A História de Jesus para Quem Tem Pressa é um livro escrito por um professor PhD, teólogo e estudioso do meio acadêmico, Anthony Le Donne que idealizou desmembrar a figura de Jesus, tirando-o da posição de Cristo e falando sobre as diversas facetas deste ser humano que trouxe testemunhos de fé e sabedoria mas que ao mesmo tempo, também é um homem e é neste que o livro se dedica a mostrar desde apontamentos das qualidades dos discursos até a sociedade como o enxerga até os dias de hoje e como este está presente inclusive na imaginação, na cultura pop e diversos outros formatos.

O livro começa fazendo um comparativo entre a figura de Jesus Cristo, sacerdote, Mestre Nazareno, sua história e evolução com a de Michael King, mais conhecido posteriormente como Martin Luther King. Antes de entrar nos evangelhos de Mateus Marcos Lucas e João e de Jesus operando milagres e transformando vidas, Le Donne resolve trazer as facetas do homem Jesus porque para explicar a influência e e a força da evolução da figura de Jesus como sendo a imagem do salvador, o Cristo e a vinda de uma nova religião, é necessário passar por uma analogia com uma outra grande figura histórica marcante que também apresenta em sua história tamanha transformação.

Pois bem, dito isso, é possível entender como será o caminho do livro, abordando aspectos práticos, argumentativos como forma de demonstrar seu ponto de maneira elucidativa, comparativa para explorar os aspectos do Jesus histórico ao Jesus divino, aquele que é chamado de Cristo. Um livro estimulante em termos de argumentos e fundamentos para base desse livro-tese, eloquente e que demonstra determinação não em provar um ponto, mas em ser fonte de conhecimento para todos desde quem conhece com profundidade a Biblia como para quem possui pouco ou nenhum conhecimento das histórias que reverberam a figura de Jesus pois também aborda fatos históricos e passagens bíblicas para contextualização.

Após falar da figura de Jesus – o homem, o próximo passo é trazer informações da literatura do Cristianismo primitivo para demonstrar como Ele vem a se tornar o “famoso” Jesus. Com passagens bíblicas citando os evangelhos e as grandes histórias como a Santa Ceia, o apóstulo Paulo, Jesus na visão de marcos, Mateus, João e Lucas, bem como seus paradoxos e também as histórias que envolviam princípios de ética até chegar ao Evangelho de Tomé.

Acredito que aqui pode haver controvérsias jpa que é sempre sobre a ótica de Le Donne e do que ele estudou sobre a Bíblia e cada uma de suas passagens, ele como estudioso não aborda uma visão religiosa dos assuntos e faz sempre comparativos interessantes para chegar as conclusões de cada capítulo de seu livro tornando interessante analisar sob um ponto de vista mais pragmático e menos imaginativo pois em nenhum momento é colocado em questão os domínios da fé, a não ser quando se quer pontuar como Jesus chegou a ser o fenômeno cultural a ponto de ser o início de uma religião e de ser o comandante do calendário utilizado em muitas nações.

Um livro simples, relativamente curto e de fácil leitura que te leva a refletir sobre aspectos da humanidade. Excelente para estudiosos, fonte de inspiração, que entretém e instrui a quem busca conhecimento.Ha um capítulo completo sobre Jesus na era pré moderna que aborda o contexto da imaginação que vai desde as artes plásticas e expressão artística na literatura, nos poemas e outras formas de arte, como também em outras culturas como o Islamismo e Judaísmo.

Talvez o que incomode aos cristãos seja a destreza do autor em trazer aspectos muito realistas, históricos, e abordagens um tanto quanto concretas, o que distancia do que é a fé e a crença no divino aproximando mais o livro a um método estudioso do que satisfatório para quem enxerga Jesus como messias pois o autor inclusive aproxima a figura de Jesus aos homens comparando-o com refugiados, sem tetos, fala sobre os memes criados e outros tantos assuntos da atualidade o que torna a leitura algo sensacional e abrangente para quem busca esse tipo de fonte de saber.

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Taika Waititi interpreta Adolph Hitler na forma de amigo imaginário de um garoto que idolatra Hitler e sua interpretação nos faz lembrar de ninguém menos que Charles Chaplin em O Grande Ditador. Roman Griffin Davis é Jojo, um garoto de 10 anos que deseja se juntar à Deutsches Jungvolk, a divisão infantil da juventude Hitleristica. Um acampamento militar mas que desenvolve atividades parecidas com a dos escoteiros ensinando-os a utilizar facas, fazer as saudações e praticar algumas façanhas um tanto quanto cruéis como, por exemplo, conseguir matar um animal para provar sua perícia de caça e sua destreza.

Aqui faço um parenteses para salientar o quanto Taika Waititi surpreende em termos de atuação, caracterização e transformação de personagem pois não se enxerga em momento algum a figura de Waititi e sim somente a de seu personagem versão satírica de Hitler. Outra personagem destaque, e que também traz toda a graça da sátira, é Fraulein Rahm interpretada por Rebel Wilson (nome artístico da comediante australiana que ao se mudar para os Estados Unidos fez fama rapidamente em comédias do cinema) e que é uma das treinadoras desse “exército” infanto-juvenil.

O ingresso a esse esquadrão infantil era mandatório a partir de 1939 e tornou-se no longa-metragem o fio condutor para mostrar como a sociedade estava alienada e tinha sofrido uma espécie de lavagem cerebral (algo como as fake news fazem nos dias de hoje no Brasil). Voltando ao garoto, ele sofre uma espécie de plot twist ao se deparar com uma garota vivendo nas paredes de sua casa. Filho de uma mãe dócil e gentil, interpretada por Scarlett Johansson, que esconde esse segredo: Elsa (Thomasin Mckenzie) é uma garota um pouco mais velha que Jojo, tendo a idade de sua falecida irmã e possui um agravante: É judia!

