especial, a Amy da Kate McKinnon se mostra problemática: suas piadas muitas vezes são fracas e ainda geram dúvida sobre o tom da personagem. Fica em aberto se ela foi criada como uma figura propositalmente sem noção ou se o roteiro acabou forçando excessivamente certas situações. E isso mesmo considerando o filme como uma sátira.

DEU CERTO?

No fim das contas, Os Roses: Até Que a Morte os Separe é um filme sobre escolhas e arrependimentos. Ele explora de maneira ácida e reflexiva, apesar de não tão engraçada, as dinâmicas do casamento contemporâneo. Há bons momentos de sarcasmo, deboche com verossimilhança que prendem a atenção. E, sem dúvida, o final é um destaque à parte, construído detalhe a detalhe, encerrando a história de forma satisfatória, reforçando o impacto emocional da sátira e deixando uma sensação de reflexão sobre as escolhas, os limites e os arrependimentos que moldam a vida e os relacionamentos.

PS: Dá vontade de conhecer o We’ve Got Crabs! Sim, há um duplo sentido aqui.

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Nele, seguimos Tereza, 77 anos, moradora de uma cidade industrial na Amazônia que, vê seu mundo virar de cabeça pra baixo quando é informada que precisa ir para uma colônia de idosos, um programa estatal de exílio compulsório para a terceira idade, um mecanismo que transforma a velhice em sentença de exclusão. Só que ela decide romper este destino e partir pelos rios e afluentes para cumprir um último desejo. 

VOCÊ SABE O QUE É UMA DISTOPIA?

O Último Azul se apresenta como uma distopia, gênero que imagina sociedades futuras ou alternativas marcadas por sistemas de opressão, controle social ou crises que distorcem a vida cotidiana. Gabriel Mascaro já havia explorado um território distópico em seu filme anterior, Divino Amor, ambientado em 2027, onde religião e Estado estão fortemente entrelaçados.

Voltando a O Último Azul, esta é uma produção que coloca o etarismo no centro do debate. Na trama, a sociedade busca descartar os idosos, como se ficar velho fosse um fardo e não uma etapa natural da vida. O longa nos provoca a refletir sobre o verdadeiro sentido de envelhecer e a desconstruir preconceitos. Tereza está velha, sim, mas continua viva, curiosa, cheia de sonhos e vontades. E o que a narrativa ressalta é justamente isso: se tivermos sorte, todos nós chegaremos lá, a velhice é destino comum, ainda que muitos prefiram ignorar essa certeza.

O LONGO PROCESSO DE CRIAÇÃO DE O ÚLTIMO AZUL

Em entrevistas, Gabriel Mascaro revelou que esta obra é fruto de um processo longo, um roteiro que ele foi lapidando ao longo de dez anos. Parte da inspiração veio de sua própria avó, que começou a pintar aos 80 anos, e também de discussões que surgiram durante a Pandemia sobre a vulnerabilidade e a invisibilidade da população idosa. O diretor contou ainda que queria pensar um corpo antigo vivendo o presente, com desejos no presente, e não apenas como um repositório de memórias do passado. Sua intenção era mostrar um corpo idoso com vontades e sonhos, não alguém que estivesse apenas se despedindo da vida. Tereza, nesse sentido, representa essa potência: uma mulher que ainda deseja, ainda sonha e ainda quer celebrar a vida.

ELENCO SIMPLESMENTE FANTÁSTICO E EM SINTONIA COM A HISTÓRIA E A TÉCNICA

O elenco de O Último Azul merece destaque, especialmente a atuação fenomenal de Denise Weinberg, que dá vida a Tereza com uma combinação rara de bondade e sagacidade, ela é boa, mas não é boba! Tereza é a total protagonista da história, conduzindo a narrativa com suas escolhas e vontades, enquanto os demais personagens aparecem ao longo de sua jornada. O Cadu de Rodrigo Santoro, embora coadjuvante, cumpre um papel fundamental, com uma passagem que impacta diretamente a trajetória de Tereza. O filme também valoriza a diversidade do elenco, incluindo atores amazonenses, com destaque para o Adanilo, além da escalação de Miriam Socarras, atriz cubana. 

Tecnicamente, este longa é um desbunde cinematográfico. Cada cena é uma obra de arte, como diversos “One perfect shots“, um verdadeiro “This is cinema“, como diria Martin Scorsese. A fotografia, assinada por Guillermo Garza, captura não apenas a vastidão, como uma áurea mística da Amazônia, transformando a floresta em um personagem vivo. A trilha sonora, composta por Memo Guerra, é igualmente marcante e imersiva. A filmagem foi realizada em dois meses, com a maior parte do tempo em barcos pelos rios amazônicos, conferindo autenticidade e intensidade à narrativa.

POR INCRÍVEL QUE PAREÇA, É BEM-HUMORADO

O Último Azul também flerta com um humor leve, mas nada bobo. Eu morri de rir com o “cata-velho”, quase como se fosse uma carrocinha de cachorro, algo que, à primeira vista, parece absurdo, mas que, naquele universo distópico, se encaixa perfeitamente e soa totalmente verossímil. Não esperava encontrar esse tipo de comicidade, que acaba acrescentando camadas à história sem reduzir a seriedade das questões que ela levanta. Ao mesmo tempo que nos faz rir, é um tipo de realidade tão convincente que também assusta e incomoda, reforçando a força da narrativa.

O filme ainda brinca com o fantástico, mas nunca nos entrega uma resposta definitiva. É realmente magia, ou foi apenas uma coincidência? Aquele líquido azul, de fato, funciona, ou é apenas um alucinógeno? A trama ainda termina de forma aberta, algo que pode incomodar quem prefere conclusões claras, mas essa dúbia finalidade tem seu charme: provoca reflexão, deixa espaço para interpretação e mantém a história viva na mente do espectador muito depois de os créditos rolarem.

VALE O INGRESSO?

O Último Azul é um filme que encanta, tanto pela beleza de sua cinematografia quanto pela força dos temas que aborda. A história de Tereza é, acima de tudo, uma fuga da opressão, seja do Governo, seja da própria família, mostrando que ela não é uma incapaz, mas alguém que ainda tem vontades, sonhos e desejos. O longa nos lembra que nunca se é velho demais para começar algo e que é possível olhar para o futuro, e não apenas para o passado. Dessa forma, ultrapassa-se a crítica ao etarismo, lançando luz também sobre governos totalitários e sobre os laços familiares. Um filmaço! 

PS: O Último Azul está na lista final para a escolha de qual filme irá representar o Brasil no Oscar 2026. Ele terá um concorrente à altura, O Agente Secreto, do Kleber Mendonça Filho, com o Wagner Moura, premiado em Cannes. Estamos muito bem servidos como no ano em que tivemos Bacurau e A Vida Invisível... E que ótimas levas de história nosso cinema tem tido, lindo de ver!

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