O longa trata de premissas controversas, temas dramáticos com sarcasmo e até por vezes engraçado: uma garota judia escondida em uma casa onde o filho mais novo é um nazista extremista e possui uma mãe que, aparentemente, finge o ser também para poder sobreviver nesse militarismo ditatorial. O longa se perde apenas em alguns momentos no campo das hipérboles e contradições entre o drama, dor, sofrimento e a sátira, o entretenimento e a graça das piadas.

Waititi além de interpretar um dos personagens principais, escreveu (roteirizou) e dirigiu a trama e isso é o que mais chama atenção pois é feito com maestria, apesar de pequenos desgastes e momentos engessados ou até mesmo um pouco de lentidão e tropeços ao longo do desenrolar, mas que não estragam a diversão ou reflexão que é proposta. Por vezes cria um desconforto em quem não sabe se rir da desgraça satirizada ou se entende que não é algo engraçado mas que pode ser tratado dessa maneira, afinal o cinema é uma arte inclusive de protesto.

A trama toda caminha pela narrativa de uma mente infantil que imagina coisas e vive em um redoma que desenrola uma mente fértil e imaginativa, mas que por estar em um ambiente contaminado pela visão nazista parece por vezes ser distópico, porém infelizmente, verdadeiro e que aliás foi baseado em um livro escrito por Christine Leunens denominado Caging Skies, ainda não editado no Brasil.

Jojo fica fascinado ao conhecer Elsa e ver que ela (por ser judia) não é como ele a imaginaria (um monstro fétido, feio e com maus hábitos), pelo contrário é humana como ele, uma boa companhia e não haveria porque não gostar de uma pessoa assim, fazendo com que sua mente comece a entrar em parafuso e não entender o porque Hitler falava sobre extermínio de judeus. É aí é o ponto alto da trama que começa a trazer a parte dramática, sensível e reflexiva.

Através desse momento de Jojo com sua nova amiga judia temos um garoto fanático que se depara com a realidade: um discurso frágil, de ódio e supremacia racial, que prega a hegemonia e a demonização do outro. Outro momento importante e que revela as mesmas reflexões, porém na versão mais adulta e menos imaginativa é de York, melhor amigo de Jojo que também está alistado nesse conglomerado de crianças treinadas para fazer parte de exército nazista, quando este informa que os aliados atuais são os japoneses (fazendo menção a guerra) e dizendo que “convenhamos eles não pareciam assim tão arianos”.

Todos os personagens a certa altura precisarão rever seus conceitos, seja por conhecer um judeu “legal”, seja por perceber que os atuais aliados não são de raça ariana, seja pela chegada da grande guerra e dos mísseis que destroem a cidade. A certa altura ninguém sobra com essa visão de mundo idiotizada, radical, medíocre e imposta, pois começam a perceber que devem pensar por si mesmos e devem também se proteger contra o novo inimigo: o medo da morte e juntar os cacos do pós guerra.

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Eu estava com grande receio de que esta nova adaptação fizesse alterações drásticas que estragassem a visão mágica que eu tinha da história e fui ao cinema assistir a cabine de imprensa com um sentimento que misturava grandes emoções, já que recentemente, meu pai faleceu e essa era uma doce lembrança que eu tinha dele, e a preocupação de que a história original fosse quebrada de alguma maneira. O que contrabalanceava estes sentimentos era a certeza de que tínhamos um elenco de peso contracenando, como a consagrada Meryl Streep, a famosa atriz feminista Emma Watson, e e Florence Pugh (conhecida por Midsommar e Malévola) e Laura Dern (que fez um excelente trabalho em História de um Casamento) por isso, eu tinha a certeza que seriam perfeitas em seus papéis.

O livro e as livre adaptações inspiradas na obra, são carregados de mensagens feministas sobre diversos assuntos como matrimônio, estudar, poder ou não ser autora literária ou escrever para jornais, lecionar, tocar piano, pintar, entre outras atividades que para a época eram ou não consideradas propícias para mulheres, destacando-se no discurso oposto ao praticado e sendo uma obra à frente do seu tempo, que rompia com diversos paradigmas tendo como palco os dramas familiares, traços de um suposto romance histórico, e inspirações biográficas da autora,

Na época que assisti eu não entendia nada sobre relacionamentos, discurso de empoderamento e direitos da mulher, mas de uma coisa eu sabia: Esse longa metragem baseado no livro traz referências que todos nós já passamos um dia. Desemprego, vontade de crescer e ser melhor profissionalmente, doença e morte na família, conflitos de família e é isso, são essas características que fazem com que eu sempre indique esse filme.

Pois bem, vamos à nova versão:

A abordagem cinematográfica, a linguagem utilizada foi completamente diferente do contexto utilizado nos anos 90. Temos aqui uma trama com flashbacks e que tem sua linha do tempo quebrada para entrelaçar passado e futuro, usando como ponto de partida a visão de Jo, uma das filhas de “Mãezinha” como é chamada a personagem de Laura Dern. Jo é a personagem em destaque em muitos momentos pois é ela quem escreve o romance que será publicado sobre a vida destas irmãs, mesmo que por vezes a escolha de Greta Gerwig, diretora do longa, seja transitar por olhares de cada uma delas.

A história continua praticamente a mesma: As irmãs Jo (Saoirse Ronan), Beth (Eliza Scanlen), Meg (Emma Watson) e Amy (Florence Pugh) amadurecem na virada da adolescência para a vida adulta e os Estados Unidos atravessam a Guerra Civil em torno do ano de 1860, seu pai foi para a guerra e sua mãe precisa conseguir lidar com a maturidade de cada uma delas, conflitos familiares, sonhos, desejos, falta de dinheiro, doença repentina enquanto a tia das meninas, Tia Marsh, interpretada por Meryl Streep, cobra que as meninas tenham futuro e se casem.

Com personalidades completamente diferentes, elas enfrentam os desafios de crescer unidas pelo amor que nutrem umas pelas outras. Amor este que sempre é untado por uma das irmãs mais novas, Beth, e “mãezinha” que apesar de todos os seus conflitos pessoais , tristeza por estar longe de seu marido, inquietações por criar as meninas sozinha, sempre tem uma palavra de carinho e mensagens de paz e amor, reunindo a família. Porém este longa traz diferenças importantes não só na linguagem utilizada mas também em figurinos, pois a versão dos anos 90 salienta bastante a pobreza da família, enquanto aqui, mesmo que seja mencionado muitas vezes, a exuberância dos trajes não se assemelha ao discurso.

Com relação a linha do tempo e formato, Gerwig explora a montagem de maneira inusitada, em comparação com a outra versão do filme. Esse é um dos aspectos que mais chama a atenção e prende o espectador na história, demonstrando um ponto bem marcante da produção. As diferentes linhas temporais caminham com bastante fluidez, temos quantidades significativas de elipses narrativas que são trazidas para re-significar os espaços ocupados pela família March ainda aqui, em comparação a versão anterior.

A câmera acompanha as personagens em situação semelhante na casa em tempos diferentes e faz um alinhamento técnico utilizando nuances de cor, brilho, filtros para identificar que as épocas são distintas. a exemplo disso (aí vem um pequeno spoiler, mas que está presente tanto no livro quanto no filme, então teoricamente como ambos já foram publicados há décadas, não seria efetivamente um spoiler) Se não quiser ler, pode pular este pedaço, mas digo que é importante para entender como caminha a linha do tempo do filme.

A câmera acompanha Jo indo em direção a cozinha e descobrindo que sua irmã havia se recuperado de uma suposta gripe. Em seguida, temos a personagem em situação similar, mas com algo diferenciado que mostra o que está por vir. A fotografia se torna mais azulada e em tom sombrio de acinzentado, e Jo faz o mesmo percurso da cena anterior, indo pelas escadas em direção a cozinha, mas com passadas e expressão que revelam medo da personagem e é aí que vem a notícia da morte de Beth e que passamos a perceber que o ponto de vista de Gerwig na direção se dá por antes de Beth e depois de Beth, sempre na visão de Jo mas também há outros planos construídos sob ponto de vista de outras personagens e fatos e acontecimentos de suas vidas que estão sempre muito bem entrelaçadas.

Estes tons azulado-acinzentado ou solares e vibrantes permeiam ao longo da narrativa para mostrar essa diferença não linear e cronológica entre “antes de Beth” e “pós Beth” para demonstrar o grande significado que essa personagem tem para a família March, mas também são utilizados como recurso para fazer a ponte entre passado e presente de cada uma delas, pois a ótica vai mudando conforme a familiar que é a protagonista da “página” que Jo está escrevendo (e isso fica bem nítido e é feito de maneira promissora pela diretora do longa).

Ademais de tudo que já foi dito por aqui, há algumas ressalvas que me incomodaram bastante, entre elas está o pouco tempo de tela e explanação de seus conflitos das personagens de Beth e Mãezinha, pela importância de ambas na trama que relatei acima. Ambas são de grande relevância no desenvolvimento da história, mas Gerwig optou por não tratar das nuances de cada uma. Beth, que é tida pelas irmãs como “a melhor das March” já que é gentil e generosa, acaba desaparecendo não só por sua morte mas ausência de força da personagem e o mesmo ocorre com a mãe das meninas.

O ponto positivo fica para as falas masculinas inseridas nos momentos exatos e que dão força ao discurso do empoderamento feminino. um grande exemplo é quando Laurie, interpretado por Timothée Chalamet, diz a Amy que quer se casar com ela, e Amy, que possui um arco de triângulo amoroso com Jo, (por quem Laurie sempre foi apaixonado desde pequenos) diz que nunca se casaria com ele porque sempre iria se sentir a segunda opção, ou quando o editor diz pra Jo (quando ela apresenta sua obra finalizada) que mulher precisa se casar ou morrer (nas tramas, e talvez fazendo menção a como a sociedade pensava na época em relação às mulheres).

Nestes dois momentos, Gerwig tem atitudes distintas, uma que ressalta o mote do filme e outra que acaba sendo mais uma bola fora. O triângulo amoroso poderia ter sido melhor explorado por ela, que acaba trazendo a resolução logo em seguida, quando Amy cede rapidamente e não há um desenrolar que mostre a força do discursos.

No caso de Jo, de maneira sensacional a diretora consegue fazer uma homenagem a autora do livro e seu conflito da época ao lançar seu manuscrito de maneira vista como lucrativa com um final que cede as pressões do mercado e re-significar sua personagem, trazendo o final original da obra, mas com um desfecho um pouco diferente onde a própria autora e Gerwig mostram-se bater de frente com a sociedade patriarcal e, talvez, até mesmo trazer transformação e reflexão.

Adoráveis Mulheres mostra-se um filme delicado, com um refresh significativo em comparação a outra trama lançada em 1994, e que soa como veludo de tão gostoso de assistir. Realmente um programa de “mulherzinhas” que qualquer homem também irá se encantar ao assistir, pois como falei no início, vai além de temas femininos e de sociedade que na época eu nem podia compreender, mas também tange a vida em família e coisas que podemos mudar em nossas vidas para sermos felizes.

Opto por terminar este texto contextualizando a parte editorial de Jo e a ótica da diretora sobre a trama do livro pois é exatamente assim que termina o filme, com belas cenas da impressão e finalização do manuscrito que Jo escreve sobre a vida de sua família. Little Woman deixa o protagonismo nas mãos do exemplar escrito pela personagem protagonista e se revela fio condutor da trama e que percorre entre passado e presente dessa emblemática família.

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Vamos falar de Globoplay? Sim! Um excelente painel e atrações incríveis no stand da rede que contempla Globosat, Globoplay, TeleCine e outras empresas do grupo.

Com stand de 1000 metros quadrados, um entre os maiores da feira, com ativações de realidade virtual, projeções imersivas, e uma séries de entrevistas realizadas em uma mini arena, Globoplay trouxe solidez e muitas atrações interessantes para o público.

Vamos começar pelo painel, que trouxe as três principais atrações brasileiras que estão com estreia prevista para breve no aplicativo globoplay e que se referem aos gêneros comédia, drama e terror, e que misturam levemente um humor que beira o satírico e o ácido que vocês tanto gostam.

No palco, com a apresentação de Fernando Caruso como mediador, ele chamou primeiro o elenco, produção e direção da série “Eu, a Vó e a Boi” que conta com Arlete Salles (ovacionada pelo público na CCXP ao subir ao placo), Danielle Winits, Marco Luque, Alessandra Maestrini e o jovem Daniel Rangel. O diretor artístico da série Paulo Silvestrini também se uniu a eles para falar da nova série do grupo Globo.

Arlete destacou o talento de toda a equipe envolvida e mencionou principalmente o time de caracterização, pois disse ser muito importante para a construção de um personagem e, agregando ao seu comentário, o elenco falou sobre a importância da trilha sonora.

Alessandra subiu ao palco caracterizada como seu personagem, o “Seu Rocha” e trouxe algo inesperado, cantando uma ópera consagrada (“O Mio Babbino Caro”) ao vivo, deixando todos com os olhos marejados e tornando-se uma grata surpresa, sendo também ovacionada por todos os presentes.

Na segunda apresentação da noite, Caruso chama ao palco o elenco de “Onde Está Meu Coração”, mas antes disso, mostrou em primeira mão o trailer, até então ainda inédito, que emocionou a todos por se tratar de um tema tão delicado como as drogas e a reação familiar.

Fabio Assunção, nessa série, é o pai de uma jovem garota de família rica, que se envolverá com drogas e trará um grande drama para todos que a cercam. A história contempla um roteiro que mostra que a dependência química é questão de saúde e que merece ser analisada com cuidado, atenção e carinho, pois pode acontecer em qualquer família, não dependendo de condições financeiras e classe social para tal.

George Moura, autor da série em questão, salientou a importância de envolver o público com reflexões e temas humanos, de temas que são relevantes para a sociedade. Mariana Lima também presente no painel.

Na última atração do painel, Caruso convida Claudia Abreu e Maria Ribeiro a falar sobre Desalma e ambas dizem terem sido marcadas pela oportunidade de sair da zona de conforto exposta pelo Carlos Manga Jr, diretor artístico, que ressaltou a importância de fazer da TV um ambiente de experimentação de novos temas e o quanto esse trabalho representa.

Ana Paula Maia, autora, do livro que ambienta a série, salientou como o público os recebeu carinhosamente na CCXP e agradeceu a Globo pelo convite de trabalhar em um projeto do gênero de suspense com uma pitada de terror.

A arena Globoplay disposta no stand contemplou pequenos painéis que foram realizados no mesmo modelo que já havia sido experimentado nos outros anos e que é um completo sucesso, recebeu diversas atrações e personalidade como Kaysar Dadour e os roteiristas de “Carcereiros – O Filme” para falar sobre o longa-metragem que está nos cinemas. Nessa mesma linha, o palco foi sede para falar sobre a minissérie Hebe que trará cenas inéditas cortadas do filme, e no stand você podia tirar fotos em uma mini-instalação que tinha fotos de Andréa Beltrão e dois sofás brancos representando onde Hebe realizava suas entrevistas.

Fabio Porchat foi chamado para falar sobre sua nova atração “Que História é Essa, Porchat” em um painel bem intimista na arena que também recebeu os humoristas de Zorra, Escolinha do Professor Raimundo com Matheus Solano e Fabiana Carla. Também teve atrações sobre Olimpiadas e Futebol, entre outros vários temas que envolvem todo o grupo Globo com personalidades que são importantes de cada uma dessas áreas.

Portanto, podemos dizer que tanto os mini painéis realizados na arena Globoplay, o painel do auditório Tunder e as atrações imersivas das ativações foram temáticas e abrangeram todos os gêneros do universo do entretenimento. Tinha até uma tirolesa (da qual tive o prazer de participar) para representar aventura e “scape rooms” e imersão em realidade virtual (na qual morri de medo) que estavam ali para nós dar uma pitada do terror e o suspense.

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Logo de início temos uma espécie de Lucy Liu das boates tentando ser uma stripper, sem êxito como dançarina por não ter sex appeal e por não conseguir realizar um marketing pessoal.

Interpretada por Constance Wu, Destiny é um pouco desengonçada, sem jeito, tem uma filha pequena e precisa das gorjetas que ganha. No trabalho acaba conhecendo a personagem de Jennifer Lopez que a acolhe e ensina os macetes para se dar bem como dançarina de pole dance e stripper tornando-se melhores amigas

Logo percebe-se que se trata de um filme dirigido por uma mulher, e não por uma visão masculina, já que as cenas de pole dance, cenas sexys, sensuais e das strippers trabalhando na boate duram poucos frames pois a proposta aqui é focar na vida difícil que estas mulheres vivem e no que as levou a aplicar grandes golpes. As golpistas fala sobre amizade, como um “Conta Comigo” versão adulta e despretensiosa onde o “contar comigo” é mais voltado ao “se dar bem”.

A sintonia entre as protagonistas, elenco de apoio e coadjuvantes é exemplar e a atuação de todas, está excelente, o que podemos dizer que Lorene Scafaria, diretora da trama, conseguiu desempenhar um trabalho muito bom, inclusive chamando a atenção para a fotografia do filme e trilha sonora ambas envolventes que servem mais do que pano de fundo mas como fio condutor para que o espectador acompanhe sem se cansar.

Sim, comento sobre cansaço porque demora muito para chegar nas cenas em que o golpe é de fato arquitetado, explicado e executado, o que leva a, por muitas vezes, se pensar que ainda tem muito filme pela frente. Delonga-se bastante em contar as histórias de vida e os bastidores da trajetória pessoal de algumas personagens e isso acaba por deixar o filme um pouco cansativo ou até mesmo por vezes, chato.

Não há como negar que é bem possível que haja algumas indicações ao Oscar para este filme, principalmente para J-Lo que brilha em seu desempenho, além de protagonizar a trama, Lopez também é produtora do filme pela sua empresa Nuyorican Productions, em conjunto com Jessica Elbaum, will Ferrel e Adam Mckay, grandes nomes da indústria.

Uma tragicomédia livremente baseada no artigo “The Hustlers at Scores“, publicado em 2016 pela revista New York Magazine, é estrelada por Constance Wu, Jennifer Lopez, Lili Reinhart, Cardi B, Julia Stiles, Keke Palmer e Lizzo, e segue a história de strippers que se unem para aplicar golpes em seus clientes, que são homens ricos e corretores que trabalham na bolsa de valores de Wall Street.

O filme teve sua estreia mundial em 7 de setembro de 2019 no Festival Internacional de Cinema de Toronto, recebendo críticas positivas da mídia especializada mundial, talvez, pelo empoderamento feminino muito presente nos diálogos, e se tratar do dia a dia de mães, mulheres que precisam de alguma maneira levar sustento para casa e não tiveram tantas oportunidades de estudar e conseguir lograr de outras maneiras.

O principal discurso das golpistas, é que, estes homens que elas envolveram nos golpes, já iriam gastar suas fortunas mesmo assim, então porque não, usufruir destes benefícios sem precisar de um intercâmbio? Pois bem, você vai ter que assistir para entender como elas envolviam estes homens e o que de fato elas faziam para aplicar os golpes, mas, não tenho como garantir que gostará do resultado do filme.

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E aí novos nerds, vou contar para vocês um pouco do que pude vivenciar nesse primeiro dia, que pra quem não sabe, é como o título diz, um spoiler, só um gostinho do que vem por aí…

Vamos começar com um dos estandes que mais gosto: Warner! Eles trouxeram várias ativações bacanas, mas fica a dica: este ano você só poderá pegar a fila e ir nas atrações se tiver horário marcado. Daí vocês podem perguntar, como eu faço isso? Basta baixar o aplicativo e seguir as instruções para agendar a sua visita, e, no dia e horário marcado, comparecer ao stand e pegar a fila, que vai estar mais curta por estar seguindo a risca esse padrão, e assim evita toda aquela fila gigante e confusão.

Pois bem, a tão amada Warner Bros trouxe brindes co o sacolas personalizadas (estilo mochilinha), cartazes, e outros itens, o brinde é entregue ao público, basta tirar sua foto e participar da ativação. Dentre as atrações do estande estão Riverdale, Friends e Scooby Doo.

Os estandes de vendas como Lupo, Riachuelo e Piticas estão com produtos exclusivos para o evento, que não serão vendidos nas lojas, e com temas super geek pelos quais vocês irão se encantar! Uma novidade, esse ano tem um stand de venda de Pantufas 3D, e, como todos os anos, tem balas Fini e Cup Noodles com ativação pra ganhar brindes e comprar produtos! Huuuum… só de pensar já bateu aquela fominha né?

A Globoplay mais um ano está com a arena onde trará suas atrações para entrevistas e bate papo ao vivo, e tem aqueles brindes de retirar em máquinas com pegador, temáticos das séries e filmes que eles lançaram.

A Disney trouxe uma apresentação super bonita para representar o novo longa-metragem, Mulan, com pessoas que tocam tambores Taikô e tem um cenário montado para tirar fotos. Além de Mulan, tem Frozen com um detalhe super bacana, no sábado o Olaf estará lá pra tirar fotos, e enquanto isso não acontece tem estátuas das irmãs Anna e Elsa, e um ambiente com folhas e árvores de inverno como cenário.

A Amazon Prime esse ano trouxe para seu estande suas principais atrações, dentre elas um carrossel gigante para American Gods. Já a HBO trouxe His Dark Materials como atração principal.

Tem mais de um estande de Action Figures, mas o que mais me chamou a atenção foram as estátuas gigantes de Cavaleiros do Zodíaco e Dragon Ball Z.

Eu vou ficando por aqui, mas fiquem ligados que nos próximos dias nossa equipe fará a cobertura completa do evento, acompanhando painéis, tirando fotos e fazendo vídeos para as redes sociais do Novo Nerd!

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O Reino Gelado já é uma franquia e está em sua quarta versão, percebem-se ao longo das histórias mudanças importantes não somente em termos estéticos, mas também na evolução de roteiro e personagens.

Na Netflix você pode conferir o segundo filme dessa saga e nos cinemas a história sobre a Terra dos Espelhos para efeito de comparação e continuidade. O reino gelado: A Terra dos Espelhos estreia esta quinta-feira dia 21 e é uma linda animação que vale muito a pena conferir e estará disponível também em 3D!

A estética do novo filme traz uma profundidade, sombreados e volume a cada um dos personagens onde paisagens da Rússia são o ambiente de fundo da história. A franquia se passa em um povoado russo que possui um rei que odeia qualquer tipo de uso de magia. Isso se deve ao fato de que no passado a Rainha da Neve, com sua magia, trouxe muito medo à cidade e, por isso, foi banida a viver na Terra dos Espelhos, um lugar que é um portal onde somente pessoas com poderes mágicos podem adentrar, e de lá, nunca mais saem. É uma viagem só de ida.

Sobre os personagens de João e de Igor e os desafios da dublagem:

João: “Eu fiquei muito feliz quando soube que ia voltar a dublar o Orm, eu adoro esse personagem! Ele é singelo, ele é único, é um personagem ímpar, ele é isso, esse troll, desengonçado, ele tem esse físico todo estranho, baixinho com narigão orelhas, e enfim…atrapalhado, desengonçado, mas com um coração imenso, querendo sempre fazer o bem, querendo sempre ajudar, defender a honra dele, da família dele, dos amigos dele. Eu acho lindo, ele ser de uma integridade muito legal e eu adoro essa história né? Uma história que ela tem ido pra…principalmente nessa, o enredo vai pra lá, vai pra cá, passa por uma série de curvas e surpresas, de maneira muito surpreendente mesmo! E eu tô amando, esse universo, porque ele é mágico, maravilhoso, lindo, esteticamente lindo os campos, as montanhas, e eu fiquei muito feliz, é sempre um prazer poder voltar!”

Igor: “Roni é muito legal porque é totalmente diferente do personagem da novela. Roni também gosta de ajudar as pessoas, mas na novela meu personagem é simples, o Roni não, ele é o melhorzão, se acha o bonzão, vai dar em cima da menina, e é o garanhão do filme, e foi um desafio e tanto por ser a primeira dublagem e ser um personagem tão diferente do que eu já tinha feito. Porque a dublagem, você tem que passar toda a emoção pra quem tá assistindo no cinema ou então em casa, pela voz. A coisa do personagem caindo, dele com medo, dele apavorado, dele ter sofrido uma dor, tem que ser tudo na voz. Todas as frases e falas a gente tem que interpretar certinho do jeito que o personagem propõe e acho que o maior desafio foi esse; foi ter que passar essa emoção do Roni que é um personagem diferente pela fala”

Sobre a mensagem do filme e das cenas que eles gravaram:

O reino Gelado: A Terra dos Espelhos é uma animação com diversas mensagens para o público infanto-juvenil e ideal pra se assistir em família ou entre amigos. Trata de aspectos sobre amizade, confiança, perdão, auto-estima. Mas também sobre buscar dentro de si seus potenciais, ir atrás de seus objetivos, lutar em conjunto por seus ideais, coloca valores em cheque e demonstra sabedoria em um roteiro mais bem elaborado que as demais histórias da franquia.

João Côrtes diz que pra ele como já dito antes é um filme lindo, com estética maravilhosa e que dentro do “filminho específico” (se referindo às cenas que ele gravou e à Terra dos Espelhos) o Orm tem um papel um pouco menor, ele entra em momentos específicos só que ele se mantém ali, lutando “a ferro e a finco” pra defender os amigos dele e no que ele acredita. “Acho que sim, esse filme tem muitos ensinamentos, mas acho que o que fica mais forte pra mim é isso, é o perdão. A capacidade de você voltar atrás, nada é certo demais, nada é cem por cento, nunca é totalmente certeza, nunca é literal, sem retorno” – Ninguém é uma coisa só! João complementa. “Tudo pode voltar, as pessoas são flexíveis, perdoar voltar atrás, enfim!” e cita – O ser humano é essa metamorfose ambulante, finalizando a sua resposta sobre o que encontra de mensagem nessa história.

Para Igor como foi sua primeira oportunidade de dublar o Roni, (nas versões anteriores outros atores fizeram a voz do personagem) ele diz que: “No momento em que eu comecei a dublar vi que ele tem certas mudanças…não tem muito o que falar do Roni senão a gente acaba dando spoiler…mas dos momentos que eu peguei do filme o que o João disse do perdão, de uma pessoa não ser o que parece ser …ela é daquele jeito por algum fato que aconteceu na vida dela e ela não soube lidar direito e ela precisou de amigos de alguém pra aconselhar, alguém pra tá junto com ela e dizer o que ela poderia fazer então acho que tem muito essa mensagem de perdão que a gente tava dizendo aqui, é baseado em perdão amizade, e aí o filme tem aquelas histórias cômicas pra descontrair um pouco mais”

Pois bem, nessa animação se encontra de tudo, como puderam ver pelas falas de João e Igor tem amizade, perdão, mensagens importantes, estética, e tem também romance. Tudo muito equilibrado e bem feito. Vale a pena conferir essa história baseada em contos russos com a criançada!

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Ventos da Liberdade é um longa-metragem de Michael Bully Herbig que se transforma a cada ato em Thriller policial e suspense, com ar documental e lúdico ao mesmo tempo.

Durante o serviço militar, na vida real, PETER STRELZYK foi treinado como mecânico aeronáutico. Tinha noções de física e matemática, o que fez com que conseguisse projetar um balão. E pra que ele queria um balão construído por suas próprias mãos? Para fugir de uma Alemanha militar, ditatorial, a chamada Alemanha Oriental, pois o país havia sido dividido em duas partes, oriente e ocidente, por divergência de pensamentos político partidários, contemplando a chamada guerra Fria. Peter conhece GÜNTER WETZEL no trabalho, e esses se tornam grandes amigos. Eles, dois idealizadores com sonhos que não cabiam na Alemanha Oriental, decidem que querem ir com suas famílias para o ocidente.

Essa é a premissa da história real na qual o filme se baseia. Com fotografia e trilhas sonoras incríveis, mixagem de som e caracterização (de época) do filme, tudo compõe um cenário que se torna, aos poucos, quase um thriller policial. Ambas as famílias são perseguidas, mas sem que o exército e a polícia conheçam sua identidade, só tendo com base uma primeira experiência com o balão que acabou não dando certo.

Momentos de tensão tomam conta dessa trama que envolve o espectador de uma maneira que quase o faz integrante da história, ou talvez um observador, já que a câmera com seus planos fechados faz com que a perspectiva aproxime o público do que está sendo contado. A iluminação, os planos focados nos detalhes de olhar, aproximam quem assiste ao filme e deixa aquela sensação de que algo ruim está por acontecer.

Eles atravessavam a cidade, o país, para comprar aos poucos materiais para a construção do balão, e para que não fossem pegos em flagrante e descobertos. As crianças a qualquer momento podem acabar por contar algum detalhe que revele pistas do que está se passando para as autoridades. O menor movimento se transforma no maior risco de morte ou prisão dessa família. E o medo de perder contato com seus filhos também faz com que se titubeie um pouco, além de que atravessar a fronteira em um balão é ato heroico, considerado traição, e eles precisam partir sem se despedir de seus mais queridos familiares e amigos, ou até mesmo um novo amor.

Em 16 de setembro de 1979, as famílias Strelzyk e Wetzel fugiram da Alemanha Oriental e partiram para o Oeste em um balão de ar quente caseiro. No meio da noite, quatro adultos e quatro crianças decolaram de uma clareira no Sul da Alemanha Oriental, voaram sobre a fronteira entre as duas Alemanhas. Este é um filme que mostra essa história de maneira sensacional, com atores locais (já havia sido feito pela Disney uma versão desta história em 1982, intitulada Dramática Travessia), uma ótica realística sem parecer um documentário, e de maneira fictícia e bela, usando de diversos recursos do cinema para tal.

Ventos da Liberdade é filme que, acima de tudo, fala sobre persistência e determinação, com foco e planejamento, mesmo diante do desespero.

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A trama contará com o envolvimento de hackers que tentam desvendar uma rede de corrupção, enquanto personagem de Bruna Lombardi investiga um caso de assassinato! Disponível a partir do dia 13 no canal HBO, na HBO GO e também no aplicativo HBO Inclusão – HBO IN (novidade do serviço!), a narrativa muda um pouco de contexto em relação à primeira temporada, ampliando o espectro sobre o Tantra, sobre doenças psiquiátricas, e “a vida secreta dos casais” que estão envolvidos nos episódios, trazendo inclusive novas figuras!

Em dez episódios, a segunda temporada dá sequência à instigante história que explora as perigosas relações entre o mundo corporativo e a política. Paulo Gorgulho interpreta um banqueiro e empresário envolvido em escândalos de corrupção. Edgar Eleno se aproxima do vice-presidente Zairo (Leonardo Medeiros), que tomará posse da presidência a partir da morte do atual presidente da República. E é ai que entram os hackers, que tentam desvendar o que se passa e querem obter arquivos sigilosos sobre essa rede de corrupção armada por eles.

Bruna Lombardi volta a interpretar a sexóloga e terapeuta Sofia Prado, diretora do Instituto Tantra, que agora se unirá ao investigador Luís (Carlos Alberto Riccelli) e ao jornalista Vicente (Alejandro Claveaux) para elucidar o assassinato de Daniel (João Paulo Lorezon), já nos primeiros episódios. Só faltou a inclusão de um personagem para Kim, não é mesmo? E pois bem, esse foi um dos aspectos comentados na entrevista coletiva, e Kim timidamente respondeu que seu lugar é atrás das câmeras, pois já tem bastante trabalho pra fazer e não conseguiria administrar tudo isso.

Duas novidades da temporada, também comentadas na coletiva de imprensa realizada no escritório da HBO em São Paulo, é a entrada da atriz Mayana Neiva, que viverá Cassandra, esposa de Zairo, e de Laerte Coutinho, que fará uma participação especial em um dos episódios,
no elenco.

O elenco principal conta com nomes como Virginia Cavendish, Fernando Alves Pinto, Ondina Clais, Hugo Bonemer, Camila dos Anjos, André Loddi, Mel Lisboa, Natallia Rodrigues e Wandi Doratiotto.

A partir do episódio do dia 20 de outubro, a produção passará a ir ao ar uma hora mais tarde, e seguirá sempre às 22h.

Bruna Lombardi é a roteirista da história e contou pra nós, respondendo à uma pergunta, como foi a idealização, inspiração e construção dessa nova temporada, levando em conta os devaneios de sua personagem e a inclusão do tema hackers, investigação e política: “

“A personagem da Sofia é uma das mais complexas que eu já fiz, e realmente a complexidade dela é imensa, tanto pra escrever quanto pra criar como atriz. Porque? Porque eu ousei – vamos dizer assim – entrar num ambiente complicado pela primeira vez com uma protagonista que tem esquizofrenia. Mexer com um tema desses, já é por si, um mundo, e mexer com um tema desses, somado à investigação, sensualidade, e milhões de coisas… A série se vocês observarem tem inúmeras camadas, e cada uma das personagens transita por essas camadas, mas ficando só na Sofia, quando você lida com esse desbalanço, esse transtorno e essa complexa relação com a realidade e você me pergunta, é a realidade, não é a realidade?

(eu havia perguntado se para ela, tirando o fato de ter escrito a série, se olhasse para Sofia, ela enxergava a realidade ou tinha devaneios constantes, ou, como ela acredita, presságios?) Essa é uma discussão interna da Sofia, a Sofia diz assim, você viu hoje, não é spoiler!. Ela precisa se medicar né? Eu pesquisei, tenho um psiquiatra que eu trabalho com ele, e eu pesquisei esquizofrênicos, visitei lugares – essa pesquisa é extensa e intensa, precisa ter uma entrega muito grande, porque você não pode trabalhar com temas dessa sensibilidade sem muito embasamento né?

O que eu posso te dizer é o seguinte, pra quem sofre distúrbios, o limite é fazer mal a si mesmo e aos outros – e esse é o grande risco! -, e aqui eu estou falando de se machucar fisicamente, porque espiritualmente, emocionalmente, todos nós fazemos conosco, e a gente machuca os outros. Então por que todo mundo se identifica com a Sofia (e você não precisa ser um esquizofrênico pra se identificar com ela)? Porque todos nós nos machucamos! Todos nós fazemos esse questionamento, nos sabotamos, e podemos ter um momento de fraqueza e machucar alguém. Todos nós buscamos perdão. E eu posso ficar aqui fazendo uma lista de sentimentos que independente do background de cada um de nós, de onde a gente veio, no que a gente acredita, não importa! Nós temos sentimentos muito parecidos! E esses sentimentos refletem, de uma forma obviamente mais acentuada numa personagem como a Sofia.”

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Em Amor assombrado Vanessa Gerbelli é a protagonista Ana Clara. Sua mente lidera a forma como a história é contada. Inspirado no conto “Pente de Vênus” da escritora Heloisa Seixas, este longa-metragem funciona bem melhor como um conto do que efetivamente contado de maneira cinematográfica.

Isso ocorre porque a história te leva através de como funcionam os pensamentos de Ana Clara e fica muito confuso distinguir o que é real do que é imaginário. Ana Clara é casada com Claudio, personagem de Carmo Dalla Vecchia, mas, na sua adolescência, antes de seus pais falecerem num grave acidente, ela conhece Carlos na praia. Em um momento de deslumbre por uma concha no fundo do mar chamada pente de vênus, ela desmaia e quase se afoga, mas, o jovem Carlos muito bem interpretado por Guilherme Prates a salva e diz que sempre estará ao seu lado.

O filme ainda tem participações de Carol Oliveira no papel de Ana Clara jovem; Kiria Malheiros, Giovana Gold, Bia Sion, Nizo Neto e Cosme dos Santos. A direção e o roteiro são de Wagner de Assis (roteirista e diretor dos filmes “Kardec”, “Nosso Lar” e “A Menina Indigo”) que se baseia em uma das crônicas do livro para esta adaptação.

O elenco é dividido entre juvenil que participa do primeiro ato do filme e de algumas cenas de lembranças ou devaneios de Ana Clara e elenco adulto onde se passa a maior parte do longa-metragem, na fase adulta da personagem. Os atores da fase jovem tem falas marcadas e plásticas e não conseguem fluir muito bem a história, já o elenco que constituí sua vida de casada, consegue fazer com que o espectador sinta melhor a narrativa o que acaba deixando a desejar no contexto geral.

Infelizmente o mordomo e a versão mais jovem de Ana Clara bem como sua amiga imaginária não convencem em termos de atuação e acabam muitas vezes por desandar o ritmo da trama. Essa dificuldade de atuação é bem nítida quando utilizamos o personagem de Carlos como referencia, que flui bem melhor ao lado de Vanessa Gerbelli.

Ana Clara ao crescer se torna escritora e sua mente passeia entre a realidade de sua vida e os personagens de seus contos de maneira que os espectadores não conseguem distinguir um do outro. Em ritmo lento, confuso e esquizofrênico a história vai sendo contada, os personagens vão sendo apresentados até que é possível se sentir em casa.

A única coisa na trama que te faz entender o que se passa na mente de Ana Clara e distinguir o que é real do imaginário, é o uso de cores, luz e filtros, pois tudo que se passa em seus devaneios é demasiadamente colorido e solar, demonstrando que a vida de ninguém é perfeita e constantemente alegre, o que nos faz refletir bastante sobre nossas vidas.

Se você espera uma história normal e linear não vai encontrar aqui pois a maneira escolhida para contar essa trama é um tanto quanto peculiar. De certa forma tem-se a impressão de que seus personagens são espíritos que rondam e causam obsessão na escritora que se baseia em suas existências para escrever. Um deles é o mordomo de sua família (Nizo Neto) que parece que estava presente no dia em que seus pais morreram e então Ana Clara os eternizou em suas histórias, mas, vira e mexe eles voltam a sua mente como se fossem reais.

Outro é Carlos que tenta fazer com que ela se perca em si mesma para sempre para estar com ele. Este é o personagem limítrofe que a leva aos devaneios constantes desde a infância, seu real amor assombrado. Aparentemente a escritora é alguém que se sente muito solitária e que precisa destes personagens para sobreviver mas, eles a sufocam e ela tenta constantemente livrar-se destes pensamentos que a deixam desnorteada.

Amor Assombrado tem narrativa triste, onde muitas vezes te faz refletir o quanto estamos sozinhos e o quanto precisamos da presença do outro por questão de sobrevivência. Uma história de amor e de aceitação de como o outro é e da limitação de quem é mais próximo e mais querido em nosso caminho.

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